In dem Auszug aus dem Video "Ryan Hewitt Mixing the Lumineers" beschreibt Hewitt seine Strategie zum Arrangieren und Mischen des Songs "Angela".
„Es gab viel durchdachte Überlegung zu jedem einzelnen Teil“, sagt Hewitt. „Wann es hineinkommen würde, wann es gespielt würde und was es spielen würde.“ Er sagt, dass sie nicht einfach viele Teile übereinander geworfen haben, sondern das Arrangement ganz bewusst konstruiert haben.
Obwohl es ein relativ sanfter Song ist und keinen konventionellen Schlagzeug-Teil enthält, ist er unglaublich dynamisch und voll cleverer kleiner Details, die helfen, die Energie im Verlauf zu steigern. Der Song enthält Percussion- und Streichinstrumente, die einen orchestralen Charakter haben, was ihm das verleiht, was Hewitt als "cinematische" Stimmung beschreibt.
Lass uns analysieren, was im Song passiert, beginnend von Anfang an. Um dem tatsächlichen Mix zu folgen oder ihn zu referenzieren, während du diesen Artikel liest, kannst du ihn im offiziellen Video anhören.
INTRO
Der Song beginnt mit einem gefingerten Akustikgitarren-Part. Hewitt ließ ihn voller klingen mit ein wenig paralleler Kompression, einem gesampelten Lexicon 480 Reverb und mehreren EQs, die die tiefen Frequenzen absenken und Helligkeit hinzufügen.
Der grüne Track ist die Akustikgitarre, und du kannst all die Bearbeitung sehen, die Hewitt verwendet hat. Der als ACO Crush gekennzeichnete Track ist der Kanal für parallele Kompression.
VERSE 1, PRE-CHORUS 1
Die Stimme des Leadsängers Wesley Shultz ist das einzige Element, das hinzugefügt wird, wenn die erste Strophe beginnt. Das Arrangement bleibt bis zur ersten Pre-Chorus-Section bei nur Akustikgitarre und Gesang.
Hewitt erklärt, dass die Musik von The Lumineers ganz auf den Gesang ausgerichtet ist. Der reiche, organische Lead-Vokalsound, den Hewitt im Mix von "Angela" erzeugt, ist viel komplexer, als man beim Zuhören vermuten könnte. Er besteht aus zwei Stereo- und einer Mono-Instanz des UAD EMT 140 Plattenreverb-Plug-ins mit unterschiedlichen Nachhall- und Vorverzögerungszeiten, die eine komplexe Atmosphäre schaffen. (Für einen detaillierten Blick auf die Vokalreverb-Einstellungen für den Song, schau dir diesen Artikel an.) Zwei verschiedene Echos, darunter ein Slap- und ein syncopierter kurzer Delay, tragen zur Fülle des Gesangs bei, ebenso wie eine subtile parallele Kompression.
VERSE 2 und PRE-CHORUS 2
Der Mix beginnt sich am Anfang der zweiten Strophe aufzubauen. Ein Klavier setzt ein und spielt hohe Akkorde auf den Schlagzeiten. Hewitt setzt ein UAD 1176 Plug-in auf das Klavier, um seinen Klang zu verstärken und etwas Sustain hinzuzufügen.
Auch eine Kickdrum kommt hinzu und hilft, den Song zum ersten Refrain zu treiben. Die Kick wurde während des Mixes hinzugefügt und war nicht im ursprünglichen Arrangement enthalten.
Es gibt einen zweitägigen Abschnitt, der in den Refrain übergeht, in dem das Arrangement wieder auf nur Gesang und Akustikgitarre mit etwas sanfter Percussion im Hintergrund zurückgeht. Dieser Rückgang in der Intensität schafft einen zusätzlichen Kontrast für den Refrain, der beginnt, wenn Schultz den Gesangseinsatz „Ho“ im dritten Schlag des letzten Taktes des Pre-Chorus singt.
CHORUS 1
Im kurzen, vier Takte langen Refrain wird der Gesang viel intensiver, und Hewitt beschloss, sie auf einen separaten Track zu verschieben, damit er sie unterschiedlich verarbeiten konnte. Zum Beispiel ändert er die Delay-Parts, indem er einen Soundtoys EchoBoy einfügt, der auf digitalen Delay mit etwas Sättigung eingestellt ist.
Die roten Tracks unten sind die Vocals. Beachte, wie Hewitt die Verse, Refrains und den Bridge auf separate Tracks getrennt hat, damit er ihnen unterschiedliche Bearbeitungen geben konnte.
