Este MixCheck es un momento nostálgico. A principios de los 80, el fantástico Quincy Jones lanzó un álbum en solitario llamado The Dude. En ese momento, tenía casi 50 años, había logrado prácticamente todo lo que un músico y productor podría soñar lograr y no tenía idea de que se volvería aún más legendario tras producir el álbum Thriller de Michael Jackson al año siguiente.
Es muy interesante analizar el resultado del arduo trabajo del equipo A de la época (Quincy, Bruce Swedien, Michael Jackson, James Ingram, Stevie Wonder, Rod Temperton, Patti Austin, Louis Johnson, John Robinson, Greg Phillinganes, Paulinho Da Costa, Michael Boddicker, etc., etc.) y compararlo con la estética actual. También es fascinante presenciar el impacto de esos discos en los discos modernos, los detalles que se tomaron prestados y las ideas que fueron robadas.
The Dude es la segunda pista del álbum. La primera cosa que llama la atención es lo larga que es: 5.38 minutos. Una rareza en estos días. Ten en cuenta que todo este álbum se grabó en cinta y consolas, sin acceso a la edición de groove, o mucho ajuste de ningún tipo. Cada efecto era una pieza de hardware configurada y probablemente compartida entre diferentes pistas y, lo más importante, todo lo que escuchas realmente se tocó de esa manera. Lo que significa que ese baterista, bajista y tecladista podían tocar algo que sonara tan bien sin ayuda electrónica. (Es la razón por la que los mismos nombres aparecen una y otra vez cuando lees los créditos de los músicos de esa época. Si contratabas a ese equipo, tenías un disco que se movía sin necesidad de forzarlo). También significa que el tecladista tocó ese riff de wurlitzer durante toda la canción, sin loops, sin cosas volando alrededor, nada de eso. Escucha la pista completa con eso en mente y reflexiona sobre si hemos progresado o no.
Escucha aquí:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-dude/id353173
Spotify: http://open.spotify.com/track/77y6skfj4H6MyZz5ZO5eIy/a>
Observa la estructura inusual y las interpretaciones libres de las secciones. Hay dos intros, cada verso se compone de 2 sub-versos, hay un solo de trompeta instrumental que aparece varias veces en diversas versiones, los coros son cantados o instrumentales o ambos de alguna manera, el puente es un solo de teclado de Stevie Wonder entrelazado con riffs de coro femenino, y luego hay improvisaciones. Difícilmente es una estructura lista para la radio.
Los versos son introducidos por un coro femenino y luego James Ingram canta su parte. Cada vez, excepto en el tercer verso cuando entra sin el lanzamiento suave (El coro canta un riff similar a un puente justo antes del verso 4, pero es una parte diferente). El verso 3 es una repetición del verso 1b pero salta directamente al coro en lugar de pasar por el solo de trompeta y luego otro rap.
Estructura de la Canción
- Intro. (Guitarra y rellenos)
- Intro 2 (con groove de verso)
- Verso 1a (Coro Femenino)
- Verso 1b (James Ingram)
- Solo de trompeta
- Verso rap de Quincy
- Coro con voces de fondo.
- Re-intro
- Verso 2a (Coro Femenino)
- Verso 2b (James Ingram)
- Solo de trompeta 2
- Verso rap 2
- Coro (con Saxo Alto en lugar de voces principales)
- Riff vocal como puente.
- Solo de teclado. Gracias Stevie.
- Solo de trompeta 3 (el doble de largo que antes)
- Puente como vocal
- riff otra vez
- Verso 3 (James Ingram)
- Coro con voces de fondo y respuestas del coro con improvisaciones impactantes de James Ingram
- Coro instrumental con ad-lib y respuestas de fondo
- Desvanecimiento
Si solo escuchas sin prestar mucha atención, no parece tan elaborado, pero siempre está evolucionando. Así que se mantiene interesante, aunque es principalmente un bolsillo de un acorde, excepto por el coro. ¿Quién lo habría imaginado?
