Menschen kommen, Menschen gehen. Der großartige Maurice White kam, ging und hinterließ so viel Freude, dass es wichtig ist, sein Werk ernsthaft zu betrachten. Er gründete Earth Wind And Fire, das Sinnbild für Groove und Glück, festgehalten auf Vinyl und Kassette, die größte und unterhaltsamste Band der späten 70er Jahre.
Ich dachte, es wäre eine gute Idee, einen genaueren Blick auf einen der einfachsten, aber bekanntesten Tracks der Band zu werfen: Let’s Groove
Passender Name, nicht wahr? (Die YouTube-Version klingt wie gewohnt schlecht, aber das Video ist so perfekt, dass es sich trotzdem lohnt, einen Blick darauf zu werfen).
Spotify it oder besser noch, kaufe es auf iTunes. Kaufe aber nur diesen Track, das Album „Raise!“ ist nicht unbedingt lohnenswert, abgesehen von den unglaublich avantgardistischen 26 Sekunden langen Kalimba-Tree. Wenn du darüber nachdenkst, EW&F-Alben zu sammeln, empfehle ich stattdessen „I Am“ und „All and All“.
Was ist also so besonders an Let’s Groove?
Zunächst einmal, da es viel schwieriger ist, etwas zu tun als darüber zu sprechen, fordere ich dich auf, einen zwei Takte langen Groove zu schreiben, der gut genug ist, um ununterbrochen für 5 Minuten und 39 Sekunden gespielt zu werden, ohne langweilig zu werden. Schick mir eine Postkarte, wenn du es geschafft hast.
2 Takte. Das ist alles, das ganze Lied basiert auf einem einfachen E-Moll-Akkord-Arpeggio, das ad libitum in verschiedenen Farben wiederholt wird. Es scheint mir, dass ein Jam-Sitzung zu diesem Song wurde, als sie auf dieses kleine Juwel stießen.
Etwas sagt mir, dass die Texte danach nicht lange gebraucht haben, um geschrieben zu werden. Aber dieses Lied handelt nicht von den Texten, es geht darum, den Hintern zu schütteln. Weisst du, was ich meine? Ich liebe besonders die tiefgründige Zeile „Lass dich wissen, Mädchen, du siehst gut aus, du bist außer Sicht und alles in Ordnung.“ Sie war sowohl außer Sicht als auch in Ordnung. Ein guter Grund, in meinen Augen zu grooven.
Track Breakdown
Wie haben sie diese zwei Takte arrangiert? Nun, da gibt es ein Schlagzeug, einen Synthesizer-Bass (ich liebe das Lächeln des Bassisten, der das Stück im Video nachstellt), ein Rhodes, einige verrückte Tom-/Cowbell-/Shaker-Overdubs, Stereo-Claps, zwei Bläsersätze, ein paar Synths, ein paar Vocoder-Parts, eine Rhythmusgitarre, einige wilde Synth-Spezialeffekte und viele, viele Vocals. Vergessen wir nicht, dass dies auf Band aufgenommen wurde, ohne Copy/Paste-Funktionalität, ohne Tuning, ohne Groove-Editing, und denken wir daran, dass sie höchstens 24 Spuren hatten. Ist das nicht faszinierend?
Die Drums
Die Drums, die durchgehend gespielt werden, klingen trocken und laut. Es ist hauptsächlich die Bassdrum im Mix. Es ist schwer zu sagen, wie die Snare klingt, weil alles andere auf 2 und 4 einschlägt (du kannst dir eine Vorstellung vom Snare-Sound bei den kleinen Fills alle paar Takte machen), aber ich denke, es ist eine Piccolo. Oder es ist eine super eng gestimmte flache Trommel.
