Dieser MixCheck ist ein Rückblick. In den frühen 80ern veröffentlichte der fantastische Quincy Jones ein Soloalbum mit dem Titel The Dude. Zu diesem Zeitpunkt war er Ende 40, hatte fast alles erreicht, wovon ein Musiker und Produzent träumen konnte, und hatte keine Ahnung, dass er im folgenden Jahr, nachdem er Michael Jacksons Thriller-Album produziert hatte, noch legendärer werden würde.
Es ist sehr interessant, das Ergebnis der harten Arbeit des A-Teams dieser Zeit (Quincy, Bruce Swedien, Michael Jackson, James Ingram, Stevie Wonder, Rod Temperton, Patti Austin, Louis Johnson, John Robinson, Greg Phillinganes, Paulinho Da Costa, Michael Boddicker usw.) zu analysieren und es mit der Ästhetik von heute zu vergleichen. Es ist auch faszinierend, die Auswirkungen dieser Platten auf moderne Aufnahmen zu beobachten, die Details, die entnommen wurden, und die Ideen, die gestohlen wurden.
The Dude ist der zweite Titel auf dem Album. Das erste Auffällige ist, wie lang er ist: 5:38 Minuten. Eine Seltenheit heutzutage. Beachte, dass das gesamte Album auf Band und Mischpulten aufgenommen wurde, ohne Zugang zu Groove-Editing oder viel Feintuning. Jeder Effekt war ein Hardware-Gerät und wurde wahrscheinlich über verschiedene Tracks geteilt, und vor allem, alles, was du hörst, wurde tatsächlich so gespielt. Das bedeutet, dass der Schlagzeuger, der Bassist und der Keyboarder etwas spielen konnten, das so gut klingt, ohne elektronische Hilfe. (Das ist der Grund, warum die gleichen Namen immer wieder auftauchen, wenn du die Spieler-Credits aus dieser Ära liest. Wenn du dieses Team engagiert hast, hattest du eine Aufnahme, die groovte, ohne dass du dich zu sehr anstrengen musstest). Das bedeutet auch, dass der Keyboarder den Wurlitzer-Riff für das ganze Lied spielte, keine Loops, nichts von alledem. Höre dir den gesamten Track mit diesem Wissen an und reflektiere, ob wir Fortschritte gemacht haben oder nicht.
Hier anhören:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-dude/id353173
Spotify: http://open.spotify.com/track/77y6skfj4H6MyZz5ZO5eIy/a>
Beachte die ungewöhnliche Struktur und die freien Interpretationen der Abschnitte. Es gibt zwei Intros, jede Strophe besteht aus zwei Unterstrophen, es gibt einen instrumentalen Horn-Bruch, der mehrmals in verschiedenen Variationen auftaucht, die Refrains sind entweder gesungen oder instrumental oder irgendwie beides, die Brücke ist ein Keyboard-Solo von Stevie Wonder, das von weiblichen Chorgesängen umrahmt wird, und dann improvisiert es. Kaum eine radiofreundliche Struktur.
Die Strophen werden von einem weiblichen Chor eingeführt und dann singt James Ingram seinen Teil. Jedes Mal, außer in der dritten Strophe, wenn er ohne die sanfte Einführung kommt (Der Chor singt ein bridge-artiges Riff kurz vor der vierten Strophe, aber ein anderer Teil). Strophe 3 ist eine Wiederholung von Strophe 1b, springt jedoch direkt zum Refrain, anstatt durch den Horn-Bruch und dann einen weiteren Rap zu gehen.
Songstruktur
- Intro. (Gitarre und Fills)
- Intro 2 (mit Strophen-Groove)
- Strophe 1a (Weiblicher Chor)
- Strophe 1b (James Ingram)
- Horn-Bruch
- Rap-Strophe von Quincy
- Refrain mit Backing Vocals.
- Wieder-Intro
- Strophe 2a (Weiblicher Chor)
- Strophe 2b (James Ingram)
- Horn-Bruch 2
- Rap-Strophe 2
- Refrain (mit Altsaxophon statt Lead-Vocals)
- Brücke ähnlich einem vokalen Riff.
- Keyboard-Solo. Danke Stevie.
- Horn-Bruch 3 (Doppelt so lang wie zuvor)
- Brücke ähnliches vokales Riff wieder
- Strophe 3 (James Ingram)
- Refrain mit Backing Vocals und Antworten auf den Refrain mit kraftvollen Improvisationen von James Ingram
- Instrumental-Refrain mit Ad-Libs und Back-Antworten
- Fading
Wenn du nur hörst, ohne genau zuzuhören, erscheint es nicht so ausgefeilt, aber es entwickelt sich ständig weiter. So bleibt es interessant, obwohl es größtenteils ein Einer-Klang-Groove ist, abgesehen vom Refrain. Wer hätte das gedacht?
