Hablemos sobre la eficiencia en la producción.
Si has estado prestando atención a lo que está ocurriendo en la música popular moderna, es posible que hayas notado que hay un antes y un después de la canción llamada Only Girl In the World de Rihanna. ¿No? Pregúntate, ¿cuándo fue la primera vez que escuchaste una canción pop que soltara su golpe de batería completo en el coro? Piensa. Sí. Esa es. ¿Cuánto la escuchas ahora? Cada otra canción. Hablemos de ello.
La forma en la que se escriben las canciones pop en estos días tiende a ser opuesta a lo que la mayoría de la gente piensa. Comienza con la música, a menudo llamada 'beat', y luego se le añaden la melodía y la letra, a menudo por alguien que no es la persona que ideó el 'beat'. Frecuentemente, la canción está terminada, incluso mezclada, antes de tener un título real o una voz. Luego, la voz se añade más tarde, dependiendo de quién adopte la canción para su disco. Este proceso puede crear problemas, como melodías y música desconectadas, transiciones extrañas debido a la madurez establecida de la música, mezclas raras con vocales que no encajan bien, etc., etc… Y a veces simplemente funciona genial. Only Girl In The World es una lección de pureza, eficiencia y minimalismo. Producida por Stargate, Sandy Vee y mezclada por Phil Tan, la canción logra ser el equilibrio perfecto entre simple y poderosa.
Escucha aquí:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/loud/id458437339
Spotify: https://play.spotify.com/track/3YJlTDtUXu1sGh8lunblkG?play=true&utm_source=open.spotify.com&utm_medium=open
Estructuralmente es un verso-coro simple con un puente, como hemos escuchado un millón de veces, pero la estructura se utiliza como una herramienta de producción de maneras que eran novedosas en su momento. La introducción y los versos son exactamente lo mismo, excepto que en el verso se añade una línea de bajo que no está en la introducción y eso es todo. La melodía después de la barra 5 del verso sugiere un cambio modal, pero es muy sutil y, dado que nada se mueve bajo ella, simplemente fluye sin generar preguntas. Es una buena manera de permitir variedad sin romper la sensación hipnótica del arpegio (Intenta averiguar qué modo sugiere la melodía de Rihanna independientemente del acorde raíz).
Nota cuán escasa es la producción del verso: bombo, aplauso estéreo, shaker, arpegio de sintético característico y ese pequeño sonido zap en el medio que crea un pickup al beat cuadrado de lo contrario. Sin hihat, sin subdivisión a excepción del shaker. Y aun así tiene groove. El arpegio y sus delays son la columna vertebral del pocket en el verso. Simple y poderoso.
Y luego sucede: el beat se detiene en el coro, por un total de 8 compases. ¡Espera! ¡No! ¡16 compases! No sé cuánto poder tuvo que ejercer para llevar la idea a los equipos de marketing y radio en la etiqueta de Rihanna, pero alguien tuvo el poder de hacerlo. Dejar caer el beat en el golpe de la primera coro lo hace sonar enorme. Extender la caída durante 16 compases en lugar de los 8 que todos esperan hace que suene de otro mundo. Es una técnica clásica de música de baile de caída retrasada, pero no se había hecho así para una canción de radio pop antes. No hay bajo, no hay bombo, no hay bajo durante 8 compases. Luego entra el beat de estilo drum-and-bass, pero aún sin bajo, y luego llega la gran recompensa. Y mantiene la canción en la cima de las listas durante semanas (porque la gente quiere volver a sentir eso una y otra vez. Si no lo has probado, es muy educativo estar en un club y observar cómo las personas reaccionan a estas cosas. Inténtalo antes de producir tu próxima pista. Ese tipo de experiencia de primera mano sobre el impacto de los trucos de producción es la razón por la que los buenos DJs han llegado a la cima de la escena de producción para la música pop).
Nota la diferencia en la textura entre el coro 'roto' y el lleno. En el coro roto, todo se siente horizontal, todo tiene un final, las cosas están en espera. Cuando el beat vuelve a entrar después de 16 compases, se descarta cualquier cosa remotamente parecida a un pad, el bajo cambia de tono y se vuelve el doble de grueso que en el verso. También se le aplica un side-chain por el bombo, nuevamente algo de música de baile, para crear movimiento hacia adelante. Hay pocos instrumentos: batería, bajo, sintetizador de onda cuadrada, voces. El mayor impulso aquí es la combinación de traer el beat de vuelta y eliminar cualquier cosa 'horizontal' en la producción, al mismo tiempo. Cualquiera de las técnicas no habría logrado el mismo efecto por sí sola. La tendencia habitual de los productores, cuando quieren hacer algo más potente, es añadir algo grande. Pocos piensan en quitar algo. Este equipo lo hizo. Y lo hizo bien.