Lass uns das Intro nutzen, um die Bassdrum zu analysieren, denn sobald der Bass einsetzt, ist es schwer zu erkennen, wer was macht: Hör dir den Punkt/Angriff an. Heller als die Hölle, nicht wahr? Das liegt daran, dass der Bass später im Lied alles andere überlagert, also haben sie die Bassdrum nach vorne geschoben, indem sie sie „klacken“ ließen. Es ist für die damalige Zeit trotzdem noch fett, und wenn du dir ein paar Tracks aus dieser Ära anhörst (oder sogar Tracks auf demselben Album), ist dieser besonders schwer. Viel Gedanke wurde da investiert.
Es ist schwer zu sagen, aber ich denke, sie haben dieses Set auf einer Spur oder vielleicht auf zwei Spuren aufgenommen, Kick und Snare, wobei der Schlagzeuger nur einfache Grooves und Snare-Fills gespielt hat. Keine Toms, keine Becken. Und ich denke, dass sie den Stereo-Pan durch das Overdubbing von Becken, Percussion und vielleicht Claps in Stereo danach erreicht haben. Wahrscheinlich in einem Durchgang.
Das würde erklären, warum das Tom-Overdubbing auf Beat 1 so laut ist, während alles andere so präzise ist. Sie haben es gemacht, sie waren damit festgelegt. Nur eine Vermutung. Hör dir die rechte Seite des Songs an. Da ist das Tom, das Beat 1 trifft, gefolgt von einer Cowbell auf 2, 3 und 4. Ganz nach rechts gewandert. Hörst du das? Das ist ein lautes Tom mit einem ernsten Bump bei etwa 200 Hz, nicht wahr? Hättest du es so gelassen?
Die Claps sind entscheidend für das Stereo-Gefühl des Songs mit ernsthaftem gated Reverb-Echo. Schau dir die Reverb-Farbe und -Länge an. Cool, oder? Könnte ein AMS sein, das in diesem Jahr herauskam. EW&F waren riesig, sie konnten sich die neuesten Spielzeuge leisten.
Übrigens wurde damals die Art und Weise, wie du solche Claps gemacht hast, vorgenommen, indem du eine Gruppe von Menschen in einen Raum bringst und sie dazu bringst, naja, zu klatschen. Für das ganze Lied. Deshalb hören sich nicht zwei Treffer gleich an. Deshalb können sie auch das Grooven verstärken, indem sie Beat 4 lauter machen als Beat 2. Schau es dir an.
Da es damals ernsthafte Track-Beschränkungen gab, hast du keine Claps gestapelt, sondern Menschen. Es ist ein anderer Klang, als wenn du ein paar erschöpfte Bandmitglieder um das Mikrofon am Ende einer langen Session versammelst. (Du weißt, wer du bist).
Le Bass
Lass uns den Bass hören. Er trägt das ganze Lied. Er IST das Lied. Für mich klingt es wie ein MiniMoog. Mit dem dritten Oszillator eine Oktave niedriger als die anderen beiden. Es ist KNOCHEN TROCKEN. Jemand hat dieses Riff ohne Unterbrechung mehr als 5 Minuten lang gespielt. Ist das nicht großartig? Es wurde definitiv zur gleichen Zeit wie die Drums aufgenommen, da du schwache Push-Pull-Momente hörst, die am Ende der Abschnitte zusammenbleiben. Groovy as hell.
Ich liebe es auch, dass der untere Frequenzbereich bei der Bridge verschwindet, weil der Filter auf dem Moog und der EQ am Mischpult wahrscheinlich fixiert und auf den Rest des Songs abgestimmt waren, sodass der Bass während der Bridge verschwindet. Überprüfe es bei 2:34 Minuten.
Übrigens ist das die einzige 8 Takte des gesamten Songs, in der das Riff stoppt und du eine andere Harmonie hörst. Die Akkorde sind ebenfalls interessant. Schau sie dir an.