Hewitt hebt auch die Höhen beim Lead-Vocal im Refrain an. Er erklärt, dass das Hinzufügen von Helligkeit eines seiner Tricks ist, um einen bestimmten Abschnitt des Songs voranzutreiben, denn „heller ist aufregender“.
Das Klavier wird im Refrain aktiver und übernimmt kurz die Rolle des Grundinstruments von der Akustikgitarre. Das Klavier spielt einen starken Akkordpart zusammen mit „Bassbomben“, die Oktavparts in der linken Hand sind. Hewitt pannt das Klavier in diesem Abschnitt weiter für zusätzlichen Kontrast.
Duale Toms schlagen im Refrain auf den Downbeat und fügen erhebliches Gewicht hinzu. Hewitt fügt „smashy“ Kompression hinzu, um sie kräftiger zu machen. Abstimmte Basstrommeln treffen auch diesen Schlag mit viel abgeschliffenen Höhen und hinzugefügter Verzerrung. Die Kombination der Teile verleiht der Percussion ein orchestrales Gefühl.
Die letzten beiden Takte des Refrains fallen in der Intensität ab, wobei das Klavier einen gehaltenen Akkord spielt, der langsam unter dem Gesang verklingt. Wie bei dem Intensitätsabfall, der dem Refrain 1 vorausging, hilft es, die neuen Elemente einzuführen, die in der Strophe 3 eintreten.
VERSE 3 und PRE-CHORUS 3
Der Song wird intensiver, als die dritte Strophe beginnt. Am meisten dafür verantwortlich, diesen Abschnitt voranzutreiben, ist die Kickdrum, die zu einem gleichmäßigen, pulssynchronen Four-on-the-Floor-Muster wechselt.
Die Bassgitarre tritt zum ersten Mal ein und spielt ganze Noten. Hewitt nahm den Bass mit seiner typischen Kombination aus DI, mikrofoniertem Clean-Amp und mikrofoniertem Dirty-Amp auf. Obwohl in einem Song wie diesem sparsam verwendet, erklärt Hewitt, dass die oberen Harmonien der verzerrten Amp-Spur dem Bass helfen, durchzukommen, selbst auf kleinen Lautsprechern.
Außerdem tritt ein Pseudo-Shaker ein, der tatsächlich eine Aufnahme von Händen ist, die aneinander reiben. Hewitt weist darauf hin, dass er Volumen-Automatisierungsfahrten auf seiner Spur gemacht hat, um ihn zwischen den Gesangslinien hervorzuheben.
Eine Violine tritt am Anfang von Strophe 3 ein und fügt zusätzliche Komplexität und Interesse hinzu. Sie umfasst zwei Teile: Eine dronende Schleife und eine Pizzicato-Linie.
Das Arrangement umfasst eine Reihe von Geigenparts, um die orchestrale Atmosphäre zu unterstützen und strategisch die Energie an verschiedenen Stellen im Song zu beeinflussen.
In der Mitte des Pre-Chorus 3 tritt ein Cello ein, das lange legato Noten spielt. Hewitt weist darauf hin, dass es zwar an einem etwas ungewöhnlichen Punkt in der Mitte des Abschnitts—bei der Zeile „Angela, es ist eine lange Zeit her“—eintretet, es sich einfach richtig anfühlt. Er bearbeitet es mit einigen Anhebungen im Bassbereich und einem UAD LA-2A Plug-in, das die Dynamik komprimiert.
CHORUS 2
Der Refrain 2 ist intensiver als der Refrain 1. Er wird von donnernden Tom-Schlägen akzentuiert. Das Cello wechselt zu einer Linie, die den Rhythmus der Tom-Schläge zum zusätzlichen Verstärken verdoppelt. Die Violine beginnt ein Pizzicato-Achtelnoten-Motiv zu spielen, das Hewitt beschreibt als eine Funktion wie eine elektrische Gitarre. Er automatisiert die Violinlinie, damit sie zwischen den Vocals hervorsticht.
Außerdem kommen ätherisch klingende hochfrequente Hintergrundvokale, die im Mix sehr subtil sind, aber Textur hinzufügen.
BRIDGE
Ein weiterer dynamischer Wechsel erfolgt in der Bridge, wobei die Energie und Instrumentierung etwas abnimmt, um einen Kontrast zum bevorstehenden finalen Refrain zu bieten. Hewitt erklärt, dass die Musiker während des Trackings als Teil des Arrangements alle ihre Intensität in der Bridge gesenkt haben. Er musste die Änderung nicht künstlich mit Automatisierung und Stummschaltung erstellen.
