Einige Bands sind gut darin, sich selbst neu zu erfinden. Es ist schwer zu tun, besonders wenn man schon lange erfolgreich ist. Der Druck, die Fans nicht so sehr zu überraschen, dass man sie verliert, ist groß. Es kann viele Menschen geben, die vom kontinuierlichen Erfolg eines bestimmten vertrauten Sounds abhängen. Deshalb war das Letzte, was mir durch den Kopf ging, als ich das Lied Madness im Radio hörte, während ich ein bisschen zu schnell auf kleinen verlassenen US-Straßen fuhr, dass es sich um die neue Single von Muse handelte. Es war so eingängig, dass ich tatsächlich am Straßenrand anhielt und Soundhound auf meinem Handy startete, um herauszufinden, was es war, bevor das Lied endete (nicht texten und fahren).
Hier anhören:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686
Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj
Es ist ein sehr interessanter Track, auch wenn er nicht wie das übliche Muse-Material klingt. Es ist das, was ich einen 'Druckkochtopf' nenne. Er köchelt lange, bevor er die nötige Erleichterung bringt. Die Struktur ist nicht die übliche radio-getriebene Strophe/Refrain-Strophe/Refrain. Es ist eine Strophe/Refrain, was für einen radiofreundlichen Track interessant ist. Wenn du bei deinem ersten Hören aufmerksam bist, wirst du bemerken, dass es keinen großen wiederkehrenden Teil gibt, der als Refrain steht; stattdessen ist der Hook allgegenwärtig und kommt häufiger zurück. Nach einem 4-taktigen Intro besteht die Strophe aus 2 X 8 taktvollen identischen Zyklen, gefolgt von einer 8-taktigen B-Section (die mit 'What you need' endet). Ein Gitarrensolo nimmt den Platz der initialen 16 Takte der dritten Strophe ein (mit demselben harmonischen Zyklus), dann wird die B-Section erhöht und nimmt schließlich Fahrt auf. Sie wird 8 Mal wiederholt und verwandelt sich dann nach zwei Zyklen in eine Art Bridge (die gleiche musikalische Basis, aber andere Melodie und Texte). Das Ende ist ein Replay des ikonischsten Teils der Strophe, dem Beach Boy-ähnlichen 'mamamamamamaaaaa'.
Hintergrundinfo: Der 'Refrain'-Teil einer Strophe/Refrain ist normalerweise eine einzelne Zeile oder ein Wort , das am Ende der Strophe wiederholt wird. (Hör dir 'Blowing in the Wind' oder 'The Times They Are a-Changin'' von Bob Dylan an) Manchmal verwenden Autoren die Strophe-Refrain-Struktur, spielen jedoch mit dem Standort der Refrainzeile (Hör dir 'Yesterday' von einer ziemlich guten britischen Band namens The Beatles an.. für ein klares Beispiel. Hinweis: Der Refrain ist 'yesterday') Wenn du verwirrt bist über die Unterschiede zwischen Strophe/Refrain und Strophe-Refrain, höre dir 'Yesterday' an und dann gleich danach 'Yellow Submarine' (selbe britische Band, anderes Album).. das sollte helfen.
In unserem Lied ist der Refrain eine Kombination aus diesem mamamamamamama-Beach-Boy-Ding und der Alliteration seines Rhythmus in der Basslinie. Lustig. Beachte, wie das Riff erst ganz am Ende des Songs zum vollständigen Wort 'madness' kommt. Coole Sache.
Produktionstechnisch gibt es viel Queen und viel George Michael darin (glaubst du mir nicht? Hör dir Faith und I Want To Break Free zur Auffrischung an). Ich finde es beeindruckend, wie effektiv die Produktion ist, wenn man bedenkt, wie einfach sie ist. Die Strophe basiert auf ein paar Synth-Bässen (Stereo-Pan), einem Kick und einem Clap/Snare-Ding und natürlich dem Refrain/Hook. In der Mitte der Strophe verstärkt ein einzeiliger, gläserner Pad-Bass den Abschnitt und markiert das Ende durch seinen Rückzug. Pur und elegant. Schwer zu machen. Es gibt keine Unterteilung, keinen Hi-Hat, kein Shaker, nur die beiden Drums und die Bässe (die Unterteilung wird teilweise von den Bässen bereitgestellt, aber dennoch).
Im zweiten Liedsystem (ein 'Liedsystme' ist eine Strophe/Refrain-Kombination) kommt eine Gitarre um das Bassriff zu verdoppeln, und die Queen-ähnlichen Hintergrundgesänge kommen dazu und heben das Ganze an. Die ersten echten Akkorde kommen etwa zur Hälfte durch mit diesem digitalen Marimba-Synth-Patch, den wir alle ein Leben lang beim Browsen von Presets übersprungen haben (funktioniert hier gut). Beachte die umgekehrte Klaviernote, die aus dem Nichts auftaucht, um den Übergang zur B-Section zu markieren (ein weiterer Queen-Verweis, schau dir Another One Bites the Dust an). Coole Sache.
Das Gitarrensolo ist rein Brian May circa We Will Rock You. Es wurde perfekt doppelt, was ein Zeichen dafür ist, dass es sorgfältig geschrieben wurde. Achte auf die Unterschiede im Klang und im Spiel von links nach rechts, die die interessante Textur erzeugen. Beachte auch, wie das vokale Riff dort bleibt, um dich zu unterhalten, während die Gitarre ihr Ding macht. Wenn die B-Section wieder beginnt, ist es im Grunde dasselbe Arrangement wie zuvor, abgesehen von der Unterteilung, die durch das zu sein scheint, was Shaker und einige oooooo vokale Pads sind, um es aufzufüllen. Nimm dir einen Moment, um hin und her zu gehen zwischen dieser B-Section und der vorherigen, um zu sehen, wie viel der Zusatz der Unterteilung ausmacht. Wild, nicht wahr? Beachte auch, wie sich die Snare-Position und -Rolle ändert. Sieh, wie die Masse der Pads die Snare von ihrem ultra-vorwärts und zentralen Platz zu einem diffusen 'im Hintergrund' Platz schiebt. Der Kick bleibt gleich. Gefällt dir diese Veränderung? Hattest du sie bemerkt?
