Oliver Schnee: Gedanken eines jungen Film-/TV-Komponisten

Einführung

Zuallererst möchte ich sagen, dass es mir eine große Freude ist, hier zu sein, und dass ich Puremix schätze und respektiere, weil ich glaube, dass es immer Raum für Wachstum, Lernen und Verbesserung meines Handwerks gibt. Ich möchte niemals stagnieren. Ich bin keineswegs jemand, der behauptet, er hätte „alles im Griff“. Vor Jahren habe ich mein Ego an der Tür gelassen, als ich dabei zusah, wie brillant talentierte Menschen ihre Jobs verloren, weil sie egomanische Trottel waren (um es milde auszudrücken). Das gesagt, habe ich vielleicht ein paar weise Worte zu teilen mit Komponisten/Songwritern/Produzenten, die mit Orchestern, Streichern, Hornspielern, Regisseuren, Produzenten, Toningenieuren/Mixern und mehr in der Film- und Musikindustrie zu tun haben (natürlich wurde ein Teil dieser Weisheit durch eigene Fehler und die von anderen gewonnen). Wenn du an Film-/TV-Komposition sowie an der Arrangierung von Streichern/Hörnern für Platten interessiert bist, hoffe ich, dass dir diese Worte von einem vierteljüdischen, einheimischen Dork aus dem San Fernando Valley gefallen werden, der Henry's Tacos liebt (Bonuspunkte, wenn du weißt, wo das ist!). Okay, hier beginnt der Artikel.

Wer ist dieser Typ?

Hier habe ich Schwierigkeiten – ich rede absolut ungern über mich selbst, es fühlt sich für mich einfach unangenehm an. Vielleicht liegt es daran, dass ich in der Studio- Branche aufgewachsen bin und einige der schlimmsten Egomanen auf der Welt erlebt habe. Vielleicht liegt es an meinem jüdischen Blut oder daran, dass ich nicht auf meine früheren Leistungen schaue, um einen schnellen Ego-Schub zu bekommen, sondern versuche, nach vorne auf das nächste Projekt zu blicken, während ich gleichzeitig zu meinen Vorbildern und deren Karrierewegen aufsehe. Um den Lesern jedoch einen Kontext zu geben, wer diesen Artikel schreibt, will ich nun ein wenig von meinem Hintergrund erzählen. Sicherlich ist das A und O in diesem Geschäft, beschäftigt und vernetzt zu bleiben. Das erfordert, viele Projekte zu machen, auch wenn diese nicht veröffentlicht werden. Selbst wenn ein Projekt keinen großen Namen hat, gibt es in jeder Erfahrung immer etwas zu lernen. Einige meiner besten Lektionen habe ich auf diese Weise gelernt. Ich hatte das Glück, eine Reihe von Spiel- und Kinofilmen mit mehreren Oscar-prämierten Filmemachern, wie Robert Zemeckis (bekannt für „Forrest Gump“, „Zurück in die Zukunft“, „Cast Away“), Dame Helen Mirren (bekannt für „Die Queen“, „Gosford Park“, „Monster AG“), Robert Duvall (bekannt für „Der Pate“, „Apocalypse Now“, „The Road“), Davis Guggenheim (bekannt für „Training Day“, „It Might Get Loud“, „Eine unbequeme Wahrheit“) und Oscar-nominierten James Franco (bekannt für „127 Stunden“, „Spider-Man“, „The Disaster Artist“) vertont zu haben. Darüber hinaus hatte ich das unglaubliche Vergnügen, zahlreiche Projekte und Filme mit National Geographic zu vertonen, die alle unglaublich spaßig und lohnend waren - ein wahr gewordener Traum für mich. 2018 wurde ich engagiert, ein Album Musik für Warner Chappell Production Music zu schreiben, das das wunderbare Utah Symphony beinhaltete, und das in zahlreichen Filmen, Fernsehsendungen und Werbespots lizenziert wurde. Ein kürzliches Highlight in meiner Karriere war die enge Zusammenarbeit mit dem Oscar-prämierten Filmemacher Chris Buck (bekannt für „Die Eiskönigin“, „Die Eiskönigin II“, „Jungle Cruise“, „Tarzan“) an einem kraftvollen und inspirierenden Hörbuch. Zuletzt wurde ich beauftragt, Streicherarrangements für den 13-fachen Grammy-Gewinner und Pulitzer-Preisträger Kendrick Lamar zu machen. Während ich dies schreibe, schließe ich gerade ein Streicherarrangement für einen wunderbaren Künstler namens Kyd the Band ab, der bei Sony ist, und wir sind sehr aufgeregt wegen unseres Streicher-Termins in dieser Woche!