Die beiden blauen Tracks oben sind die Handclaps. Beachte, wie sie in der Lautstärke zunehmen, um die Intensität auf den Refrain 3 vorzubereiten.
Etwas unerwartet zum Intensitätsabfall gibt es eine subtile Tempobeschleunigung, die vor dem Tracking in den Klick programmiert wurde.
Die Bridge baut sich schön zum Refrain auf, teilweise aufgrund eines Handclap-Tracks, der leise beginnt und an Lautstärke zunimmt, je näher er dem Refrain kommt.
Ein weiteres interessantes Element, das in der Bridge eintritt, ist das, was Hewitt „Piano Bee“ nennt. Es handelt sich um einen einfachen, sich wiederholenden Gegenrhythmus-Part bestehend aus Einzelnoten, die in der Intensität steigen. Hewitt pannt es stark auf eine Seite und bearbeitet es mit einem Hochpassfilter und einem Delay von einem UAD Echoplex Plug-in.
Das Ende der Bridge baut sich zu einem Crescendo auf, das in den letzten Refrain überleitet.
CHORUS 3 und 3B
Zurück zum Refrain, und hier spielten alle ihre Parts etwas lauter, um Energie hinzuzufügen. Hewitt akzentuierte auch diese Dynamiken mit Volumenautomatisierung.
Ein neuer Kickdrum-Part tritt ein und spielt ein solides sich wiederholendes Muster, das zusätzliche Kraft und Antrieb zur Percussion-Section hinzufügt.
Für den Backbeat, anstelle einer Snare-Drum, wurde Hewitt wirklich kreativ und samplete das Verschlussgeräusch einer Kamera eines Fotografen, der an der Session teilnahm. Er bearbeitete es mit Soundtoys FilterFreak, wobei die Höhen abgeschnitten und Sättigung hinzugefügt wurde, verwendete einen EQ, um die Höhen und Tiefen abzusenken und den oberen Mittenbereich zu betonen, und verstärkte es mit einem UAD Neve 1073 Legacy Vorverstärker-Plug-in und fügte einige stotternde Echos und Reverb hinzu.
Außerdem tritt in diesem Refrain ein Cello-Part ein, der tiefe staccato Noten spielt, eine Violine, die Sechzehntelnoten spielt, und eine weitere, die Pizzicato-Noten auf den Offbeats in einer höheren Oktave spielt. Hewitt nutzt diesen höher klingenden Part, um zusätzliches Aufregung hinzuzufügen.
Hewitt wendete einen Hochpassfilter auf den „Piano Bee“-Part an, damit er nicht mit den anderen, gleichzeitig gespielten Klavierparts in Konflikt gerät.
Der Refrain wird mit all denselben Elementen wiederholt, jedoch mit einigen höheren Variationen im Lead-Vocal und einem anderen hohen Harmonie-Gesangspart, der nach rechts gepannt ist.
Um den Antrieb zu erhöhen, verdoppeln die Streicher und das Klavier die Geschwindigkeit all ihrer Parts im wiederholten Refrain. Das Klavier wechselt also zum Beispiel von einem Achtelnoten-Teil zu einem Sechzehntelnoten-Teil. Diese extreme Höchstgeschwindigkeit maximiert auch den Kontrast zum folgenden Outro-Abschnitt.
OUTRO
Alles außer der Akustikgitarre und dem Gesang fällt weg, wodurch das Arrangement zurück zur Einfachheit der ersten Strophe kommt. Shultz summt die Melodie zusammen mit der Gitarre und dann stoppt es einfach auf dem Downbeat und die Gitarre lässt die Töne ausklingen.
ABSCHLIESSENDE GEDANKEN
Offensichtlich haben Hewitt und The Lumineers ein dynamisches Arrangement und einen Mix geschaffen, der sich ständig von Abschnitt zu Abschnitt änderte. Die verschiedenen Elemente, die ein- und ausgehen, halfen, die Energie für die verschiedenen Abschnitte zu heben und zu senken, während sie konstant auf den Höhepunkt im letzten Refrain hinarbeiteten. Diese Techniken machten den Song noch kraftvoller und eindrucksvoller.
Zu sehen, wie sie die Ergebnisse erzielt haben, ist lehrreich, und es ist nützlich darüber nachzudenken, wenn du deine eigenen Songs zum Aufnehmen arrangierst. Schau dir das vollständige Video an, „Ryan Hewitt Mixing the Lumineers“, um noch mehr darüber zu erfahren, wie Hewitt der Band half, diesen meisterhaften Mix zu kreieren.