Die B-Section verwandelt sich durch die Stärke der neuen Gesangslinien und ein anderes Gefühl, das sich uns offenbart, in die Bridge. (Komm zu mir... Komm und rette mich), aber die Musik bleibt im Wesentlichen gleich. Beachte das Hi-Hat-Muster auf der linken Seite, das nach dem Tom-fill aufkommt und den Beginn der Bridge anzeigt.
Die Bridge verwandelt sich sofort in den Endteil, der nichts anderes als der Refrain und seine lang erwartete Schließung ist. Es ist wertvoll zu beachten, dass die meisten 'Strophe/Refrain mit Bridge'-Lieder die Bridge als Pause nutzen, um die 2. und 3. Strophe/Refrain zu trennen, damit man nicht alle drei identischen Liedsysteme hintereinander hört. In diesem speziellen Fall haben die Autoren die B-Section der dritten Strophe verlängert und in eine Bridge verwandelt, ohne die Absicht, zu einer weiteren Strophe zurückzukehren. Sie sind der Monotonie der dritten Strophe ausgewichen, indem sie sie in ein Gitarrensolo verwandelt haben. Warum nicht? Es funktioniert. Nach dieser Bridge zu einer vollen Strophe zurückzukehren, wäre zu viel gewesen. Außerdem hat er wahrscheinlich alles gesagt, was er zu diesem Zeitpunkt zu sagen hatte. Er hätte sich entscheiden können, was er in der Bridge über einen Strophenteil zu sagen, aber er fühlte wahrscheinlich, dass der epischere Klang der Bridge ein besseres Bett für das Gefühl war, das er übermitteln wollte. (Schau es dir nochmal an)
Mischtechnisch ist es sehr lehrreich zu sehen, was Spike Stent hier gemacht hat. Die Strophe fühlt sich knochentrocken an. Richtig? Es gibt tatsächlich irgendwo eine kurze Verzögerung auf dem Lead-Gesang, und das Zusammenspiel der 2 Bässe schafft Raum, aber keinen Nachhall zu irgendetwas. Der Pad ist im Gegensatz dazu ziemlich nass, was es so erscheinen lässt, als wäre er hinter dem Rest positioniert. Die Snare und der Kick sind trocken. (Beachte, wie der Kick nicht sehr laut gemischt ist). In der 2. Strophe ist die Gitarre ebenfalls trocken. Ebenso die Hintergrundgesänge. Marimbas folgen dem Beispiel. Es gibt einen Grund dafür. Alles fühlt sich sehr intim und präsent an. Der Ton ist gesetzt und der Druck ist hoch. Es gibt viel Spielraum. Was passiert in Strophe 3/Gitarrensolo? Ja, er öffnet einige Nachhall-Reverbs auf den Drums. Er bereitet dich auf die Veränderung des Klangraums vor, die mit der kommenden B-Section kommt.
Wenn die B-Section einsetzt, ändert sich das gesamte Verhältnis von nass zu trocken. Dies ist ein besonders entscheidender und schwieriger Teil. Es ist sehr schwer, einen Gesang trocken zu halten, wenn er von so viel Zeug umgeben ist. Deshalb wirst du, wenn du darauf achtest, Reverb und Verzögerungen auf den Vocals hören, aber sie sind sehr dezent, sodass du nicht aus der Erzählung rausgezogen wirst und der Standpunkt des Sängers sich nicht zu sehr ändert. Alles andere bekommt viel Raum (Hintergrundgesänge, besonders), wodurch der trockene Eindruck für den Lead erhalten bleibt. Das, was mich fasziniert, ist, dass selbst Spike Stent nicht in der Lage war, die Drums in diesem Abschnitt so präsent zu halten wie in den Strophen. Es ist sehr schwierig, die Präsenz dieser Art von Drums aufrechtzuerhalten, wenn sich die Umgebung so drastisch ändert. Die nachhaltigen Elemente um sie herum saugen die ganze Luft auf und lassen sie kleiner und schwächlich erscheinen, und das Hinzufügen von Reverb, um dem entgegenzuwirken, drängt sie im Mix zurück. Es ist der ultimative Kampf und der Grund, warum stark geschichtete Mixe tendenziell nicht so gut klingen wie leichtere, spärlichere Produktionen. Aber Spike Stent ist einer der besten Mixer, die es heute gibt, was denkst du? War diese Veränderung der Textur eine ästhetische Wahl? Oder war es eine 'das Beste, was er mit den ihm gegebenen Elementen managen konnte'-Situation? Würdest du etwas anders machen?
Am Ende ist dies großartiges Studienmaterial. Dieses ganze Album ist auch erstaunlich, weil es dir die Möglichkeit gibt, die Unterschiede in Philosophie und Klang zwischen drei prominenten Mixern zu studieren. Spike Stent, Chris Lord Alge und Rich Costey (alle von Ted Jensen gemastert). Ich empfehle dir, das ganze Album anzuhören und aufzuschreiben, welche deine Lieblingsmixe sind , bevor du nachschaust, wer was gemacht hat. Schummel nicht. Es ist eine gute Übung und eine gute Möglichkeit, deinen Geschmack zu formen.
Prost,
Fab
