Parfois, une piste arrive qui est si originale qu'il est impossible de ne pas l'écouter en boucle. On pourrait penser que, puisque tout a déjà été fait plusieurs fois, nous ne pourrions jamais entendre quelque chose de réellement nouveau en esprit et en son, mais nous pouvons, et c'est pourquoi il est si amusant de faire ce que nous faisons. J'ai entendu Limit To your Love de James Blake lors d'une réunion secrète de présentation de nouveaux haut-parleurs organisée par les charmantes personnes de Focal. Je n'en croyais pas mes oreilles. Pour m'assurer que ce n'était pas simplement les nouveaux haut-parleurs qui m'avaient émerveillé, j'ai acheté le disque dès que je suis rentré chez moi et cela a confirmé ma première impression. James Blake est un véritable génie (veuillez pardonner le terme technique).
Écoutez ici :
iTunes: https://itunes.apple.com/it/album/james-blake/id413997214
Spotify: https://play.spotify.com/artist/53KwLdlmrlCelAZMaLVZqU
Il y a tellement de bonnes idées dans cette piste. De la structure au traitement sonore, en passant par le mixage, c'est un véritable trésor de trucs cool. La piste commence par, et est construite autour d'un piano droit, ce qui est rare depuis les Beatles. Il n'y a pas d'introduction autre que les accords du riff, la voix principale arrive tout de suite. C'est un son très classique. Juste un piano et une voix, chaleureuse avec une jolie réverbération, rien de vraiment spécial à part l'ambiance.
Ce qui vous garde à l'écoute et vous fait vous demander où cela va mener, c'est la nature expertement sparse des couplets. Seulement quatre phrases dans toute la section, avec beaucoup d'espace entre elles. Cela devrait être ennuyeux, mais ce n'est pas le cas. Il chante incroyablement bien et le rythme peu chargé crée une tension. Puis, cela se transforme soudainement en une piste moderne. Le son classique devient moderne avec le premier effet sur 'your love your love your love'. Ces délais hachés qui semblent ne pas répéter ce qui a été joué en dernier sont impressionnants. Ils vous font comprendre que ce n'est pas votre Postman ordinaire. Quelque chose est en train de se passer. C'est un avertissement intelligent sur ce qui s'en vient. Vous savez que vous êtes en route vers quelque chose de spécial. Remarquez comme le temps semble s'arrêter. Est-ce en rythme ? Est-ce rubato ? Difficile à dire. Puis ça frappe.
À ce moment-là, vos haut-parleurs prient pour la miséricorde. Si vous avez un subwoofer ou un radiateur passif, vous allez voir l'excursion la plus importante que vous ayez jamais vu. Que se passe-t-il ? James Blake a fait passer une onde sinusoïdale saturée dans un sorte de trémolo et l'a mixée très fort. Cela crée une dichotomie sauvage entre le haut et le bas de la chanson. Le haut reste paisible avec l'ajout d'un rythme très sparse, mais le ton général reste inchangé. Il reste éthéré, les batteries programmées ont une belle queue brillante. C'est totalement zen alors que le bas devient fou avec la basse. Le ton de cette section, l'idée qu'elle génère est de pure génie. C'est aussi une chose très audacieuse (je reparle technique) à faire. Je suis sûr que l'ingénieur du mastering est tombé de sa chaise et a vérifié ses réglages quand ce passage est arrivé. La légère saturation donne à la basse plus d'accroche et la rend vraiment en avant et écrasante. Juste ce qu'il voulait, j'en suis sûr.
Comment devrions-nous appeler cette section ? Ce ne sont que quatre lignes, très sparse, le titre de la chanson n'y est pas. Est-ce un refrain ? Nous sommes à des années-lumière d'un refrain radio ici. Est-ce une section B ? Le refrain est-il la première chose que nous avons entendue et ceci est quelque chose d'autre ? Voyons ce qui se passe ensuite pour le découvrir.
Après la première section de basse qui fait trembler la terre, nous revenons à quelque chose qui ressemble à la première chose que nous avons entendue. Appelons cela le deuxième couplet. Remarquez comment la transition entre la basse et le piano du couplet est désynchronisée et un peu lâche. Cela donne à la chanson cette sensation de non rasé.
