Lasst uns über Produktionseffizienz sprechen.
Wenn ihr darauf geachtet habt, was in der modernen populären Musik vor sich geht, habt ihr vielleicht bemerkt, dass es ein Vorher und Nachher für das Lied „Only Girl In The World“ von Rihanna gibt. Nein? Frag dich selbst, wann hast du das erste Mal gehört, dass ein Popsong im Refrain seinen vollen Drumbeat fallen lässt? Denk nach. Ja. Das ist es. Wie oft hörst du es jetzt? Jedes zweite Lied. Lass uns darüber diskutieren.
Die Art und Weise, wie Popsongs heutzutage geschrieben werden, tendiert dazu, das Gegenteil von dem zu sein, was die meisten Leute denken. Es beginnt mit der Musik, oft als „Beat“ bezeichnet, und dann werden Melodie und Texte hinzugefügt, oft von jemand anderem als der Person, die den „Beat“ erstellt hat. Oft ist das Lied fertig, sogar gemischt, bevor es einen richtigen Titel oder Gesang hat. Der Gesang wird dann später hinzugefügt, je nachdem, wer das Lied für sein Album übernimmt. Dieser Prozess kann Probleme verursachen, wie eine lose Melodie und Musik, merkwürdige Übergänge aufgrund der Struktur der Musik, komische Mixe mit Stimmen, die nicht richtig sitzen, usw. Und manchmal funktioniert es einfach großartig. „Only Girl In The World“ ist eine Lektion in Reinheit, Effizienz und Minimalismus. Produziert von Stargate, Sandy Vee und gemischt von Phil Tan, schafft es das Lied, die perfekte Balance zwischen Einfachheit und Kraft zu sein.
Hier anhören:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/loud/id458437339
Spotify: https://play.spotify.com/track/3YJlTDtUXu1sGh8lunblkG?play=true&utm_source=open.spotify.com&utm_medium=open
Strukturell ist es ein einfacher Vers-Refrain mit einer Bridge, wie wir sie schon eine Million Mal gehört haben, aber die Struktur wird als Produktionswerkzeug in einer Weise genutzt, die zu der Zeit neu war. Intro und Strophen sind genau dasselbe, außer dass die Strophe eine Basslinie hinzufügt, die im Intro nicht vorhanden ist, und das war's. Die Melodie nach Takt 5 der Strophe deutet auf eine Modaländerung hin, aber sie ist sehr subtil und da sich nichts darunter bewegt, fließt sie einfach durch, ohne Fragen aufzuwerfen. Es ist eine gute Möglichkeit, Vielfalt zu ermöglichen, ohne das hypnotische Gefühl des Arpeggios zu brechen (Versuche herauszufinden, welche Mode Rihannas Melodie unabhängig vom Grundakkord andeutet).
Beachte, wie spärlich die Produktionsweise der Strophe ist: Kick, Stereo-Clap, Shaker, charakteristisches Synth-Arpeggio und dieser kleine Zap-Sound in der Mitte, die einen Pickup zum sonst quadratischen Beat erzeugen. Kein Hi-Hat, keine Unterteilung außer dem Shaker. Und trotzdem groovt es. Das Arpeggio und seine Delays sind das Rückgrat des Grooves in der Strophe. Einfach und kraftvoll.
