Mucha música pop moderna no envejece bien. Escuchas canciones 10 años después y piensas ‘Ugh, ¿cómo pudieron usar ese sonido de caja/o este reverb/efectos vocales y mantener una cara seria?’. Pero hay canciones en la música pop pura que trascienden el tiempo. Hella Good es una de ellas. Cuando salió, la escuché un trillón de veces. Era tan contundente y tan simple, pero increíblemente complicada al mismo tiempo. La producción de Nelly Hooper y la mezcla de Spike Stent han convertido esta canción que de otro modo no ganaría un premio Nobel de literatura en una escucha obligatoria en bucle durante un tiempo. Además, es genial para probar altavoces y habitaciones, debido a su perfecto equilibrio entre graves y agudos. He afinado muchas habitaciones con esta mezcla.
En cuanto a su estructura, es bastante simple. Comienza con una introducción de 4 compases solo de batería que pasa rápidamente a una declaración del riff durante otros 4 compases. Luego viene la estrofa 1, que dura 16 compases, dividida de manera suelta en secciones de 2x8 compases y directos a un estribillo de 8 compases (sin un pre-estribillo, qué raro). La estrofa 2 es un espejo perfecto de la estrofa 1 con 16 compases. El estribillo 2 es un doble estribillo con 16 compases. Después hay un tipo de ‘solo de guitarra’ durante 8 compases y luego una re-introducción/suspensión durante otros 8, directamente de vuelta a 16 compases del estribillo. Hay un engañoso outro de 8 compases, pero luego la energía regresa para 8 compases antes del verdadero outro. Así que, en resumen: 8 compases de introducción, 16 compases de estrofa, 8 compases de estribillo, 16 compases de estrofa, 16 compases de estribillo, 16 compases de puente, 16 compases de estribillo y luego 16 compases de exploración con las partes geniales que hacen la canción, también conocido como outro. Podrían haber tenido una estructura más corta después del último estribillo, pero mi suposición es que No Doubt tenía el peso en ese momento para llevar esto a la radio, así que lo hicieron. ¿Y por qué no?
Escucha aquí:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/rock-steady/id389763724
Spotify: https://play.spotify.com/album/5WDcpQeeTwQHknhFT8XnW6
La producción es como encaje, parece simple a distancia pero es muy intrincada cuando se mira de cerca. Todo se basa en la interacción del pocket de batería recta y los dos patrones complementarios que se revelan en la introducción. (El que está en el bajo eléctrico en el medio y el que está en el sintetizador en estéreo). El riff de sintetizador se mantiene constante a lo largo de la canción, excepto por el solo de guitarra y la parte del puente. Los patrones de notas de 2X16 y 8 ayudan a propulsar la canción y proporcionan la referencia para el leve sentido de swing que hace que la canción bombeé. El bajo eléctrico proporciona el gruñido y contornea los acordes. Nota que hay básicamente dos acordes en toda esta canción, excepto por el solo de guitarra. También nota que el riff del estribillo es básicamente una versión expandida del riff del bajo en la estrofa. El riff de sintetizador se mantiene tal cual, pero el riff de bajo golpea en el beat uno y se alarga para ser la columna vertebral de todo el estribillo. Dado que el bajo básicamente es el mismo, los acordes son los mismos, las baterías son básicamente las mismas (el hi-hat se abre un poco), lo que hace que el estribillo levante son todas las partes añadidas e intervenciones sutiles.
Hay dos maneras básicas de crear dinámicas en una canción. O bien: 1) dejas que el número fijo de instrumentos que forman parte del arreglo se escuche más fuerte o más suave, o... 2) añades o quitas instrumentos al arreglo. En este tipo de estilo de producción, hay poco espacio para que los instrumentos individuales cambien de intensidad a lo largo de la canción. Hay muchos loops y partes específicas con sonidos específicos que no se prestan a ser tocadas de manera diferente de un punto a otro. Es más un enfoque de muestras programadas a pesar de que hay músicos involucrados. Así que crearon dinámicas añadiendo y quitando elementos a medida que avanza la canción. Regresemos y echemos un vistazo.
Vimos que comienza solo con las baterías, luego se establece el patrón básico. Ese es el marco. En la estrofa, el bajo responde a la voz y es doblado por una guitarra rítmica estéreo cuando lo hace. No hay bajo cuando ella canta. En cambio, también hay una parte de sintetizador animada a la izquierda durante los primeros 4 compases y la parte de sintetizador al estilo ‘FunkyTown’ que entra en los siguientes 8 compases a la derecha. Mira el sintetizador de ruido blanco con filtro abierto en los golpes de acento y los ruidos de respiración girando como ‘apoyo’ para el riff. También hay un pequeño grito usado como efecto que dice ‘aaaaargh’ y un sintetizador de onda cuadrada bañado en reverb en el centro en el segundo bloque de 8 compases. Hay muchas cosas pero no se siente abarrotado ni superfluo. Está extremadamente bien mezclado.
Tómate unos minutos para repetir esta primera estrofa y realmente prestar atención a cada pequeño detalle. Intenta memorizarlos. Regresan más tarde en varias formas y es interesante darse cuenta de cómo.