Das Arrangement
Strukturmäßig ist dieser Song ziemlich wild, trotz seines 2-Takte-Kerns. Wir beginnen mit einem 8-Takte-Intro (Achte auf das offene Hi-Hat-Intro mit acht Noten, cool), das den charakteristischen Vocoder-Hook präsentiert. Stereo, wohlgemerkt. Zu jener Zeit sehr ungewöhnlich. Wir wissen, was Daft Punks Eltern hörten, als sie Kinder waren.
Beachte auch, wie die Hi-Hat im Intro zehnmal lauter ist als im Rest des Songs. Achte auf all die Percussion-Spielzeuge (Glockenbaum, Metallblätter), die hart nach links und rechts geschlagen werden.
Es gibt dort auch viele separate Synth-Spuren. Es ist wirklich komplex. Streicher treffen links bei Takt 5 ungefähr, ein seltsames aufsteigendes Arpeggio, das den Horn-Treffer rechts einführt und ein absteigendes, das es schließt, ein einzelner, kräftiger, halliger Klang links, und JA – ein Rising-Synth auf der rechten Seite bei Takt #8. Oolala. Larry Dunn! 30 Jahre zu früh. Ich denke, das Rhodes verdoppelt das Haupt-Riff ebenfalls sehr leise in der Mitte.
Dann kommen wir zum, naja, Refrain, schätze ich. Er sagt „Let’s Groove“. Er ist groß, hat das Riff, eine fantastische Bläserlinie und es klingt wie ein Refrain bei den Gesängen. Muss der Refrain sein. Er etabliert die Hauptfarbe des Arrangements. Direkt im Pocket bei den Drums, Percussion und Clap-Overdubs, Bass-Riff, Rhodes, das die Akkorde in der Mitte spielt, die Gitarre, die Rhythmusakkorde links spielt (sehr leise abgemischt) und die Bläser, die das Ganze punktieren.
Nach 8 Takten erreichen wir, oh nun, einen Teil, der „Lass uns grooven, bring dich zum Bewegen“ im Falsett sagt. Fühlt sich wie eine Strophe an. Vocoder verschwinden, die Gitarre kommt nach oben, der Rest bleibt gleich, ja, das ist eine Strophe. Richtig? Beachte das Shaker-Punctuation mit Achteln auf der rechten Seite.
Oh ja, das war definitiv der A-Teil einer A/B-Strophe, da die nächsten 8 Takte das exakt gleiche Arrangement fortsetzen, aber Maurice White für Philip Bailey übernimmt und mit Bruststimme über die exakt gleiche Musik singt. (Außer für die kleinen Rhodes-Interventionen im hohen Bereich hier und da. Spaß).
Als nächstes sind wieder 8 Takte des gleichen Arrangements. Aber die Hauptstimme wechselt die Tonart und lässt es sich wie einen C-Teil anfühlen. Oder vielleicht wie einen Pre-Chorus. Beachte den wilden Swoooosh-Effekt auf der linken Seite. Verrückt für 1981. Beachte, wie die Gesangsmelodie Langeweile lindert und die Abschnitte definiert, während die Rhythmusgruppe und die Instrumente gleich bleiben. White änderte den melodischen Rhythmus, um dies zu erreichen. Im Falsett-Teil und im ersten Bruststimme-Teil beginnt die Melodie auf Beat 2 des ersten Taktes. In diesem neuen Abschnitt hat sie einen Pickup und landet schwer auf Beat 1. Einfach und effektiv, um die Leute aufzuwecken.
Als nächstes kommt wieder der Falsett-Teil. Ah. Was ist hier los? Ein weiteres A eines A/B-Strophenabschnitts? Schwer zu sagen. Es fühlt sich aber irgendwie wie ein Refrain an, so platziert, oder? Es ist interessant, wie sich verschiedene Songabschnitte anfühlen, je nachdem, was vorher und nachher kommt. Dieser hier ist 8 Takte.