Remarquez aussi que, bien qu'il s'agisse du même riff de piano, de la même mélodie et des mêmes paroles, le couplet semble différent. Pourquoi ? Parce que James Blake a doublé le rythme mélodique sur ce couplet. L'austérité du premier couplet a disparu. Cette section se déroule deux fois plus vite que sa version précédente. Un tour de force astucieux pour accélérer le rythme de la chanson. Je n'avais jamais entendu cette astuce auparavant. Écoutez ça. Jouez le premier couplet. D'accord. Jouez le deuxième couplet. Merveilleux, n'est-ce pas ? Quelle excellente idée. Comment cela s'est-il produit ? A-t-il écrit la chanson sous la forme du premier couplet et s'est-il ennuyé au point d'essayer de doubler le temps pour le deuxième ? Ou l'a-t-il écrite sous la forme du deuxième couplet puis décidé de l'étendre pour le premier ? Avait-il besoin de plus de temps avant son grand moment BOOM peut-être ? Qu'en pensez-vous ?
Puis la deuxième 'section B' arrive. Même principe, même basse folle avec l'ajout d'un motif de shaker en croches et un soutien d'accords minimal au piano. Même paroles, même mélodie, mais le shaker donne une toute nouvelle dimension. Lorsque l'arrangement est léger, les plus petits détails font toute la différence.
Remarquez comment l'harmonie vocale sur ce refrain a des paroles différentes de la voix principale. Détail fantastique. Écoutez encore une fois.
Puis la section B est complètement décomposée. Tous les tambours disparaissent. Il joue avec des délais, il joue avec des sons d'ambiance et des coupures étranges. Il nous laisse entendre la basse sans trémolo. C'est tout très brut et tendu pour créer une belle dépression avant de frapper à nouveau la section B.
Cette fois, une cymbale ride avec un sentiment de croches prend le relais et apporte une sensation d'élévation. Le groove de batterie est la version pleinement développée des différentes versions décomposées que nous avons entendues depuis le début de la chanson. Un bel usage du bouton de sourdine.
Remarquez également l'effet de vocodeur doublant et harmonisant la voix principale et épaississant la section. Vous pourrez l'entendre davantage dans la section suivante. Il n'y a pas de trémolo sur la basse, mais il joue une ligne de basse différente, rappelant les anciennes pistes de dub. La basse continue pour le refrain décomposé qui vient ensuite. Vocals, vocodeur et basse. Quelle magnifique ambiance intemporelle. À la fin, les tambours reviennent et la chanson se termine par un jam instrumental vide basé sur le second. J'adore le bruit électronique sous la cymbale. Si frais. Vous l'entendez ?
Donc, au final, ce n'est pas vraiment un couplet-refrain. Nous pouvons le penser comme une structure de jazz plus classique (A/B/A/B/C/AAA) ou comme un couplet-refrain (avec quelques variations), ce qui est la structure de chanson qui a évolué à partir des structures de jazz classiques pour les chansons modernes. En théorie, rien de tout cela ne devrait fonctionner, une basse si forte et étrange que la moitié des haut-parleurs de la planète ne peuvent pas la jouer, des éléments asymétriques partout, du bruit numérique à la place des cymbales, des tambours entrant et sortant quatre fois dans la chanson, pas de véritable refrain, mêmes paroles d'une section à l'autre. Rien de tout cela ne passerait le filtre d'un processus de production traditionnel avec une équipe complète et des pouvoirs en place. En travaillant seul, James Blake a pu créer ce bijou et nous le donner, sans censure. C'est l'une des raisons pour lesquelles il est amusant de faire de la musique de nos jours.
Je vous recommande vivement d'écouter le reste du disque intitulé 'James Blake'. C'est une démonstration incroyable de ce qui peut être fait musicalement avec des outils modernes sans ôter l'âme de l'art. Tous ces petits coupes soigneusement abandonnés, les bruits ambiants et les collages peuvent être vraiment inspirants pour sortir notre tête de la routine batterie/basse/guitare/synthé.
Fab