Ich verbrachte drei Jahre mit dem Grammy- und Emmy-prämierten Filmkomponisten - der auch achtmal für einen Oscar nominiert wurde - James Newton Howard (bekannt für „The Dark Knight“, „Die Tribute von Panem“, „King Kong“). James nahm mich wirklich unter seine Fittiche und lehrte mich viele unglaubliche Dinge über die Filmvertonungsbranche, Komposition, Zusammenarbeit, die Psychologie hinter der Filmvertonung und mehr. Spulen wir bis heute vor, und er ist nicht nur einer meiner größten Mentoren, von dem ich weiterhin Fragen stelle und Rat suche, sondern auch ein enger persönlicher Freund, der mich irgendwie immer beim Tischtennis besiegt (er hat einen fabelhaften Aufschlag). Darüber hinaus verbrachte ich Zeit mit John Powell und Henry Jackman, zwei weiteren Filmkomponisten, die an der Spitze ihres Fachs stehen. Alle drei Erfahrungen waren unglaublich aufschlussreich, weil ich drei Filmkomponisten sah, die denselben Job aber vollkommen anders machten. Dies ermöglichte es mir, meinen eigenen Weg im Studio zu finden: dies anzunehmen, das wegzulassen, usw., sodass ich mein eigener Komponist werden konnte, eigene Entscheidungen treffen und wissen konnte, warum ich diese Entscheidungen treffe.

Professionelle Musikkomposition

Musik zu komponieren macht so viel Spaß. Wenn du keinen Spaß hast, oh je. Ja, natürlich gibt es intensive Anforderungen wie Fristen, Überarbeitungen, Neufassungen, Budgets und „schwierige“ Menschen, mit denen man arbeiten muss. Aber wenn du das Privileg hast, Musik für deinen Lebensunterhalt zu schreiben, bitte nimm es nicht für selbstverständlich (ich verspreche, ich will nicht predigen), und versuche, dich daran zu erinnern, dankbar dafür zu sein. Das bin ich auf jeden Fall, und ich habe blaue Flecken an meinen Armen von all den Zeiten, als ich mich gekniffen habe.

Wenn es um den Prozess der Film-/TV-Vertonung geht, gibt es mehr als einen Weg, eine Katze zu häuten. Das gesagt, es beginnt oft damit, sich mit den entsprechenden Personen zu treffen, wo wir alle uns gegenseitig prüfen, um zu sehen, ob wir glauben, dass wir gut zusammenpassen. Dann sprechen wir über kreative Visionen und Ideen, dann über Logistik wie Budgets und Zeitpläne. Der nächste Schritt ist für mich, das Skript zu lesen oder einen Rohschnitt zu sehen, und wenn alle Parteien zustimmen, dass wir tatsächlich weitermachen wollen, haben wir eine Spotting-Session (das ist im Wesentlichen der Moment, in dem der Komponist, der Regisseur, der Editor und die Produzenten alle in einem Raum sitzen, um zu besprechen, welche Stellen Musik benötigen). Oft schon haben die Editoren und der Regisseur den Film zu einem Temp-Score geschnitten. Leider gibt es Zeiten, wo der Kunde „Demoitis“ bekommt, was bedeutet, dass sie sich in den Temp-Score verlieben, und egal wie toll deine Cue sind, sie sind einfach nicht zufrieden, weil sie so lange mit dem Temp-Score gelebt haben (manchmal Monate). Wie dem auch sei, ich schreibe dann die Hauptthemen, und sobald sie genehmigt sind, versuche ich, schnell mit der Partitur zu beginnen. Oftmals erhält ein Filmkomponist nicht viel Zeit, um 60 bis 100 Minuten Musik zu schreiben. Ich denke, es ist sehr wichtig, schnell arbeiten zu können - ohne dass die Qualität der Musik leidet, versteht sich - weil dir ständig neue Informationen gegeben werden, einschließlich aktualisierter Schnitte, während die Tage vergehen (selbst wenn ihnen „Picture Lock“ bereits gesendet wurde, ha). Außerdem benötigt es Zeit, um die Überarbeitungen, die sie anfordern, zu machen, während du noch nicht die verbleibenden 45 Minuten Musik geschrieben hast. Und dann muss die Partitur noch orchestriert, gedruckt, aufgenommen und gemischt werden, alles bis zu einer bestimmten Frist, um rechtzeitig zur Abmischungsphase zu gelangen. Der Prozess ist so dynamisch, herausfordernd und aufregend. Das gesagt, es gibt definitiv bestimmte Teile des Prozesses, die für mich nicht so spaßig oder erfüllend sind, aber erforderlich, und so ist das Leben. Für mich persönlich überwiegen die Vorteile bei weitem die Nachteile.