La transición al primer estribillo tiene tres rellenos. ‘ven aquí, ven aquí’ de Gwen a la derecha, una divertida parte de guitarra invertida a la izquierda y un simple golpe de caja. El levantamiento es proporcionado por el sintetizador de bajo gruñón que duplica el riff de bajo, la guitarra distorsionada haciendo lo mismo al lado, las voces multi-pista y las respuestas vocales. También hay un sintetizador de notas de 16 en la izquierda, colocado donde está el hi-hat electrónico. (Presta atención al patrón de hi-hat a la izquierda en este primer estribillo). La explosión inicial de energía se ve realzada por una nueva parte en el sintetizador animado de la izquierda. (Es más fácil analizar las diferentes partes del estribillo en la versión descompuesta al final durante el outro). También hay un efecto que dice ‘pweeeoooo’ duplicando la caja en el beat 4 del compás 4. ¿Qué tal eso para un detalle? Curiosamente, gran parte de la vibra del estribillo se crea cuando el baterista cambia de hi-hats de octavos a hi-hats de cuartos y rodea la subdivisión con el hi-hat falso y el sintetizador. Buen movimiento. Échale un vistazo. Por último, nota los efectos de sonido descendentes que ofrecen una transición suave entre el estribillo y la estrofa 2. Ingenioso.
La estrofa 2 es una copia carbono de la estrofa 1. Para mantenerlo interesante, introdujeron más detalles y “dulces para el oído”. Como por ejemplo, el relleno de batería en el compás 2, las voces habladas en el compás 8, ruidos extra en el compás 12 y el ‘oh oh oh’ en el compás 16.
El mismo riff de guitarra invertido se usa para introducir el estribillo 2, pero nota el patrón de hi-hat diferente a la izquierda. Y la secuencia de sintetizador constante más fuerte en la misma ubicación. El sintetizador descendente crea el giro en el compás 8. Otro hi-hat entra - en el medio - con un patrón diferente. Más detalles, más “dulces para el oído”, pero el mismo pocket exacto. El detalle agradable es que, si prestas mucha atención, el hi-hat está ligeramente más abierto en este estribillo que en el primero.
El solo de guitarra siempre me ha desconcertado. Por alguna razón siempre se sintió pequeño en comparación con el resto de la canción, pero nunca presté atención a por qué. Creo que la razón número uno es que el baterista cambia a un sonido de hi-hat abierto y ralentiza el movimiento hacia adelante (probablemente por diseño). El sintetizador estéreo también se detiene. El patrón de bajo cambia a uno mucho más simple y arrastra todo hacia abajo. Se vuelve bastante cantante. Esta es una elección interesante de puente para tal canción, especialmente porque la siguiente sección muestra todos los pequeños elementos de producción y - antes de tocar el estribillo nuevamente - no pasa nada nuevo allí. Entre tú y yo, he estado en situaciones similares antes. Se llama: ‘alguien olvidó escribir un puente, vamos a improvisar uno con las partes que tenemos ahora, gracias’ síndrome.
En el último estribillo, nota cómo el hi-hat de la izquierda y el sintetizador son constantes ahora, en plena unísono. También hay más pequeños ruidos aquí y allá, por supuesto. Y el hi-hat está completamente abierto como en el puente. Es una buena idea importar la pista en un DAW y cortarla para alinear los diferentes estribillos con el fin de poder comparar cómo se sienten fácilmente. La magia está ahí.
En términos de espacio, es divertido notar el sonido altamente típico del compresor y puerta de consola SSL en el bombo y la caja (sospecho que también hay muestras). Los tambores individuales están cortados por el procesamiento de la consola, pero Spike añadió un espacio discreto alrededor de ellos. Es tan consistente que creo que es un espacio electrónico, a diferencia de micrófonos de ambiente. (Los platos de hiperes estéreo programados también son una pista de ese truco, usualmente). Escúchalos con atención en el estribillo del outro, ya que no hay voces que te distraigan.
También es valioso pasar tiempo escuchando cómo ellos jugaron 'húmedo versus seco' a medida que avanza la canción. Muy, muy de buen gusto. Las voces tienen un salón muy discreto y tal vez un ligero retardo, pero el sintetizador melódico tiene colas obvias. Un poco de sintetizador está bañado en reverb en el medio, pero las baterías son básicamente secas con ambiente de habitación para el espacio, en la misma área. Crea una impresionante profundidad de adelante hacia atrás. El contraste es clave.
La calidad espectral de la pista es perfecta y no está demasiado comprimida por el mastering. Nota cómo la mayor parte de la ‘grasa en los bajos’ proviene realmente del bajo y el golpe del bombo, lo cual es diferente del estereotipo típico de ‘mezcla pop’.
Creo que esta es una de las pistas pop con mejor sonido de la historia. Debería estar en tu carpeta de referencias junto a ‘Angel’ (también mezclada por Spike Stent). Probablemente podrías escucharla 30 veces y escuchar detalles diferentes cada vez. Esa es la clave. Detalle multifacético. Espero que esta canción tomó muchas, muchas (y muchas) horas de trabajo para ensamblarla... y muchas más para mezclarla. Estas cosas no simplemente suceden. Es un buen ejemplo de lo bien que una mezcla de elementos electrónicos y orgánicos puede ser precisa y fascinante de escuchar. Hay otras canciones increíbles en el disco Rock Steady. La música de Nelly Hooper y la música de Sly and Robbie suenan maravillosas. Muy recomendadas.
Fab Dupont
