Una de las peticiones más comunes que un ingeniero escuchará en una sesión es: “¿Puedes subirme en los auriculares?” La mayoría de los músicos y cantantes están acostumbrados a oírse muy por encima del resto de las pistas en su mezcla de monitoreo. En estudios comerciales equipados con estaciones de mezcla personales, que permiten a los músicos controlar su propia mezcla de monitores, puedes apostar que la mayoría de la gente se sube significativamente más que el resto de la banda.
En este fragmento de Start To Finish: Matt Ross-Spang - Episodio 7 - Grabando Guitarra Acústica, Matt ofrece una perspectiva diferente sobre el tema de las mezclas de monitoreo. Mientras se prepara para grabar las sobregrabaciones de guitarra acústica de Eli “Paperboy” Reed, habla sobre su filosofía de mezcla de monitoreo.
Matt, quien es un productor muy práctico, ajusta la posición del micrófono para la guitarra acústica de cuerdas de nylon de Eli “Paperboy” Reed.
El Contexto es Todo
No tienen estaciones de monitoreo personal en Sam Phillips Recording Service, donde se está llevando a cabo la sesión, solo cajas de distribución de auriculares. Esa simplicidad le parece bien a Matt porque no cree que sea productivo que los músicos y cantantes controlen sus propias mezclas de auriculares. Piensa que inevitablemente se subirán demasiado y, por lo tanto, no podrán concentrarse completamente en el ritmo.
Al darles mezclas de monitoreo donde todos están en los niveles aproximados que tendrán en la mezcla final, Matt crea una situación que describe como “casi como tocar sin auriculares.” Esto obliga a todos a enfocarse en el ritmo colectivo, haciéndolos mucho más propensos a entrar en él y dar una gran actuación.
Él dice que si alguien realmente necesita oírse más, tiene disponible una segunda mezcla de monitoreo en este estudio que puede enviar a esa persona. Señala que nadie se quejó sobre los niveles de su mezcla de monitoreo durante la fase de grabación de esta sesión.
La sesión se lleva a cabo en Sam Phillips Recording Service en Memphis, TN.
En la sala de control, a Matt le gusta escuchar la misma mezcla—o al menos una muy similar—que los músicos. Al oír los diversos elementos mezclados a niveles de “mezcla final”, puede evaluar si la configuración de grabación que está utilizando (micrófonos, colocación de micrófonos, cadenas de entrada, etc.) está funcionando o si necesita hacer ajustes.
El estilo de producción de Matt se centra en el ritmo, la vibra y en obtener sonidos auténticos, por lo que su filosofía acerca de las mezclas de monitoreo tiene sentido en ese contexto.
En lugar de darles a cada músico mucho más de sí mismos en sus auriculares, Matt proporciona una mezcla de niveles similares a la mezcla final.
Conectados
El concepto de ritmo es interesante. Cuando músicos hábiles graban juntos, se escuchan entre sí y ajustan su interpretación—casi subconscientemente—para estar lo más conectados posible. Cuando todo encaja, los resultados pueden ser sublimes.
Uno de los talentos de Matt como productor es crear un ambiente—mediante su elección de estudios y equipo y su actitud relajada—que saque lo mejor de los músicos y cantantes con los que trabaja.
A Matt le gusta escuchar la misma mezcla de monitoreo en la sala de control que los artistas están oyendo.
Creando Sensación
Incluso en un estudio comercial con un grupo de músicos experimentados, no es una garantía que capturarás grandes actuaciones. Pero si estás produciendo música orgánica como el R&B de estilo antiguo, blues, Americana, indie-folk, rock’n’roll, o algo similar desde tu estudio en casa, puede ser realmente desafiante.
Es especialmente difícil lograr una sensación auténtica si tienes que usar MIDI en lugar de algunos de los instrumentos. Aun así, hay algunos pasos que puedes seguir para hacer que tu música suene natural y tenga ritmo tanto como sea posible dadas las circunstancias.
