Dans un esprit d'apprentissage, nous avons pensé qu'il serait amusant d'étudier comment l'écriture, la production et le mixage de la musique ont évolué au fil des ans. C'est difficile à faire en raison de la complexité de comparer des pommes et des oranges. Peu de chansons aujourd'hui sont de véritables descendants de chansons d'il y a 30 ans. Heureusement, de temps en temps, des occasions se présentent qui permettent une comparaison valable, comme par exemple les Blurred Lines de Robin Thicke et le Got To Give It Up de Marvin Gaye. Ne passons pas à côté d'une si belle occasion d'étudier la théorie de l'évolution.
Alors. Les anciens d'abord. Got To Give It Up. 1977. Marvin Gaye cède à sa maison de disques et accepte d'enregistrer quelque chose qui ressemble plus ou moins à ce qui se vend à ce moment-là : la disco.
Bien sûr, comme c'est Marvin Gaye, il fait ce qu'il veut et ça ne ressemble en rien à de la disco. Fait intéressant, le morceau commence par l'introduction signature de bruits de foule de Marvin Gaye. Puis le groove s'installe et Marvin entre avec une voix principale en falsetto. Remarquez comment elle est doublée et pas toujours parfaitement à l'unisson. Et comment cela est parfaitement acceptable.
Écoutez ici :
iTunes : https://itunes.apple.com/us/album/live-at-the-london-palladium/id904010634
Spotify : https://play.spotify.com/track/2VtnDXZeLMPWyVqD7FKtAQ
Mais aussi, écoutez ici :
iTunes : https://itunes.apple.com/us/album/blurred-lines/id667067143
Spotify : https://play.spotify.com/album/2qVN3yVtkrPT9YL7djTNwt
Il est également très intéressant de réaliser ce qui était digne de la radio à l'époque. Il n'y a pas de véritable refrain, pas de hauts et de bas, juste un excellent groove, essentiellement un jam, avec des lignes vocales amusantes par-dessus et un tas de gens faisant la fête sans arrêt en arrière-plan. Le bloc de construction de base est composé de 2 sections de 8 mesures collées ensemble. Les 8 premières mesures restent sur un accord et les 8 secondes fournissent une sensation de retournement. Il est intéressant d'écouter attentivement ce que joue le groupe. Rappelons qu'à l'époque, cela se faisait avant les jours du copier-coller et de l'édition facile. Remarquez comment à 1.40, le format A B A B est brisé lorsque quelqu'un oublie un peu d'aller à la section B, mais les voix restent sur la bonne voie. Les choses deviennent floues pendant un moment, puis nous arrivons au 'pont', qui est le même groove avec des vibrations légèrement différentes par-dessus. Dans la version 'partie 1', vérifiez la section autour de 2.30 min, tout le monde se regarde clairement en attendant le signe de passer à autre chose. Amusant. La section semblable à un refrain avec les paroles du titre n'apparaît qu'à 3.20 min environ et c'est vraiment l'outro. Notez comment la chanson se termine par un fondu car il s'agit en fait juste d'un extrait d'une version live de plus de 11 minutes qui a été extrait pour les besoins de la diffusion radio. (Vous pouvez entendre le début du solo de ténor à la toute fin du fondu. (La version complète est disponible en ligne si vous êtes curieux).
Ce qui est frappant, c'est que bien que les instruments à rythme jouent à peu près la même chose tout au long, il y a cette sensation que rien ne se répète vraiment et que c'est composé en continu. On doit presque se concentrer pour pouvoir délimiter la section et comprendre ce qui se passe. Assez fou, n'est-ce pas ?
En revanche, le morceau de Thicke est assez bien délimité. Il commence par l'introduction hachée signature de Pharrell. Ensuite, il passe à une structure standard de Vers Refrain Vers Refrain Pont Refrain. La structure harmonique est basée sur deux sections de 4 mesures collées ensemble. Elle ne change jamais. Le passage du vers au refrain est réalisé par le contenu vocal, pas par le contenu musical. C'est assez différent de l'esprit du morceau de Marvin où les voix et la musique avancent ensemble et se désynchronisent parfois. Ici, il y a un groove de base de 8 mesures qui ne change jamais et les voix s'écoulent par-dessus. L'intérêt de l'auditeur est maintenu par des drops, des arrêts, de petites interventions vocales ici et là et plusieurs interprètes partageant le lead.