Andere musikalisch interessante Details, die mich immer wieder zu diesem Track zurückgebracht haben, neben dem unglaublichen Spiel und Gesang, sind die lockeren Instrumentalparts. Sie sind Teile, aber die Spieler interpretieren und improvisieren und verzieren sie zufällig, etwas, das wir in der Copy-Paste-Ära fast vollständig verloren haben. Es ist auch sehr aufschlussreich, sich auf den Drum-Groove zu konzentrieren. Das gesamte Gleichgewicht kommt eigentlich von einer Kuhglocke. Paulinho Da Costa spielt, was scheint, eine mittelgroße Kuhglocke, die auf einem Ständer montiert ist, fast jede viertel Note des Songs (Geh überprüfen, ich warte). Wenn er stoppt, hält die ganze Bewegung des Tracks an. Ist das nicht erstaunlich? (Von Zeit zu Zeit kannst du hören, wie er eine Achtelnote spielt, nur um zu zeigen, dass er lebendig und wohlauf ist. Du kannst auch die Kuhglocke und den Snare-Flam ein paar Mal hören). Ich liebe auch die großen Stereo-Piano-Tiefen, die nur zweimal kommen, um das Slap-Bass-Riff im Intro und in der Brücke zu betonen. Es lässt mich fragen, was sonst noch mit dem Piano auf diesem Track verbunden war. Außerdem, denk daran, dass Klatschen zu der Zeit tatsächlich von Menschen gemacht wurde. Es scheint einfach zu sein, aber eine Gruppe von Musikern dazu zu bringen, den richtigen Groove zu haben und zwischen den Klatschen ruhig zu sein, um den richtigen Klang zu erzeugen, ist nicht einfach. (Probiere es bei deinem nächsten Song anstelle eines Samples aus und schick mir eine Postkarte) – sie haben es geschafft, sowohl Groove als auch Klang. Beachte, wie sie von Anfang an in leichter Weise (weniger Menschen klatschen) präsent sind, aber dann für den Refrain anschwellen.
Während wir dabei sind, ist es eine gute Idee, den Refrain hinsichtlich der Kontrapunktbeherrschung zwischen den Leads, den Hintergrundgesängen, den Bläsern, dem Keyboard-Riff und dem Slap-Bass zu studieren. Es ist ein so enges Stück im Schreiben und Arrangieren mit makelloser Ausführung.
Weitere bemerkenswerte Details sind die Verwendung eines Vocoders für die Antworten in den Strophen (30 Jahre vor Daft Punk) und die Tatsache, dass Quincy auf dem Track rappt. Das war etwa 1980, Rap hatte kaum New York verlassen, es war definitiv kein Mainstream-Stil. Es war mutig von Quincy, dies auf einer Mainstream-Aufnahme zu tun. Es zeigt, wie im Bilde und oft voraus Quincy Jones in Bezug auf musikalische Trends während seiner Karriere war.
Vom Klang her sollte das erste, was dich trifft, sein, dass es nicht sehr fett klingt. Tut es das? (Geh vergleiche es mit Angel von Massive Attack oder einem moderneren Track wie Tom Ford von Jay-Z und lass uns darüber reden).
Warum ist das so? Weil es echte Instrumente sind und keine speziellen Effekte zur Klangverfettung verwendet werden (die existierten nicht oder waren in der Entstehung). Eine echte Bassdrum wird niemals so fett aufgezeichnet wie ein 808 Kick, es sei denn, du verwendest Technologie, um sie so klingen zu lassen. (Gehe und höre dir deinen Schlagzeuger im Probenraum an und berichte. Pock. Pock. Pock).
Zu dieser Zeit war es allgemein üblich, dass die E-Gitarre fetter war als die Kick, genau wie in diesem Track, weil das das war, was du aus den tatsächlichen Instrumenten bekommst. Beachte, wie laut der Bass übrigens ist. Er ist rund und ausgeglichen und ist das Zentrum des gesamten Tracks. Das war wahrscheinlich einer der fettesten Tracks seiner Zeit, was wahrscheinlich von diesem Team zu diesem Zeitpunkt erwartet wurde. Eine ernsthafte Kombination aus kontrolliertem Spiel, Kompression und Riding erlaubte es dem Bass, so laut zu sein. Beachte die Beziehung zwischen dem Bass und der Bassdrum, sie ist sehr unterschiedlich von dem, was passieren würde, wenn dies heute gemischt würde. Die Beziehung wäre wahrscheinlich umgekehrt.
