Manchmal kommt ein Track daher, der so originell ist, dass es unmöglich ist, ihn nicht in einer Schleife zu hören. Man könnte denken, da alles schon zuvor gemacht wurde, mehrmals sogar, dass wir niemals etwas hören würden, das wirklich neu im Geist und im Klang ist, aber das können wir, und genau deswegen macht es Spaß, was wir tun. Ich hörte zum ersten Mal "Limit To your Love" von James Blake bei einem geheimen neuen Lautsprecher-Vorpremiere-Treffen der wunderbaren Leute von Focal. Ich konnte kaum glauben, was ich hörte. Um sicherzustellen, dass es nicht nur die neuen Lautsprecher waren, die mich überwältigten, kaufte ich die Platte, sobald ich nach Hause kam, und sie bestätigte meinen ersten Eindruck. James Blake ist ein Badass (bitte entschuldigen Sie den technischen Begriff).
Hier anhören:
iTunes: https://itunes.apple.com/it/album/james-blake/id413997214
Spotify: https://play.spotify.com/artist/53KwLdlmrlCelAZMaLVZqU
In diesem Track gibt es so viele clevere Elemente. Von der Struktur, über die Klangbehandlung bis hin zum Mix. Es ist ein Schatz voller cooler Sachen. Der Track beginnt mit und baut auf einem Klavier auf, was seit den Beatles eine seltene Sache ist. Es gibt keine Einleitung außer den Riff-Akkorden, der Hauptgesang beginnt sofort. Es ist ein sehr klassischer Klang. Nur ein Klavier und eine Stimme, warm mit schönem Reverb und all dem. Nichts wirklich Besonderes außer der Stimmung.
Das, was dich zum Zuhören und Staunen bringt, wo es hingeht, ist die meisterhaft spärliche Natur der Strophe. Nur 4 Phrasen in der gesamten Sektion, mit viel und viel Platz dazwischen. Es sollte langweilig sein, aber das ist es nicht. Er singt unglaublich gut und das spärliche Tempo schafft Spannung. Dann verwandelt es sich plötzlich in einen modernen Track. Der klassische Klang wird mit dem ersten Effekt auf „your love your love your love“ zu einem modernen Klang. Diese geschnittenen Delays, die nicht zu wiederholen scheinen, was zuletzt gespielt wurde, sind fantastisch. Sie zeigen dir, dass dies nicht dein gewöhnlicher Postmann ist. Da ist etwas im Gange. Es ist eine clevere Warnung für das, was kommt. Du weißt, dass du etwas Besonderes erwarten kannst. Beachte, wie die Zeit anscheinend stehen bleibt. Ist es im Takt? Ist es rubato? Schwer zu sagen. Dann schlägt es ein.
In diesem Moment beten deine Lautsprecher um Gnade. Wenn du einen Subwoofer oder passiven Radiator hast, wirst du die größte Bewegung sehen, die du je gesehen hast. Was ist da los? James Blake ließ eine gesättigte Sinuswelle-Bass in eine Art Tremolo laufen und mischte es super laut. Es schafft diese wilde Dichotomie zwischen dem oberen und dem unteren Teil des Songs. Das Obere bleibt friedlich mit der Ergänzung eines sehr spärlichen Beats, aber der allgemeine Ton bleibt unverändert. Es bleibt ätherisch, die programmierten Drums haben einen schönen glanzvollen Nachhall. Es ist total zen, während der untere Teil mit dem Bass verrückt spielt. Der Ton dieses Abschnitts, die Idee, das Staunen, das er erzeugt, ist pures Genie. Es ist auch ein sehr mutiger (wieder technisch gesprochen) Schritt. Ich bin mir sicher, der Mastering-Ingenieur ist von seinem Stuhl gefallen und hat seine Einstellungen überprüft, als dieser Teil einsetzte. Die leichte Sättigung gibt dem Bass mehr Grip und macht ihn wirklich durchdringend und überwältigend. Genau das, was er wollte, da bin ich mir sicher.
Wie sollten wir diesen Abschnitt nennen? Es sind nur 4 Zeilen, sehr spärlich, der Titel des Songs ist nicht darin. Ist es ein Refrain? Wir sind hier ewig weit entfernt von einem Radio-Refrain. Ist es ein B-Abschnitt? Ist der Refrain das erste, was wir gehört haben, und das hier ist etwas anderes? Mal sehen, was als nächstes passiert, um es herauszufinden.