Um mit dem Stress und der Arbeitslast umzugehen, glaube ich daran, ein Team zu haben, mit dem ich zusammenarbeiten kann, wie einen Assistenten, Orchestatoren, einen Kopisten und natürlich Ingenieure/Mixer. Ein unglaublich talentierter Orchestrator, mit dem ich an vielen meiner Partituren zusammengearbeitet habe, ist Cody McVey. Ich kann ihn nicht genug empfehlen, also beauftragt ihn einfach, okay? Ihr könnt mir später danken. Je nach Projekt und musikalischem Genre wähle ich einen Ingenieur aus, von dem ich glaube, dass er am besten für dieses Genre geeignet ist. Das gleiche gilt für das Studio, das ich buche, und die Musiker, die ich anheuere. Ich glaube, es geht immer darum, den Film und die Vision des Filmemachers zu dienen; es ist schließlich ihr Film. Wenn sie wollen, dass der Score lo-fi und gritty klingt, sage ich meinem Ingenieur das, und wir diskutieren dann über die Techniken, um die Vision meines Regisseurs zu befriedigen. Wenn sie etwas wollen, bei dem die Musik sauberer und traditioneller ist, sage ich das auch meinem Ingenieur/Mixer. Es gibt niemals zu viele Informationen. Für einen Ingenieur/Mixer bedeutet dies Dinge wie Studioselektion, Mikrofonplatzierung, Geräteselektion und Mixing-Techniken/Verarbeitung.

Film-/TV-Komposition ist viel zwischen den Zeilen lesen, die Vision eines Kunden emotional in musikalische Begriffe zu übersetzen, was viele Gespräche beinhaltet, die oft nichts mit „lass diese Cue in einer Dur-Tonart und in 4/4 sein“ zu tun haben. Viele Regisseure kennen die Sprache der Musik nicht, deshalb muss ich, abgesehen von meinem Job, den Score zu schreiben, zuerst interpretieren, was sie sagen, da ich selbst Filmemacher bin. Man muss mit diesem Schritt des Prozesses vertraut sein. In einer Band ist es klarer: „das Lied ist in A-Dur, das Tempo liegt bei 115 bpm, und wir spielen in 6/8“ usw. Persönlich finde ich einen weiteren Grund, warum ich Filmvertonung spannend finde, darin, dass sie diese zusätzliche Herausforderung für mich schafft, über das Schreiben der Musik hinaus (was für jeden schwer genug ist, besonders am Anfang, wenn du auf eine leere Seite oder eine leere Sitzung am Computer starrst). Auch wenn es keine Raketenwissenschaft ist, kann es manchmal dennoch ziemlich schwierig sein. Doch die Aufregung, eine emotionale Idee von einem Regisseur in die Musik zu übersetzen, die sie sich wünschen (die auch zur Szene passt), ist für mich einfach unglaublich erfüllend und bedeutungsvoll.

Wie man einen Job bekommt

Alles, wofür ich sprechen kann, ist ich selbst und die Reise, auf der ich mich befinde; wenn mich also jemand nach dem „Wie bekomme ich einen Job“-Frage fragt, gibt es für mich unzählige Wege. Zuerst ist es das, was du vermutlich tausendmal gehört hast: Beziehungen. Sie könnten aus der Kindheit, dem College, einem Freund eines Freundes, einer Online-Anzeige usw. stammen. Vor ein paar Jahren habe ich sogar einen Kontakt zu einer weiblichen Musiksupervisor über eine Dating-App hergestellt...es passierte nichts (auf beiden Seiten, ha), aber dennoch, man weiß nie, wann oder wo man jemanden treffen wird, der helfen könnte, einen Job zu bekommen! Wichtig für mich ist, den Kontakt herzustellen und dann diesen Kontakt immer wieder zu pflegen. Weitere Möglichkeiten, ein Projekt zu bekommen, sind Manager, Agenten und Musiksupervisoren. Ein Musiksupervisor kann deine Karriere wirklich verändern, wie es bei mir der Fall war. Joel Sill (Gewinner des „Legacy Award“ der Guild of Music Supervisors, unter anderem für seine Arbeit an unzähligen Oscar-prämierten Filmen und Blockbustern) war dieser Mann für mich. Was ich sogar noch schöner fand, war, dass sich eine echte Freundschaft zwischen uns entwickelte, sodass es nicht nur immer um Film- oder Musikgespräche ging. Wie James ist Joel bis heute einer meiner großartigen Mentoren und engen persönlichen Freunde. Ich kann ihm nicht genug danken, dass er an mich geglaubt hat und alles, was aus unseren Kooperationen entstanden ist.