Beachtest du auch, wie laut die Klatschen in den Refrainabschnitten sind und wie dünn die Toms klingen, wenn sie gespielt werden. All das sind sehr zeitlich gestempelte Klänge, aber um die ästhetischen Entscheidungen des Mixes vollständig zu verstehen, ist es wichtig, den Mix auf kleinen Lautsprechern wie Auratones oder ähnlichem anzuhören. Du kannst hören, dass alles auf diesen Lautsprechern Sinn macht. Sogar der Bass. Wenn Bruce Swedien es heute mischen würde, wäre es sehr anders. (Wahrscheinlich immer noch gut auf Auratones)
Wenn wir schon bei den Lautstärken sind, achte auf die Gesangslevels. Besonders auffällig sind die Stimmen im Refrain. Beachte, wie bescheiden sie im Vergleich zu modernen Standards sind. Fast wie einer der Instrumentalparts. Dasselbe gilt für den weiblichen Chor, der die Leads beantwortet. Die meisten Vocals sind ziemlich weit hinten im Mix. Der Rap ist etwas lauter. Er hat auch Reverb. Das ist lustig und heutzutage selten zu hören. Tatsächlich teilen sich die meisten Vocals dieses lange Plate-Reverb, zusammen mit Klatschen, Althorn und der Lead-Gitarre. Vielleicht ein EMT140. Schau es dir an. (Wenn du kannst, höre dir den Mix in Mono an und sieh, wie das Reverb stark abnimmt)
Die Gitarren sind ziemlich dünn gehalten und nach außen verschoben, um nicht mit dem Wurlitzer-Riff zu kollidieren. Selbst die Stereo-Parts, wie das Intro oder das Bridge-Solo, sind eigentlich Mono-Aufnahmen mit einem kurzen Delay, das gegensätzlich gepannt ist. Es ermöglicht einen breiten Klang, spart einen Track auf dem Bandgerät (Hey, sie brauchten ihn für das eine Klavier-Teil) und schafft Platz in der Mitte. Die anderen Bewohner der Seiten sind die Bläser, sehr Earth Wind And Fire im Geiste, die eindringen, um den Refrain schön anzuheben. Sie sind ziemlich laut, lauter und präsenter als die Vocals, zum Beispiel. Interessant, oder? Beachte, dass sie in den beiden Refrains am Ende nicht spielen und erst wiederkommen, mit einem neuen Part, für das Fading. Cool.
Ein weiteres interessantes Merkmal dieses Tracks ist die Arbeit, die anscheinend stattgefunden hat. Vor digitalem Editing bedeutete Copy-Pasting, eine Schere an ein Bandstück zu nehmen und es dort wieder zusammenzukleben, wo man wollte. Es muss erlebt werden, um geschätzt zu werden (Ich sage voraus, dass du nach dem Versuch, einen Edit auf einem 2-Zoll-Bandmaster zu machen, viel weniger Flüche an deiner DAW ausstoßen wirst).
Höre dir das erste Intro an (das, bevor der Strophen-Groove einsetzt). Beachte, wie die Drums anders (dunkler) klingen und wie die Vocals ebenfalls ganz anders sind. Ich vermute, dass dies ein anderer Teil des Liedes war (wahrscheinlich Teil der Bridge, wenn du auf den Gitarrensound hörst, oder vielleicht ein anderes Lied) und dass es gemischt wurde, um Teil eines groben oder endgültigen Mixes zu sein. An einem anderen Punkt hat jemand diesen Teil herausgeschnitten (vielleicht, um Stevie auf den Solo-Keys hinzuzufügen) und dieses Bandstück wurde gerettet und irgendwann als erstes Intro hinzugefügt. Schau dir den Schnittpunkt an, wenn der Groove beginnt. Boom.
Ein weiterer lustiger Edit ist am Ende des ersten Horn-Bruchs. Schau dir an, wie das Ende des Reverbs einfach abschneidet. Das ist ein ernsthafter Edit. Wäre das heute okay?
Ein weiteres lustiges nerdiges Detail kann gegen Ende des Tracks gehört werden, wenn der Refrain sich wiederholt und James Ingram mit Ad-Libs eintritt. Schau dir das Wort „out“ in „Ain't nobody out there“ an. Was ist das?? Ich stimme dafür, dass es ein Punch-In war, das ein wenig spät kam (Bandmaschinen hatten keine Instant-Punch-Fähigkeiten, sie waren manchmal ein wenig träge, und Punching war eine Kunstform) und für einen kurzen Moment hörst du sowohl den Originaltake als auch den Punch um Aufmerksamkeit kämpfen. Da hast du es, Pitch-Twirling 30 Jahre vor T-Pain. Offensichtlich entschieden sie sich, es zu behalten, weil sie nicht dachten, dass es von Bedeutung war. Auch darin steckt eine Lektion.
Insgesamt ist dieser Track ein Schatz an Fähigkeiten. Es braucht einige Dutzend Anhörungen, um die Quelle des Grooves, die sehr ungewöhnliche Wahl der Balance, die verrückte Struktur und die Gesangsarrangements vollständig zu erfassen und zu versuchen, eine Verbindung zu den vielen, vielen Liedern herzustellen, die davon inspiriert wurden und in ihrem Gefolge kamen.
Weitere erstaunliche Stücke auf dem Album sind „Betcha Wouldn’t Hurt Me“ und „Ai No Corrida“. Sehr empfehlenswert für je 1,29 $.
Fab