Si uno quiere ser analítico (tú lo quieres, ¿verdad?), el coro actúa tanto como pre-coro como coro. Es la misma estructura de acordes, con la misma melodía arreglada completamente diferente, y reproducida una tras otra. Piensa en ello un segundo. Gran uso de la torsión de la estructura como una herramienta de producción. Realmente funciona.
El segundo verso es una copia perfecta del primer verso. Aún se siente fresco gracias a su calidad escasa y su marcado contraste con el coro. Hemos tenido tiempo de anhelar ese arpegio de nuevo cuando regresa. Mientras nadie esté aburrido, ¿por qué cambiar de canal?
Y luego sucede de nuevo. El beat se detiene de nuevo en el segundo coro. Estoy seguro de que eso generó algunas reuniones adicionales en lugares altos. La genialidad aquí es que, en lugar de reflejar el primer coro exactamente, el beat vuelve a entrar donde esperabas que estuviera en primer lugar. Pero como has sido engañado la primera vez, entra como una sorpresa y eleva aún más. Muy inteligente. Incluso recortaron la estructura en un coro completo, llevando el puente después de 16 compases (el primer sistema de pre-coro/coro es de 24 compases). Engaño, engaño… Nuevamente se utiliza la estructura como una herramienta de producción aquí y ayuda a moldear el viaje del oyente a través de partes esencialmente copiadas y pegadas sin envejecer nunca.
El puente es aún más minimalista, con un agradable guiño a Sweet Dreams de Eurythmics. Bombo y sintetizador de bajo con side-chain, con un discretamente mejorado de la melodía con un patch parecido a cuerdas. (Sospecho que la melodía se derivó de la parte que ya estaba en el beat cuando el compositor de la melodía/letra la escuchó por primera vez) Nota cómo el beat de drum-and-bass que ayudó a mitigar el hambre por el bombo completo en la barra 9 del primer coro se vuelve a incluir a medio camino, tal cual, para sostener el puente hasta la fermata que lleva a las últimas ad-libs. También nota que después del puente el coro entra de inmediato (No hay purgatorio roto, el puente ya nos lo dio).
La única parte que solo sucede una vez en la canción es esa genial nota alta de sintetizador que aparece después de la primera ronda de los últimos dos coros. Ayuda a enlazar el último coro con la parte de ad-lib (sobre la producción del coro, para mantenerlo simple) al ser el hilo común. También nota la duración de la canción en 3.56. Es unos 30 segundos más larga que canciones similares (especialmente en ese momento). Podrían haber terminado la canción en 3.30 muy fácilmente, pero el equipo decidió agregar una etiqueta de ad-lib, probablemente porque la pista se sentía genial y estaban seguros de que se reproduciría tal cual. También nos ofrecen un fresco final frío con el mismo agradable giro armónico que hay al final de cada coro. ¿Qué más se puede pedir?
Otra cosa divertida a notar en esta canción es la ausencia de breaks de batería. Las transiciones se finalizan de forma contundente, como entre el coro y el verso o con un gran 'woosh' estéreo (reutilizado cada vez). Es genial, discreto y cumple su función sin interferir con la voz. De hecho, hay bastantes partes como efectos de sonido que ayudan a hacer que la canción sea especial. El sonido zap da forma a todo el groove (tómate un segundo para notar la diferencia entre las partes del verso y del coro. Está en el medio, jugando acentos antes de los aplausos). También hay una gran explosión en el golpe inicial del puente (reutilizada más tarde si estás prestando atención). También es bueno tomar un segundo para escuchar cómo se lanzan diferentes reverberaciones y delays sobre las vocales para llenar el escaso espacio musical (el puente es más fácil para eso). Aunque el arreglo está diseñado para ser simple, probablemente descubrirás nuevas joyas con cada escucha. No se envejece.
Cada forma de arte tiene su sabor de minimalismo. Esta canción es un gran ejemplo de eso para la música pop. Es minimalista en su economía de estructura, en su reutilización de elementos de producción y en su escasez de recuento de pistas. Todo lo cual es muy difícil de lograr, y mucho menos pasar a través del filtro de la industria musical a este nivel. Escucho a muchos músicos ridiculizando la música que oyen en la radio y, para ser justos, hay una vasta cantidad de pistas cuestionables sonando todos los días. Sin embargo, cuando una canción como Only Girl In The World aparece, es importante reconocer el valor en la excepcional habilidad y visión que se necesita para hacer que suceda.
Escucha largo y a menudo. Hay lecciones para cada estilo de producción en esta pista.
Fab Dupont.