Und dann passiert es: Der Beat fällt im Refrain für ganze 8 Takte aus. Warte! Nein! 16 Takte! Ich weiß nicht, wie viel Einfluss es brauchte, um die Idee bei den Marketing- und Radio-Teams von Rihannas Label durchzusetzen, aber jemand hatte die Macht, das zu tun. Den Beat beim ersten Refrain auf dem Downbeat fallen zu lassen, lässt ihn riesig klingen. Den Drop auf 16 Takte statt der 8, die jeder erwartet, zu verlängern, lässt ihn überirdisch klingen. Es ist eine klassische Technik des verzögerten Drops aus der Dance Music, aber so wurde es vorher noch nie für einen Popsong im Radio gemacht. Es gibt keinen Bass, kein Bassdrum, keinen Bass für 8 Takte. Dann kommt der Drum-and-Bass-artige Beat, aber immer noch kein Bass, und dann schlägt die große Belohnung ein. Und es hält das Lied wochenlang an der Spitze der Charts (weil die Leute dieses Gefühl immer wieder erleben wollen. Wenn du es nicht versucht hast, ist es sehr lehrreich, in einem Club zu sein und zu sehen, wie die Leute auf solche Dinge reagieren. Versuch es, bevor du deinen nächsten Track produzierst. Diese Art von direkter Erfahrung mit dem Einfluss von Produktionstricks ist der Grund, warum gute DJs an die Spitze der Produktionsszene für Popmusik aufgestiegen sind).
Beachte den Unterschied in der Textur zwischen dem „broken“ Refrain und der vollen Form. Im broken Refrain fühlt sich alles horizontal an, alles hat einen Nachhall, alles ist in Warteposition. Wenn der Beat nach 16 Takten wieder einsetzt, wird alles, was auch nur annähernd pad-artig ist, verworfen, der Bass verändert seinen Ton und wird doppelt so fett wie die Strophe. Er wird auch seitlich von der Bassdrum komprimiert, wieder ein Tanzmusik-Ding, um Vorwärtsbewegung zu erzeugen. Es gibt nur wenige Instrumente: Drums, Bass, Rechteckwellen-Synth, Vocals. Der größte Effekt hier liegt in der Kombination, den Beat wieder hereinzubringen und gleichzeitig alles 'Horizontale' in der Produktion zu verlieren. Keine der Techniken hätte den gleichen Effekt für sich allein erzielt. Die übliche Tendenz von Produzenten, wenn sie etwas anheben wollen, ist, etwas Großes hinzuzufügen. Wenige denken daran, etwas zu entfernen. Dieses Team tat es. Und das gut.
Wenn man analytisch sein will (das willst du, oder?), fungiert der Refrain sowohl als Pre-Refrain als auch als Refrain. Es ist die gleiche Akkordstruktur, mit der gleichen Melodie, aber völlig anders arrangiert und hintereinander gespielt. Denke einen Moment darüber nach. Großartige Nutzung von Strukturverdrehung als Produktionswerkzeug. Es funktioniert wirklich.
Die zweite Strophe ist eine perfekte Kopie der ersten Strophe. Sie fühlt sich immer noch frisch an wegen ihrer spärlichen Qualität und des starken Kontrasts mit dem Refrain. Wir hatten Zeit, uns nach diesem Arpeggio zu sehnen, bis es zurückkommt. Solange niemand gelangweilt ist, warum den Sender wechseln?
Und dann passiert es wieder. Der Beat fällt im zweiten Refrain erneut aus. Ich bin mir sicher, dass das einige zusätzliche Meetings in hohen Ämtern nach sich zog. Das Genie hier ist, dass anstatt den ersten Refrain genau zu spiegeln, der Beat dort wieder einsetzt, wo du ihn erwarten würdest. Aber da du beim ersten Mal getäuscht wurdest, kommt er als Überraschung und hebt noch mehr an. Sehr clever. Sie haben sogar die Struktur um einen vollen Refrain verkürzt und bringen die Bridge nach 16 Takten (Das erste Pre-Refrain/Refrain-System hat 24 Takte). Täuschung, Täuschung... Wieder wird die Struktur hier als Produktionswerkzeug genutzt und hilft, die Reise des Zuhörers durch im Wesentlichen kopierte Teile zu gestalten, ohne jemals alt zu werden.