Nach dem ersten erdbebengroßen Bassabschnitt kommen wir zurück zu etwas, das sich anfühlt wie das erste, was wir hörten. Nennen wir es die zweite Strophe. Beachte, wie der Übergang zwischen dem Bass und dem Klavier der Strophe unquantisiert und ziemlich locker ist. Es verleiht dem Song dieses ungepflegte, raue Gefühl.
Achte auch darauf, dass, obwohl es dasselbe Klavier-Riff, dieselbe Melodie und dieselben Texte sind, die Strophe anders wirkt. Warum? Weil James Blake den melodischen Rhythmus in dieser Strophe verdoppelt hat. Die Spärlichkeit der ersten Strophe ist verschwunden. Dieser Abschnitt passiert doppelt so schnell wie seine frühere Version. Cleverer Trick, um das Tempo des Songs zu beschleunigen. Ich habe diesen Trick noch nie gehört. Schau mal. Spiele die erste Strophe. Okay. Spiele die zweite Strophe. Wunderbar, oder? Was für eine großartige Idee. Wie ist das passiert? Hat er das Lied in der Form der ersten Strophe geschrieben und wurde so gelangweilt, dass er die Zeit in der zweiten verdoppeln wollte? Oder hat er es in der Form der zweiten Strophe geschrieben und sich dann entschieden, es für die erste zu dehnen? Brauchte er vielleicht mehr Zeit vor seinem großen BOOM-Moment? Was denkst du?
Dann kommt der zweite „B-Abschnitt“. Dasselbe Prinzip, derselbe verrückte Bass mit der Ergänzung eines 16tel-Noten-Shaker-Musters und einer minimalen Akkordunterstützung vom Klavier. Dieselben Texte, dieselbe Melodie, aber der Shaker lässt es völlig erhöht erscheinen. Wenn in einem Arrangement nicht viel vorhanden ist, machen die kleinsten Details einen riesigen Unterschied.
Beachte, dass die Gesangsharmonie in diesem Refrain andere Texte hat als die Lead-Stimme. Fantastisches Detail. Höre noch einmal hin.
Dann wird der B-Abschnitt komplett auseinander genommen. Alle Drums verschwinden. Er spielt mit Delays, er spielt mit Raumklängen und seltsamen Cuts. Er lässt uns den Bass ohne Tremolo hören. Es ist alles sehr rau und angespannt, um eine schöne Depression vorher zu erzeugen, bevor der B-Abschnitt erneut einsetzt.
Achte auch auf den vocoderähnlichen Effekt, der die Lead-Stimme verdoppelt und harmonisiert und den Abschnitt verdickt. Du wirst es im nächsten Abschnitt mehr hören. Es gibt kein Tremolo auf dem Bass, aber er spielt eine andere Basslinie, die an alte Dub-Tracks erinnert. Der Bass bleibt für den zerlegten Refrain, der als nächstes kommt, aktiv. Vocals, Vocoder und Bass. So eine großartige, zeitlose Stimmung. Am Ende kommen die Drums zurück und das Lied endet mit einem leeren instrumentalen Jam, basierend auf der zweiten. Ich liebe das elektronische Geräusch unter dem Becken. So frisch. Hörst du es?
So ist es am Ende nicht wirklich eine Strophe-Refrain-Struktur. Wir können es als eine klassischere Jazzstruktur (A/B/A/B/C/AAA) oder als eine Strophe-Refrain-Struktur (mit einigen Wendungen) betrachten, die sich aus den klassischen Jazzstrukturen für moderne Lieder entwickelt hat. Theoretisch sollte das alles nicht funktionieren, ein Bass, so laut und seltsam, dass die Hälfte der Lautsprecher auf dem Planeten ihn nicht wiedergeben kann, asymmetrische alles, digitales Geräusch anstelle von Hi-Hats, Drums, die im Lied viermal ein- und ausgehen, kein richtiger Refrain, dieselben Texte von Abschnitt zu Abschnitt. Nichts davon würde den Filter eines traditionellen Produktionsprozesses mit einem voll besetzten Team und den Mächtigen bestehen. Indem er alleine arbeitete, konnte James Blake dieses Juwel erschaffen und uns unzensiert zukommen lassen. Das ist einer der Gründe, warum es Spaß macht, heutzutage Musik zu machen.
Ich empfehle dringend, den Rest des Albums „James Blake“ anzuhören. Es ist eine erstaunliche Demonstration dessen, was musikalisch mit modernen Werkzeugen ohne Verlust der Seele der Kunst erreicht werden kann. Alle sorgfältig aufgegebenen kleinen Cuts, Ambient-Geräusche und Collagen können wirklich inspirierend sein, um aus der Drums/Bass/Gitarre/Synth-Routine herauszukommen.
Fab