Otros detalles musicalmente interesantes que me han hecho volver a esta pista una y otra vez, además de la increíble interpretación y canto, son las partes instrumentales sueltas. Son partes, pero los músicos las interpretan y riffan y embellecen aleatoriamente, algo que hemos perdido casi por completo en la era del copiar y pegar. También es muy revelador enfocarse en el bolsillo de la batería. Todo el equilibrio proviene de una cencerra. Paulinho Da Costa toca lo que parece ser una cencerra de tamaño medio montada en un soporte en casi cada negra de la canción (Ve a verificarlo, esperaré). Cuando se detiene, todo el movimiento de la pista se detiene. ¿No es increíble? (De vez en cuando puedes oírlo tocar una octava solo para mostrar que está vivo y bien. También puedes oír la cencerra y la caja flam un par de veces). También me encanta el gran sonido de piano estéreo en las notas graves que solo aparece dos veces para acentuar el riff de slap bass en la introducción y el puente. Me pregunto qué más estaba acompañado con el piano en esa pista. Además, recuerda que en ese momento, los aplausos eran realmente producidos por personas aplaudiendo. Parece fácil por escrito, pero lograr que un grupo de músicos tenga el groove correcto y esté en silencio entre aplausos, y obtener el sonido justo, no es fácil. (Intenta hacerlo en tu próxima canción en lugar de usar una muestra y mándame una postal) lo lograron, tanto en groove como en sonido. Observa cómo están presentes desde el comienzo de la pista de una manera más ligera (Menos personas aplaudiendo) pero luego aumentan para el coro.
Aprovechando la oportunidad, es una buena idea estudiar el coro para dominar el contrapunto entre la voz principal, las voces de fondo, las trompetas, el riff de teclado y el slap bass. Es una pieza de escritura y arreglo muy ajustada con una ejecución impecable.
Otros detalles notables son el uso de un vocoder para las respuestas en los versos (30 años antes de Daft Punk) y el hecho de que Quincy RAPEA en la pista. Esto fue alrededor de 1980, el rap apenas había salido de Nueva York, definitivamente no era un estilo mainstream. Fue audaz por parte de Quincy hacer esto en un disco comercial. Muestra lo conectado y a menudo por delante que Quincy Jones estuvo de las tendencias musicales a lo largo de su carrera.
Sonoramente, lo primero que debe llamarte la atención es que no suena muy grueso. ¿Cierto? (Ve a comparar con Angel de Massive Attack o una pista más moderna como Tom Ford de Jay-Z y hablemos).
¿Por qué es eso? Porque estos son instrumentos reales y no se utilizan efectos especiales para simular graves (No existían, o estaban en su infancia). Un bombo real nunca se grabará tan grueso como un 808 Kick, a menos que uses tecnología para hacerlo así. (Ve a escuchar a tu baterista en la sala de ensayos y reporta. Pock. Pock. Pock).
En ese momento era común que el bajo fuera más grueso que el bombo, al igual que en esta pista, porque eso era lo que obtenías de los instrumentos reales. Observa qué tan fuerte está el bajo, por cierto. Es redondo y uniforme y es el centro de toda la pista. Probablemente esta fue una de las pistas con el sonido más grueso de la época, que era lo que se esperaba de ese equipo en ese punto. Una combinación seria de interpretación controlada, compresión y riding permitió que el bajo sonara tan fuerte. Observa la relación entre el bajo y el bombo, es muy diferente de lo que pasaría si esto se mezclara hoy. La relación probablemente estaría invertida.
También nota qué tan fuertes son los aplausos de las secciones del coro y qué tan delgados son los toms cuando se tocan. Todos tonos muy marcados por la época, pero para entender completamente las elecciones estéticas de la mezcla, es importante escuchar la mezcla en altavoces pequeños como Auratones o algo así. Puedes oír que todo tiene sentido en esos altavoces. Incluso los graves. Si Bruce Swedien estuviera mezclando hoy, sería muy diferente. (Probablemente aún bueno en Auratones).
