Me gusta pensar que dirigir un estudio de grabación es a veces como esa escena de ‘Ghostbusters’: todos están haciendo el vago y perdiendo el tiempo... Suena el teléfono, Janine atiende la llamada y de repente no puede creérselo: “¡Tenemos uno!”, grita con todas sus fuerzas mientras presiona ese botón de alarma rojo. Me sentí así cada vez que surge un concierto inesperado (sin el gran botón de alarma, que estoy muy decidido a encontrar, así que hágamelo saber si sabe dónde conseguir uno).
Algo así sucedió recientemente, cuando un trío de stoner rock me llamó pidiendo ayuda. El problema no era un fantasma, sino el sonido de sus guitarras eléctricas. Su nuevo EP está terminado, han estado mezclándolo ellos mismos durante casi un mes y - tras algunos intentos - decidieron que simplemente no podían lograr el sonido de las guitarras. Con un presupuesto limitado, usaron plugins y software de modelado de amplificadores, pero ahora decidieron que quieren algo real. La trama se complica cuando me dicen que una discográfica está interesada en firmarlos. Tienen una oportunidad y no quieren desperdiciarla. Es hora de hacer que esas guitarras suenen increíbles.
Esta es la escena de la película donde gritas y presionas el botón rojo.
Planificación del Sonido
Antes de colocar un solo micrófono, pregúntate esto: ¿qué papel tendrán las guitarras en contraste con los otros elementos? Habrá batería, bajo, guitarras y voces principales. El cantante también es el guitarrista, así que cuando tocan en vivo tienen ese sonido de “una guitarra”. No es un problema, pero en la grabación quieren poder expandirse. En este tipo de conjunto, las guitarras dictan - de izquierda a derecha - el cálido y acuoso paisaje sonoro en el que nadarán todos los demás elementos. La relación entre todos los elementos dicta la sensación general de todo el álbum. Para este disco decidimos expandirnos con las guitarras y tener la batería y el bajo enfocados en el centro. Esto nos permite crear un contraste ocasional con pistas de guitarra solas, secciones poderosas, etc. Es stoner rock, casi no hay reglas, pero la tradición es fuerte.
Los principales problemas con las guitarras anteriores eran evidentes. La banda había:
- grabado solo una toma y la duplicó al “otro lado” del campo estéreo
- no creado pistas de guitarra con sonidos diferentes: mismos plugins, mismas configuraciones virtuales para micrófonos, distancia, colocación, etc.
- abusado de varios trucos de procesamiento digital (ampliadores, retardos, herramientas de fase, etc.)
Para solucionar esto decidimos rehacer todo con:
- diferentes tomas de las mismas partes, para guitarras “izquierda” y “derecha” (jerga: “doble seguimiento”)
- dos amplificadores de guitarra diferentes
- dos micrófonos diferentes en cada amplificador de guitarra (jerga: “doble micrófono”)
- filtrar los bajos para ayudar a que el bombo y el bajo se integren y impulsen la canción
- limpiar los medios, para reducir el espesor y dejar respirar la caja
- atenuar resonancias, para evitar el enmascaramiento de las voces principales y no incomodar al oyente mientras equilibramos el tono general de la guitarra
Incluso intentamos usar dos guitarras diferentes, pero luego descubrimos que una sonaba mejor que la otra. Ya estábamos obteniendo suficiente variedad de los dos amplificadores diferentes y el total de cuatro micrófonos en ellos.
“Este es mi amplificador...
...hay muchos como él, pero este es mío.” Es cierto: los guitarristas tienen un apego especial por su propio equipo (incluyendo amplificadores) ya que son parte de su sonido. Sin embargo, con la grabación en estudio, a menudo están dispuestos a probar cosas nuevas y dar una oportunidad a los amplificadores resident. Después de un tiempo probando diferentes tonos, decidimos optar por un Marshall Master Lead Combo y un Peavey Classic 30. El primero es un amplificador de estado sólido, el segundo es un amplificador de válvulas. Cualquier persona que sea demasiado crítica en este campo va a predecir el fracaso: el amplificador de estado sólido “es solo un amplificador wannabe badass” y el Peavey es un híbrido de un VOX y un Fender Champ y “simplemente no está diseñado para ser pesado”. Bueno, no estoy de acuerdo con esas mentes demasiado críticas... no hay nada de malo con los amplificadores menos conocidos, sucios y rotos que puedes encontrar por ahí. En la mayoría de los casos, tuve más suerte con esos que con los pesos pesados. Además de eso, como parte de la receta secreta, incluimos un pedal Morley JD10 antes del Peavey y un pedal vintage ProCo RAT antes del Marshall. Una vez que estuvimos satisfechos con cómo sonaban las dos guitarras en la sala de grabación, empecé a colocar micrófonos en los amplificadores.