Mantén tus arreglos centrados en los instrumentos reales que sí tienes. Si tienes que usar loops de batería (MIDI o audio) en lugar de un baterista real, puedes grabar algo de percusión manual encima, o platillos de choque en vivo (si tienes acceso a algunos) para ayudar a darle más soltura a la sensación de la pista.
Y, por supuesto, sigue el consejo de Matt y no te subas (ni a ningún otro músico que estés grabando) demasiado en la mezcla de monitores al hacer overdubs sobre pistas existentes.
Primero Esto, Luego Aquello
Si estás superponiendo las pistas a medida que avanzas, la batería debe grabarse primero (salvo quizás por un track de referencia de acordes y voz guía). La parte de batería proporciona una base rítmica, y cuando estás grabando guitarras, bajos y otros instrumentos, ofrecerá algo con lo que tener ritmo. Si grabas algunas de esas otras pistas antes de que la batería esté lista, no estarán tan rítmicamente integradas.
Incluso si estás usando baterías MIDI, sigue siendo mejor tenerlas listas antes de grabar cualquier otra pista que quede. Para estilos de música orgánica, puede ser muy efectivo usar loops MIDI que fueron grabados por verdaderos bateristas tocando kits MIDI. Generalmente no están cuantizados, por lo que tienen una sensación mucho más realista. Muchos instrumentos virtuales de batería ofrecen esos grooves.
Pensa Como un Baterista
Una gran ventaja de las baterías MIDI en comparación con los loops de batería de audio es que son mucho más fáciles de editar. Si tienes acceso a buenos loops MIDI y a un baterista virtual que suena auténtico, tendrás mucha más flexibilidad para construir tus partes de batería de duración de canción.
Es mejor tener la parte de batería lista, ya sea en vivo o con un instrumento de batería como Toontrack Superior Drummer 3, para que los músicos que hagan overdubs tengan un ritmo al que integrarse.
Dicho esto, juntar una parte de duración de canción y hacer que suene auténtica es un desafío, incluso con una buena colección de loops—ya sean MIDI o de audio. No puedes repetir el mismo loop indefinidamente. La parte necesitará cambiar, al menos sutilmente, para las diferentes secciones de la canción. Afortunadamente, muchas colecciones de loops ofrecen varias variaciones de cada groove básico.
También puedes introducir cambios dinámicos en lugares apropiados con automatización de volumen. Aunque los loops de audio pueden sonar más auténticos que los MIDI, son mucho más difíciles de editar si necesitas hacer cambios dentro de un loop. Así que, hay ventajas en ambos.
Rellénalo
Al trabajar con loops, ten cuidado con cómo usas los fills. Los fills proporcionados con las colecciones de loops son a menudo demasiado elaborados. En la mayoría de los casos, lo simple es mejor, y trata de no repetir los mismos fills en múltiples lugares de la canción.
Si usas Apple Logic Pro X, tienes acceso a la función Drummer, que ofrece baterías virtuales que suenan auténticas que son fáciles de programar y ofrecen muchos kits diferentes. Además, si usas uno de los Kits de Productor incluidos, puedes abrir cada batería en una pista separada y mezclarlas como lo harías con un kit real.
La función Drummer de Apple Logic Pro X presenta Kits de Productor que pueden abrirse en la mezcladora con todas las baterías en canales separados.
¿Puedes Decirlo?
El siguiente ejemplo de audio presenta tres breves extractos de batería, uno tras otro. Uno proviene de un loop de audio de un famoso baterista, uno es de la función Drummer de Apple Logic Pro X, y uno es de Toontrack Superior Drummer 3, un excelente instrumento de batería virtual que viene con muchos grooves. Todos han sido procesados un poco. Antes de mirar la respuesta a continuación, escucha y ve si puedes decir cuál de los tres es el verdadero baterista.
La respuesta es el número dos. Los loops provienen de la colección Simon Phillips de The Loop Loft.
Todos los sonidos de batería en el ejemplo sonarían bastante convincentes—suponiendo que estuvieran ensamblados en partes auténticas de duración de canción—particularmente con otros instrumentos alrededor de ellos en una mezcla.