Zuletzt, mit COVID, das Hollywood lahmlegte (für mich persönlich hatte ich sieben Projekte, die alle innerhalb von 72 Stunden „verschoben“ wurden - sprich, abgesagt), was ich getan habe, um kreativ, beschäftigt und meine Rechnungen zu bezahlen, sind viele Streich-/Hornarrangements für Platten. Es kann teuer sein, ein Album zu machen, aber ein Film zu produzieren ist oft noch teurer. Ich liebe es, Streicher/Hörner für Platten zu schreiben, aus so vielen Gründen, von denen einige sind, dass ich mit dem Lied einer anderen Person arbeite und zweitens, dass ich mit einem Gesang/ Text arbeiten kann (denk daran, ich bin es gewöhnt, 75% der Zeit instrumentale Musik zu schreiben). Einige dieser Aufträge kamen durch Kanäle wie soziale Medien, glaub es oder nicht. Ich habe keine große Anhängerschaft in sozialen Medien, aber ich werde Künstler, die ich entdeckt habe, einfach kontaktieren und mich bei ihnen pitch, oder manchmal finden sie mich und senden mir eine Nachricht. Und im nächsten Moment schreibe ich dann und wir sind auf dem Weg ins Studio zum Aufnehmen. Das Leben ist verrückt. Ich denke, die Quintessenz, die ich sagen möchte, ist, dass es wichtig ist, offen zu bleiben und kein Ego zu haben. Ein Job ist ein Job, und Geld ist Geld. Nicht jedes Projekt ist mit einem Oscar- oder Grammy-Gewinner. Um meine Mietkosten und die Miete meines Tonstudios zu decken, arbeite ich an einer Vielzahl von Projekten, von denen einige überhaupt nicht „sexy“ sind. Aber weißt du, was „sexy“ ist? Die Fähigkeit, Miete, Autoversicherung, Toilettenpapier und Lebensmittel zu bezahlen, während ich in der Musik arbeite. Zumindest ist das für mich das, was „sexy“ ist.

Was Komponisten von Toningenieuren und Mixern erwarten

So wichtig wie der Orchestrator, Kopist, Musiker und Dirigent sind auch die Ton- und Mischingenieure. Eine entscheidende Erkenntnis beim Arbeiten mit Orchestern - besonders bei größeren Orchestern - ist die Bedeutung und Kraft eines großartigen Ingenieurs/Mixers. Im Allgemeinen glaube ich fest daran, dass man ein A-List-Studio mit einem teuren Neve/SSL/API-Pult und all den fancy Mikrofonen/Ausrüstungen haben könnte, aber wenn man einen Trottel hinter dem Pult hat, der nicht weiß, was er tut, wäre man besser dran mit einem billigen 100-Dollar-Pult mit schäbigen Mikrofonen und einem fähigen Ingenieur hinter dem Pult, der tatsächlich weiß, was er tut. Das Endergebnis wird musikalischer und klanglich ansprechender sein. Ja, ich habe das auf die harte Tour aus eigener Erfahrung gelernt. Manchmal bezahle ich in solch einem Fall mehr für den richtigen Ingenieur als für ein schickes Studio. Wenn ich der Komponist für einen Film oder eine Fernsehsendung bin, kann ich mein Musikteam auswählen. Wenn mich ein Musikproduzent jedoch engagiert, um für ihn zu arrangieren oder zu orchestrieren, bin ich gezwungen, den Ingenieur, den sie wollen, zu verwenden. Das ist logisch und völlig fair - sie sind schließlich der Chef. Apropos, es gab eine Session (oder zwei), bei der ich ins Studio kam, meine Arrangements in der Hand hatte, in den Live-Raum ging und schockiert war, nicht nur die ausgewählten Mikrofone zu sehen, sondern auch deren Setup. Wiederum war das ihre Session, und ich bin nicht verantwortlich, also ist es nicht mein Job und nicht meine Position, ihre Entscheidungen in Frage zu stellen. Ich versuche immer, „in meiner Spur zu bleiben“.