Und er fließt in den Bruststimme-Teil. Ok. Fein. Wir haben also 2 Strophen hintereinander. Falsett-Teil, gefolgt von Bruststimme-Teil, gefolgt von einer Art Pre-Chorus, alles 8 Takte lang. Die Tatsache, dass der erste Pre-Chorus in seiner Mission, uns zu einem Refrain zu führen, scheitert, wird uns nicht davon abhalten, mit erhobenem Kopf weiterzumachen. Alles ist gut in der Welt der klassischen Popsongstruktur.
Nach diesen beiden reizenden Strophen sind unsere ganzen Körper bereit für den Refrain. Hier kommt er, bereit, fertig. Nein.
Ein weiterer Falsett-Teil. Tragödie. Kein Refrain. Was ist hier los? Eine weitere Strophe? Nur die Zeit wird es zeigen. Es wäre kühn. Drei 24-Takte-Strophen hintereinander mit ernsthaft ähnlichen Arrangements klingen nach einem Rezept für eine ernsthafte Schlafeinlage. Es sei denn, du hast ernsthaft fesselnde Texte, aber vergiss nicht, dass sie außer Sicht und in Ordnung ist. Diese Geschichte führt nicht zu etwas Aufregendem.
Nach 8 Takten davon erreichen wir den Wendepunkt im Song. Dies ist keine Strophe, dies wirkt jetzt als Refrain, indem es genau so wiederholt wird, für weitere 8 Takte.
Für mich ist das ein weiteres Zeichen dafür, dass dieses Lied nicht von jemandem geschrieben wurde, der sich hinsetzt und sein Herz ausschüttet, schreibt und umschreibt, bis er ein Juwel eines Songs erhält, neat und hübsch mit einer tiefen Botschaft und exotischen Veränderungen in E-Moll. Es scheint mir, dass der Austausch wahrscheinlich mehr so ablief:
Maurice: Larry, was war das für ein Riff, das du gerade gespielt hast?
Larry: Welches?
Maurice: Du hast so etwas wie la, la laaa, la la la lalala gemacht.
Larry: Ich habe keine Ahnung. Ich habe nur mit dem Synthesizer experimentiert, der gerade angekommen ist.
Maurice: Es war rad. Spiel es nochmal.
Larry: Was war es? Das hier?
Maurice: Nein, in E, das ist besser für mich und Phillip. Phillip, was denkst du?
Phillip: Ich mag es, lass uns heute Abend darauf grooven, wenn Roland von seinem Friseurtermin zurückkommt.
Maurice: guter Titel, „Lass uns heute Abend darauf grooven.“ Schreib es irgendwo auf oder wir vergessen es.
Usw., usw., usw…
Dann kommen wir zur Bridge für 8 Takte. Die Falsett-Wahrnehmung weiter festigen als Refrain, indem die Bridge danach kommt.
Dann hören wir eine Wiederholung des Intros, als wir das erste Mal seit Beginn den Vocoder hören. 8 Takte.
Dann treffen wir auf das, was wir für den Refrain hielten, bis die Strophe sich wie ein Refrain anfühlte.
Dann kommt ein Horn Break/Dance Break für 16 Takte.
Dann hören wir den Falsett-Refrain für 8 Takte.
Dann treffen wir auf eine Hybrid-Version des Falsett-Refrains und des C-Teils/Pre-Chorus für 8 Takte.
Zurück zu einem 8-Takte-Falsett-Teil mit einigen Maurice White-Adlibs.
Dann erneut 8 Takte des Falsett-/C-Teils-Refrains.
Dann ein 8-Takte-instrumental Break.
Zurück zu einem Falsett-Refrain und Fade-Out.
Dies würde HEUTE niemals im Pop-Radio funktionieren, wenn das Lied heute herauskäme. Die ADD-geplagten Radio-Programmierer würden das Lied an die Plattenfirma zurückschicken und eine „Radio-Version“ beim Produzenten verlangen. Eine Radio-Version ist, wenn jedem Lied ein Haarschnitt verpasst wird, anstatt ihres ursprünglichen Haarschnitts. Das passiert jeden Tag. Bei wirklich großen Bands. Aber das ist eine andere Diskussion.