Capturando el Sonido y la Vibración de ‘Stoner Rock’
Al usar dos micrófonos para capturar la misma fuente, lo que quieres es diversidad. Piénsalo como si dos personas te contaran su propia versión de la misma historia. Generalmente, me gusta usar dos micrófonos idénticos (cambiando la distancia de la fuente) o dos muy diferentes juntos. Esta vez no buscaba distancia y aire, sino un tono directo. Esto me dejó con solo una opción: dos micrófonos con un sonido muy diferente que pueden complementarse entre sí, colocados cerca uno del otro. 
En el Marshall, elegí un Sennheiser 606 (dinámico) y un Lauten Eden (de condensador a válvulas). Estaban muy cerca de la rejilla, alrededor del borde del domo central. Para el Peavey, elegí un Shure SM57 y un Sennheiser MD421. Una combinación popular... ambos son micrófonos dinámicos, pero tienen un sonido muy diferente. Coloqué el 57 alrededor del borde del domo y el MD421 casi en el centro exacto.
El Sonido Analógico Crudo
Decidí usar preamplificadores API 512c para el 606 y el Eden, le agregué atenuación al último en el preamplificador y aumenté la ganancia. Usé el filtro de HP del Eden, pero lo mantuve en Cardioide y Neutro y no usé atenuadores en el micrófono. El 57 y el 421 estaban conectados a un Mindprint DTC, usando los filtros y un poco de ecualización para afinar el sonido. 
En ambos casos, no pasé más de 30 segundos para audicionar cada micrófono. Para mí, esos eran simplemente dos amplificadores, dos sonidos de guitarra. Solo ahora que he dejado claro mi enfoque, puedo dejarte escuchar cómo sonó cada micrófono.
CRUDO:
¿Escuchas cómo el Eden suena lleno de profundidad, natural y completo (pero más oscuro y espeso), mientras que el 606 tiene actitud y una opinión más personal? ¿Escuchas cómo el 57 tiene esa mordida tan conocida mientras que el 421 ofrece ese contenido de alta frecuencia arenoso desde la posición en la que está? No hay ni correcto ni incorrecto, todos contribuyen de manera constructiva a la historia.
Avanzando, decidí añadir un poco de saturación y momentum... y los compresores son excelentes herramientas para esto, incluso si las guitarras distorsionadas no tienen un gran rango dinámico. No se trata de la compresión (que se mantuvo en un máximo de 3dB, en algunos pasajes), sino más bien del cambio en presentación y tono. El Eden y el 606 fueron a dos Distressors, el 57 y el 421 fueron a los dos canales de un Dangerous Compressor. Como tenía el Dangerous BAX EQ en línea justo debajo de eso, no pude resistir la tentación y añadí filtros y un pequeño aumento en los agudos.
DINÁMICAS:
Casi llegamos, pero quería probar un poco de EQ en el espíritu de darle a las guitarras el mejor sonido posible en la fase de captura. Decidí optar por un API 550A para el Eden y uno para el 606, mientras que usé dos Pultec EPQ-1A en el 57 y 421. Después de esto, fuimos al A/D y esto fue lo que capturamos, en Pro Tools:
EQ:
El Sonido de Guitarra Final Grabado
Una vez colocada en el campo estéreo, con el Eden+606 (amplificador Marshall) panorizado a la izquierda, SM57+421 (amplificador Peavey) panorizado a la derecha, las guitarras sonaban así:
Y así es como sonaron en la mezcla.
Mezclándolo
Tengo dos métodos principales para pulir guitarras, una vez en el dominio digital. Quiero:
Para lograr lo anterior, mi primer método es EQ.
Amplificador Marshall (Izquierda) y Amplificador Peavey (Derecha)
Mi segundo enfoque implica compresión multibanda. El propósito es el mismo, pero se realiza a través de un número más sutil e intrincado de variables. Aquí, los tiempos de ataque y liberación, frecuencias de cruce y muchos otros parámetros juegan un papel importante. He estado usando el Waves C4 durante tanto tiempo que lo conozco muy bien, así que tiendo a recurrir a él. Si necesito más bandas, generalmente las ajusto una tras otra.
Amplificador Marshall (Izquierda) y Amplificador Peavey (Derecha). Los dos compresores siempre están en serie (ver flechas azules)
En este punto, los chicos de la banda tenían una mejor sensación por la última versión, así que optamos por ella.
Ajustes Adicionales
Este estilo es generalmente muy seco y podrías pensar que la reverb nunca funcionaría... pero SENTIRSE seco y SER seco son dos cosas diferentes. Aquí usé R2 de Exponential Audio. Imprimí una versión en la que estoy silenciando las guitarras para que puedas escuchar la cola de reverb.