Die Bridge ist noch minimalistischer, mit einem netten Verweis auf Eurythmics' „Sweet Dreams“. Bassdrum und seitlich komprimierter Bass-Synth mit einer diskreten Verstärkung der Melodie durch einen streichähnlichen Patch. (Ich vermute, dass die Melodie aus dem Teil abgeleitet wurde, der bereits Teil des Beats war, als der Melodie-/Texteschreiber sie zum ersten Mal hörte.) Beachte, wie der Drum-and-Bass-Beat, der half, den Hunger nach der vollen Bassdrum im Takt 9 des ersten Refrains zu stillen, mittendrin wieder aufgenommen wird, um die Bridge bis zur Fermate, die in die letzten Ad-libs führt, aufrechtzuerhalten. Achte auch darauf, dass nach der Bridge der Refrain sofort einsetzt (Kein heruntergefahrener Purgatorium, die Bridge hat uns das bereits gegeben).
Der einzige Teil, der nur einmal im Lied vorkommt, ist dieser coole Synth-Hochton, der nach der ersten Runde der letzten beiden Refrains erscheint. Er hilft, den letzten Refrain mit dem Ad-lib-Teil (Über Refrain-Produktion, um es einfach zu halten) zu verknüpfen, indem er den gemeinsamen Faden bildet. Achte auch auf die Länge des Liedes mit 3:56. Es ist etwa 30 Sekunden länger als ähnliche Lieder (insbesondere zu dieser Zeit). Sie hätten das Lied ganz leicht bei 3:30 beenden können, aber das Team entschied sich, einen Ad-lib-Tag hinzuzufügen, wahrscheinlich weil der Track großartig war und sie zuversichtlich waren, dass er so gespielt werden würde. Sie überraschen uns auch mit einem coolen kalten Ende mit demselben schönen harmonischen Wendepunkt, der am Ende jedes Refrains zu finden ist. Was gibt es mehr zu verlangen?
Eine weitere interessante Beobachtung zu diesem Lied ist das Fehlen von Drum-Fills. Übergänge enden mit brutaler Kraft, wie zwischen Refrain und Strophe oder durch ein großes Stereo-„Woosh“ (das jedes Mal wiederverwendet wird). Es ist cool, diskret und funktioniert, ohne die Vocals zu stören. Tatsächlich gibt es mehrere soundeffektartige Teile, die das Lied besonders machen. Der Zap-Sound formt den gesamten Groove (nimm dir einen Moment Zeit, um den Unterschied zwischen den Strophen- und Refrain-Parts zu bemerken. Es liegt in der Mitte und spielt Upbeats vor den Klatschen). Außerdem gibt es eine große Explosion auf dem Downbeat der Bridge (später wiederverwendet, wenn du aufmerksam bist). Es ist auch gut, sich einen Moment Zeit zu nehmen, um zu hören, wie die verschiedenen Reverb- und Delay-Würfe auf die Vocals angewendet werden, um den spärlichen musikalischen Raum zu füllen (die Bridge ist dafür einfacher). Auch wenn das Arrangement darauf ausgelegt ist, einfach zu sein, wirst du wahrscheinlich mit jedem Hören neue Juwelen entdecken. Es wird nie langweilig.
Jede Kunstform hat ihre eigene Art von Minimalismus. Dieses Lied ist ein großartiges Beispiel dafür in der Popmusik. Es ist minimalistisch in seiner Strukturökonomie, in der Wiederverwendung von Produktionselementen und in seiner Knappheit an Spuren. All das ist sehr schwer zu erreichen, ganz zu schweigen davon, durch den Filter der Musikbranche auf diesem Niveau zu kommen. Ich höre viele Musiker, die die Musik, die sie im Radio hören, herabsetzen, und um fair zu sein, gibt es eine riesige Menge fragwürdiger Tracks, die jeden Tag gespielt werden. Wenn ein Lied wie „Only Girl In The World“ jedoch auftaucht, ist es wichtig, den Wert des außergewöhnlichen Könnens und der Vision zu erkennen, die benötigt wurden, um es zu schaffen.
Hör lange und oft hinein. Es gibt Lektionen für jeden Produktionsstil in diesem Track.
Fab Dupont.