Verlierst du schon?
Der takeaway hier ist, dass wir ein sehr, sehr, sehr erfolgreiches Lied haben, das Teile hat, die beim Fortlauf des Songs ihre Funktionen wechseln, 5:39 Minuten lang ist und keinerlei Schema entspricht. Erfrischend, oder?
Ich möchte deine Aufmerksamkeit auf ein paar weitere Details lenken, die die erstaunliche Vision und die vorausschauende Denkweise von Maurice White und Earth Wind & Fire im Allgemeinen zeigen.
Spule vor zur Re-Intro bei 2:49. Wenn du genau hinhörst, hörst du einen Gesangsteil, der pa pa pa pap beginnt, beginnend mit dem Downbeat der Re-Intro. Hattest du es vorher gehört? Nein, oder? Schau dir das Muster an. Es klingt wie mehrspurige Vocals, gestapelt. Wahrscheinlich immer wieder zurückbounce, um den Stapelsound zu erhalten.
Jetzt schau dir den nächsten Abschnitt an. Er ist immer noch da. Er ist leise, aber er ist da und macht den Teil sehr reich.
Jetzt hör dir die Bridge bei 2:11 an. pa pa pa. Heller als bei der Re-Intro. Hattest du das gehört? Es lohnt sich, all diese kleinen Interventionen zu überprüfen. Sie lassen die Einakkord-Komposition funktionieren. Es gibt SO VIEL, das leise ist und Aufregung erzeugt, ohne die hypnotische Qualität des Einzel-Riff-Vibes zu beeinträchtigen.
Wie die Synth-Intro-Parts, die nach der Re-Intro im „Fake Chorus“ zurückkommen.
Oder wie die Gitarre zur Hälfte durch den Horn Break Stereo wird. (Eine Spur wurde wahrscheinlich zu diesem Zeitpunkt geöffnet, da keine Vocals vorhanden sind)
Oder wie das Bläser-Ensemble wirklich aus zwei Bläser-Ensembles besteht, eines links, eines rechts, die mit unterschiedlichen Arten von Reverb behandelt werden.
Und ALL die kleinen Gesangsinterventionen. Du könntest wahrscheinlich den Track 10 Mal hören und jedes Mal etwas Neues bemerken. Einige meiner Favoriten sind das „all right“-Harmonien direkt vor der Bridge bei 2:32, der zusätzliche upbeat poooow in der Re-Intro und dem 2. „Fake Chorus“ und das Pre-Prince-Falsett „Oh-oo-Oh“, das die Refrains mit genau der richtigen Menge an Zucker umhüllt.
Und was genau ist dieses Ding bei 5:05 auf der linken Seite?
Das ist unglaubliche Arbeit. Es wäre heute immer noch erstaunlich. Es ist übernatürlich, wenn man bedenkt, mit welcher Technologie sie damals arbeiten mussten. Kannst du dir die Mixing-Session vorstellen? (Du kannst sagen, dass sie wahrscheinlich in Durchgängen gemacht wurde und dass einige manuelle Arbeit erforderlich war, durch die super lauten Maurice White-Adlibs bei 4:42, ups)
Dieser Track ist zeitlos und hat Generationen von Musikern aus gutem Grund inspiriert. (Vielleicht solltest du Uptown Funk hören, der 2016 Grammy für das Album des Jahres gewonnen hat, mit Let’s Groove im Hinterkopf)
Es scheint einfach zu sein, aber wie du gesehen hast, ist es eigentlich recht komplex. Es beweist ohne Zweifel, dass es nichts Falsches an einem Ein-Riff-Song und einer verrückten Struktur gibt, wenn es so stark grooved, besonders weil wir hinunter, hinunter, hinunter, hinunter, das Grooven hinunter, hinunter, hinunter, das Grooven hinunter, hinunter, hinunter, das Grooven hinunter, hinunter, hinunter.
Fab Dupont