Die Realitäten der Orchestermischung

Hier sind ein paar Weisheiten, die ich über die Jahre gelernt habe, wenn es darum geht, auf eine Orchestersitzung vorbereitet zu sein:

Stelle sicher, dass die Scores und Parts so viele Informationen wie möglich enthalten, damit du keine Zeit damit verbringst, die Spieler zu fragen, wie „Welche Dynamik möchtest du hier?“, „Was bedeutet das?“, „Wann soll das Pizzicato aufhören?“ usw. Notenkenntnis mag nicht deine Stärke sein (kein Wortspiel beabsichtigt), also beauftrage einfach einen Kopisten und arbeite mit ihm zusammen, um herauszufinden, was du genau möchtest, und dann wird er alles schön beschriften.
Lass deine Partitur auf doppelseitigem Papier drucken, damit du nicht alle 4 Sekunden die Seiten deiner Partitur umblättern musst.
Lass deine Partituren auf Tabloid (11" x 17") drucken und binde sie. Geh zu einem Kinko oder jeder Druckerei, und sie werden es dir für ein paar Dollar machen.
Drucke eine zusätzliche Partitur für deinen Ingenieur, denn es gibt Ingenieure, die gerne die Musik lesen, um im Voraus nach Dynamik und Abschnitten Ausschau zu halten, in denen bestimmte Instrumente stärker hervorgehoben werden, damit sie mit ihren Fingern an den Fadern vorbereitet sind.
Habe alle Parts auf den Notenständern der Spieler in der Reihenfolge, in der du sie aufzeichnen möchtest.
Sei höflich und lasse ein paar angespitzte Bleistifte auf ihren Notenständern zurück (sie bringen oft ihre eigenen mit, aber es gibt immer Spieler, die es vergessen). Wiederum sind es die kleinen Dinge.
Komme früh ins Studio und habe natürlich deine ProTools-Sitzungen bereits vorbereitet. Wenn es ein 10 Uhr-Termin ist, komme ich gerne um 9 Uhr.
Stelle sicher, dass die Taktnummern in deiner Partitur mit den Taktnummern in ProTools übereinstimmen.
Vergiss nicht, eine verdammte Festplatte mitzunehmen.
Zolle den Spielern im Voraus und danach Respekt. Wenn du sie verärgerst oder beleidigst, lassen sie es dich wissen. Ich sage nicht, dass du buchstäblich im Raum herumgehen und alle 75 Spieler begrüßen musst, aber mache dich ihnen bekannt und danke ihnen, dass sie gekommen sind.
Begrüße deinen Konzertmeister mit Freundlichkeit und Demut. Wenn du wirklich einen Unterschied machen möchtest, stelle deinen Konzertmeister direkt vor Beginn der Sitzung (auch wenn du selbst nicht dirigierst) dem Raum vor - das Orchester wird oft für sie applaudieren. Danach stelle auch deinen Ingenieur vor. Oft, wenn du einen respektierten Ingenieur bei der Sitzung hast, werden die Spieler besonders glücklich und erleichtert sein, da sie wissen, dass ihr Spiel schön aufgenommen wird. Jedes kleine Detail macht einen Unterschied.
Zu guter Letzt, eine Lektion, die ich von meiner wunderbaren Mutter gelernt habe, war, immer zu versuchen, einen Raum zu verlassen, in dem die Menschen darin sich besser fühlen als bevor du hineingekommen bist. Wiederum basiert dieses Geschäft auf Beziehungen. Sei kein A****, davon gibt es in der Branche schon genug.

Ein Dirigent oder nicht

Ein erfahrener und professioneller Dirigent kann wirklich helfen, das Beste aus den Musikern herauszuholen, sowie die Sitzung rechtzeitig voranzutreiben. In diesem Fall sind sie unbezahlbar! Das gesagt, glaube ich persönlich, dass ein Dirigent nicht immer für jede Sitzung mit Orchestermusikern notwendig ist. Die meisten Orchestermusiker in heutigen Studios sind so komfortabel im Aufnehmen mit einem Klick/Track, dass oft kein Dirigent benötigt wird. Daher denke ich in aller Bescheidenheit, dass es keinen Bedarf für einen Dirigenten bei der Arbeit mit einer kleinen Gruppe gibt, wie einem Quartett bis hin zu sagen wir 11 Musikern, es sei denn, es gibt ernsthafte Tempowechsel oder du nimmst nicht mit einem Klick auf. Vor einigen Jahren war ich bei East West und habe jemandem bei seinem Album geholfen, und der Künstler bat mich, die Streicher zu dirigieren, worauf ich erwiderte: „Ich bin kein professioneller Dirigent, und sie brauchen eigentlich keinen - sie sind in der Lage, es mit dem Klick und dem Track aufzunehmen.“ Nun, es war seine Sitzung und seine Musik, also entschied er sich, die kleine Gruppe von 6 Spielern selbst zu dirigieren (habe ich erwähnt, dass er noch nie dirigiert hatte).