Esta es una de las mejores pistas de referencia de graves de todos los tiempos. Mezclada por Mark "Spike" Stent alrededor de 1998 en una SSL en Olympic Studios en Inglaterra.
Escucha aquí:
Si puedes, escucha el disco real, el CD o incluso la versión de Spotify en lugar de la versión de Youtube. La versión de Youtube se convierte en puré a mitad de camino, como siempre en Youtube (Youtube es un lugar en internet donde la buena música va a morir).
Lo impresionante musicalmente aquí es que toda la canción se basa en un pedal C pero nunca se vuelve aburrida. También es maravilloso ver a una banda tomarse su tiempo con una canción y ofrecer estructuras completamente inusuales. Pasa más de un minuto antes de que entren las voces. Cuando llega el verso es tan escaso que uno se pregunta si es siquiera un verso. Es una construcción hacia una gran sección instrumental traída por un canto de "Love You" que une las dos partes elegantemente.
Cuando entra el segundo 'verso', es la misma letra. (Así que probablemente deberíamos llamarlo un coro). Esta vez, dura la mitad y no hay canto de "Love You" que una la siguiente sección, que a su vez es diferente y más larga que la primera. El canto de "Love You" aparece brevemente para unir esa segunda instrumental de nuevo a la desvanecimiento final. Así que estamos hablando de una canción de 6:20, con dos coros de diferentes longitudes, instrumentales disfrazadas de versos, y una introducción y un cierre más largos que un minuto cada uno. Cuando la escuché en la radio, tuve que detener el coche y averiguar quién era y por qué estaba sonando tal pista en la radio. (Era en Francia, en FIP, pero aún así). Se requirió una visión seria para atreverse a hacer esto y seguir con el lado empresarial después.
La clave sonora de la pista es la interacción entre el bombo y los dos bajos. El bombo en sí es el centro de la pista pero no es muy grueso. La parte gruesa de la pista proviene de los dos bajos: uno sucio que comienza la pista, y uno limpio que aparece alrededor de 20 segundos después. Es importante seguir el rastro de estos dos a lo largo de la canción. Hay maestría en manejar esos tres elementos mientras se desarrolla el amplio rango dinámico de la canción a su alrededor.
Si escuchas en un medio de reproducción limpio notarás que, aunque entran muchos otros elementos, el bombo nunca colapsa. Incluso cuando entran las (más) reales baterías, los tres elementos centrales permanecen intactos. Y incluso cuando se desata el caos, el centro y el fondo aún anclan todo (no si escuchas en Youtube, pero ya lo sabías).
Spike tomó decisiones realmente asombrosas y elecciones estéticas en esta pista. Primero, el stick lateral está casi completamente seco (hay un ligero ambiente, pero sin rastro) sin embargo, las voces son muy húmedas. De hecho, todo es muy húmedo y ambiental en la canción excepto los tambores de bajos y el stick lateral. Es un sonido mágico. Tómate un minuto para comprobarlo y analizar todos los instrumentos y mentalmente ponerlos en una columna húmeda o seca y ver el efecto que le da a la canción. Las voces obtienen su distancia a través de una variedad de delays y reverbs. Algunos de estos efectos parecen compartidos con algunos de los efectos de guitarra. (En ese momento, estos eran reverbs de hardware, probablemente fue un enorme setup para lograr los sonidos que escuchas).
Nota las otras decisiones inteligentes como el primer hi-hat a la derecha que se detiene o se guarda severamente cuando entra el hi-hat distorsionado del centro, dejando espacio para las guitarras a los lados.
También nota que el rimshot aterrador y seco es reemplazado por una especie de caja duplicada por un efecto de tono cada dos beats cuando las cosas se calientan. Concéntrate en el centro de la canción y escucha con atención el snare. ¿Has escuchado algo así antes o después? Yo no. Eso es probablemente más un tema de producción que de mezcla, pero permitió a Spike ahogar el stick lateral seco sin dejar un hueco (Puedes escucharlo resurgir cuando el snare se desvanece alrededor de 5.40).
El reverb comprimido de resorte en el snare también es bastante feroz. Buena idea mantener la enorme cantidad de textura. El largo pre-delay permite mantener el impacto del snare. Inteligente, inteligente, inteligente.
Las guitarras se utilizan para elevar las partes instrumentales. No hay guitarras per se en los coros. Las guitarras me suenan muy Pink Floyd-y. (Era de The Wall). Nota cómo suenan bastante delgadas (para dejar el fondo de la pista solo) y casi como si fueran de DI. Son crujientes pero no muy presentes, se utilizan como una especie de pad animado y zumbante. Se sienten enormes a través de la gran cantidad de delays y reverbs que agregó para realzar el rastro. pero no son guitarras clásicas, enormes, amplificadas superpuestas en capas.
Hay tanto detalle en esta mezcla que descubrirás cosas nuevas con cada escucha. Por ejemplo, ese pequeño arpegio de guitarra a la derecha alrededor de 5.40, que solo aparece una vez, muy lejano, solo porque sí.
O cómo el bombo cambia de forma lentamente al final del desvanecimiento.
O la llamada de snare estéreo súper genial antes de la primera instrumental.
Ten en cuenta que esto se hizo en una consola, probablemente con cinta como fuente. Es una mezcla muy, muy involucrada y tomó mucho esfuerzo mental para lograr todo en hardware.
En general, esta es una mezcla bastante perfecta. Personalmente la he estado usando durante años para verificar altavoces cuando viajo o cuando trabajo en otras habitaciones. Te mostrará de inmediato si tu habitación tiene un exceso o falta de graves. Tómate unas cuantas escuchas de la canción en varios entornos. Si suena mal, entonces el entorno es malo. No al revés.
Esta es una gran pista para 'poseer y tener'. Significando 'tener en tu disco y tener en tu cabeza'.
Análisis de mezcla por Fab Dupont