L'instrumentation et l'arrangement du morceau de Thicke sont assez similaires à ceux du morceau de Gaye. Les parties qui ont vraiment été inspirées par la production de Gaye sont la présence proéminente d'une cloche de vache, la partie accentuée à la rhodes et le vibe de basse synthétique. Le reste est de la musique groove standard. Bien assemblé. C'est intéressant de passer de l'un à l'autre pour identifier et apprendre la différence d'esprit entre les deux. Dans le morceau de Gaye, il y a un tas de musiciens improvisant tout au long du morceau. Dans le morceau de Thicke, il y a des parties programmées très bien délimitées et probablement en boucle qui se répètent sans fin. Jetez un œil. Signe des temps.
En ce qui concerne le mixage, remarquez combien le morceau de Thicke sonne plus gras. Principalement à cause de la grosse caisse. Remarquez aussi combien tout semble plus proche. Il y a une distance entre nous et le morceau de Gaye. Le morceau de Thicke est assis sur nos genoux. Prenez une seconde pour égaliser les niveaux entre les deux et comparez. La meilleure façon est d'importer les deux morceaux dans un DAW et de faire un fonctionnement en solo entre les deux. Passez du temps à comparer les deux grosses caisses et les deux basses synthétiques pour commencer. Les enregistrements modernes sont beaucoup plus riches. N'est-ce pas ? Le morceau de Thicke a un mix élégant par rapport à la plupart des chansons diffusées à la radio de nos jours. Il est en fait plus percutant et plus dynamique que le morceau de Gaye qui ressemble plus à un flot de son s'écoulant des haut-parleurs. L'air et la compression naturelle qui résultent d'avoir des microphones beaucoup plus loin des sources que ce qui est la norme de nos jours lui donnent un ton plus doux. Plus impressionniste et moins réaliste. Cela correspond très bien à la chanson.
Il est également intéressant de remarquer l'utilisation différente de la réverbération. Vous pouvez seulement entendre la réverbération sur les voix du morceau de Thicke tandis que dans le morceau de Marvin, tout a une queue sauf la batterie. Dans le morceau de Thicke, la réverbération est plutôt un outil de mixage pour rassembler les choses. Dans le morceau de Marvin, elle fait partie de la texture de chaque son. Si elle était sèche, l'esprit serait complètement différent. Ils avaient probablement seulement une ou deux réverbérations à plaque EMT à Marvin's Room, où le morceau a été enregistré, donc tout partageait le même espace virtuel, tandis que celui qui a mixé le morceau de Thicke a accès à d'innombrables plugins et a pu concevoir un espace sur mesure pour chaque instrument.
Il est très intéressant de prêter attention à ces détails, surtout dans une situation où une chanson est si clairement inspirée par une autre. Est-ce que ça SONNE de la même façon ? ou est-ce que ça RESSENT la même chose ? Ou à un niveau plus profond : Est-ce que ça donne l'impression que ça sonne de la même manière ?
Dans ce cas, si vous entendez Blurred Lines après ne pas avoir entendu le morceau de Marvin depuis longtemps, vous pensez immédiatement qu'ils sont identiques. Ensuite, si vous les mettez côte à côte et commencez à écouter, vous êtes frappé par à quel point ils sont différents. N'est-ce pas incroyable ?
C'est un excellent exercice d'essayer de se souvenir à quoi ressemble une chanson et puis d'aller l'écouter immédiatement sur un système de référence pour comparer l'impression et la réalité.
J'ai eu de nombreuses discussions intéressantes avec des artistes qui insistaient pour dire qu'ils voulaient que leur disque sonne exactement comme un disque des Beatles ou de Pink Floyd parce que 'ce sont les disques les mieux enregistrés de tous les temps mec', pour changer d'avis après que nous ayons réellement écouté ces chansons avec un oreille critique. Des moments fascinants.
Alors, que pouvons-nous apprendre de cet exercice ?
Je sens que nous pouvons apprendre que la réalité et la perception sont deux choses très différentes. Les deux sont des outils très valides dans le processus de création musicale, mais seul un écoute critique et ciblée offre une image fidèle de la réalité. La réalité est un atout utile à avoir lorsque les choses deviennent critiques, tandis que votre perception est une fonction de votre esprit émotionnel qui vous ment tout le temps, tout comme votre ex-petite amie / petit ami. (Ce qui ne veut pas dire qu'ils n'étaient pas agréables à côtoyer). Les mêmes principes s'appliquent à l'égalisation, aux compresseurs, aux instruments et au vin rouge. Réfléchissons à cela jusqu'à la prochaine fois.
Cheers,
Fab Dupont