Mientras estamos en niveles, presta atención a los niveles vocales. Es particularmente llamativo en las voces del coro. Observa lo modestas que son en comparación con los estándares modernos. Casi como una de las partes instrumentales. Lo mismo ocurre con el coro femenino de voces que responden a las voces principales. La mayoría de las voces están bastante atrás. El rap es un poco más fuerte. También tiene reverb. Eso es divertido y rara vez se escucha en estos días. De hecho, la mayoría de las voces comparten esa larga reverb de placa, junto con los aplausos, el cuerno alto y la guitarra principal. Tal vez un EMT140. Échale un vistazo. (Además, si tienes la capacidad, escucha la mezcla en mono y observa cómo la reverb desaparece bastante).
Las guitarras se mantienen bastante delgadas y se desplazan a los lados para evitar chocar con el riff de wurlitzer. Incluso las partes estéreo, como la introducción o el quasi solo del puente, son en realidad tomas mono con un ligero retraso panado al contrario. Permite un sonido amplio, ahorra una pista en la máquina de cinta (Hey, la necesitaban para esa parte del piano) y hace espacio en el medio. Los otros residentes de los lados son las trompetas, muy al estilo de Earth Wind And Fire que entran para realzar el coro de manera agradable. Son bastante fuertes, más fuertes y más presentes que las voces, por ejemplo. Interesante, ¿no? Observa cómo no están tocando en los dos coros al final y solo regresan, con una nueva parte, para el desvanecimiento. Interesante.
Otra característica interesante de esta pista es el trabajo de ensamblaje que parece haber tenido lugar. Antes de la edición digital, copiar y pegar significaba llevar unas tijeras a una pieza de cinta y pegarla de nuevo donde querías. Tiene que experimentarse para ser apreciado (Predigo que habrá mucho menos maldición en tu DAW después de que intentes hacer una edición en una cinta de 2 pulgadas).
Escucha la primera introducción (la que está antes de que entre el groove del verso). Nota cómo suenan diferentes (más oscuras) las baterías y cómo las voces son bastante diferentes también. Mi suposición es que esta era otra parte de la canción (Probablemente parte del puente si escuchas el sonido de la guitarra, o tal vez otra canción) y que fue mezclada a dos pistas como parte de una mezcla rough o final. En otro punto, alguien cortó esa parte (Quizás para añadir a Stevie en solo de teclados) y ese pedazo de cinta fue salvado y en algún punto añadido como la primera introducción. Escucha el punto de corte cuando comienza el groove. Boom.
Otra edición divertida está al final del primer solo de trompeta. Observa cómo el final de la reverb simplemente se corta. Esa es una edición seria justo allí. ¿Estaría bien hoy?
Otro detalle divertido y nerd se puede escuchar hacia el final de la pista cuando se repite el coro y James Ingram entra con improvisaciones. Observa la palabra 'out' en 'Ain't nobody out there'. ¿Qué es eso? Yo voto por que sea un punch in que fue un poco tarde (las máquinas de cinta no tenían capacidades de punch instantáneo, a veces eran un poco perezosas y puncharse era un arte). Por un segundo, escuchas tanto la toma original como el punch luchando por la atención. Así que ahí lo tienes, giro de pitch 30 años antes de T-Pain. Evidentemente, decidieron mantenerlo porque no sentían que importara. También hay una lección ahí.
En general, esta pista es un tesoro de habilidades. Necesita unas cuantas decenas de escuchas para comprender completamente la fuente del groove, la elección muy inusual de balances, la estructura loca y los arreglos vocales, y para intentar conectarla con las muchas canciones que se inspiraron en ella y que vinieron en su estela.
Otros bolsillos increíbles en el álbum son 'Betcha Wouldn't Hurt Me' y 'Ai No Corrida'. Bien valen $1.29 cada uno.
Fab
