Parlons de l'efficacité de la production.
Si vous avez prêté attention à ce qui se passe dans la musique populaire moderne, vous avez peut-être remarqué qu'il y a une différence avant et après la chanson intitulée Only Girl In The World de Rihanna. Non ? Demandez-vous, quand avez-vous entendu pour la première fois une chanson pop commencer avec son rythme de batterie complet dans le refrain ? Réfléchissez. Oui. C'est ça. Combien de fois l'entendez-vous maintenant ? À chaque chanson. Discutons-en.
La façon dont les chansons pop sont écrites de nos jours tend à être l'opposée de ce que la plupart des gens pensent. Cela commence par la musique, souvent appelée un 'beat', puis la mélodie et les paroles y sont ajoutées, souvent par quelqu'un d'autre que la personne qui a élaboré le 'beat'. Souvent, la chanson est terminée, même mixée, avant d'avoir un vrai titre ou une voix. La voix est ensuite ajoutée plus tard selon qui s'approprie la chanson pour son album. Ce processus peut créer des problèmes, comme une mélodie et une musique déconnectées, des transitions étranges dues à la nature mature de la musique, un mélange étrange avec des voix qui ne s'assoit pas bien, etc., etc... Et parfois, cela fonctionne tout simplement bien. Only Girl In The World est une leçon de pureté, d'efficacité et de minimalisme. Produite par Stargate, Sandy Vee et mixée par Phil Tan, la chanson parvient à être le parfait équilibre entre simplicité et puissance.
Écoutez ici :
iTunes : https://itunes.apple.com/us/album/loud/id458437339
Spotify : https://play.spotify.com/track/3YJlTDtUXu1sGh8lunblkG?play=true&utm_source=open.spotify.com&utm_medium=open
Structurellement, c'est un simple couplet-refrain avec un pont, comme nous en avons entendu des millions de fois, mais la structure est utilisée comme un outil de production de manières qui étaient novatrices à l'époque. L'intro et les couplets sont exactement la même chose, sauf que le couplet ajoute une ligne de basse qui n'est pas dans l'intro et c'est à peu près tout. La mélodie après la barre 5 du couplet suggère un changement modal, mais c'est très subtil et puisque rien ne bouge en dessous, cela coule simplement sans soulever de questions. C'est une bonne façon de permettre de la variété sans rompre la sensation hypnotique de l'arpeggio (Essayez de déterminer quel mode suggère la mélodie de Rihanna indépendamment de l'accord racine).
Remarquez à quel point la production du couplet est sparse : grosse caisse, claquement stéréo, shaker, arpège de synthétiseur signature et ce petit bruit de zap au milieu qui crée un soulèvement au rythme sinon carré. Pas de hi-hat, pas de subdivision sauf pour le shaker. Et pourtant, cela groove. L'arpeggio et ses délais sont la colonne vertébrale du groove sur le couplet. Simple et puissant.
Et puis cela se produit : le rythme disparait dans le refrain, pendant un total de 8 mesures. Attendez ! Non ! 16 mesures ! Je ne sais pas combien de poids cela a exigé pour passer l'idée aux équipes de marketing et de radio du label de Rihanna, mais quelqu'un avait le pouvoir de le faire. Faire tomber le rythme sur le temps fort du premier refrain le rend énorme. Étendre la coupure à 16 mesures au lieu des 8 que tout le monde attend, cela le rend d'un autre monde. C'est une technique classique de drop retardé de la musique dance, mais cela n'avait pas été fait de cette manière pour une chanson de radio pop auparavant. Il n'y a pas de basse, pas de grosse caisse, pas de basse pendant 8 mesures. Puis le rythme de style drum-and-bass entre en jeu, mais toujours pas de basse, et alors la grande récompense frappe. Et cela garde la chanson en tête des charts pendant des semaines (parce que les gens veulent ressentir cela encore et encore. Si vous ne l'avez pas essayé, c'est très éducatif d'être dans un club et de voir les gens réagir à ces choses. Essayez avant de produire votre prochaine piste. Ce type d'expérience directe sur l'impact des astuces de production est la raison pour laquelle de bons DJ ont gravi les échelons de la scène de production pour la musique pop).
Remarquez la différence de texture entre le refrain 'cassé' et le refrain complet. Dans le refrain cassé, tout semble horizontal, tout a une queue, les éléments sont en attente. Quand le rythme revient après 16 mesures, tout élément vaguement pad est écarté, la basse change de ton et devient deux fois plus épaisse que celle du couplet. Elle est également side-chainée par la grosse caisse, encore une caractéristique de la musique dance, pour créer un mouvement vers l'avant. Il y a peu d'instruments : batterie, basse, synthétiseur à onde carrée, voix. Le plus grand levée ici est la combinaison du retour du rythme et de la suppression de tout ce qui est 'horizontal' dans la production, en même temps. Aucune de ces techniques n'aurait atteint le même effet seule. La tendance habituelle des producteurs, lorsqu'ils veulent faire monter quelque chose, est d'ajouter quelque chose de grand. Peu pensent à enlever quelque chose. Cette équipe l'a fait. Et a bien réussi.
Si l'on veut être analytique (vous le voulez, non ?), le refrain agit à la fois comme pré-refrain et refrain. C'est la même structure d'accords, avec la même mélodie organisée complètement différemment, et jouée consécutivement. Réfléchissez un instant. Grande utilisation du twisting de structure comme outil de production. Cela fonctionne vraiment.
Le deuxième couplet est une copie parfaite du premier couplet. Il semble toujours frais grâce à sa qualité sparse et son contraste frappant avec le refrain. Nous avons eu le temps de désirer à nouveau cet arpeggio au moment où il revient. Tant que personne n'est lassé, pourquoi changer de chaîne ?
Et puis cela se produit à nouveau. Le rythme disparaît à nouveau dans le deuxième refrain. Je suis sûr que cela a généré des réunions supplémentaires à des niveaux élevés. Le génie ici est qu'au lieu de faire miroiter exactement le premier refrain, le rythme revient à l'endroit où vous vous y attendiez au départ. Mais puisque vous avez été trompé la première fois, cela arrive comme une surprise et élève encore plus le morceau. Très intelligent. Ils ont même réduit la structure d'un refrain complet, apportant le pont après 16 mesures (Le premier système pré-refrain/refrain fait 24 mesures). Tromperie, tromperie... Encore une fois, la structure est utilisée comme outil de production ici et contribue à façonner le parcours de l'auditeur à travers essentiellement des parties copiées-collées sans jamais devenir ennuyeuses.
Le pont est encore plus minimal, avec un joli clin d'œil à Sweet Dreams des Eurythmics. Grosse caisse et synthétiseur basse side-chainé avec un embellissement discret de la mélodie avec un patch ressemblant à des cordes. (Je soupçonne que la mélodie a été dérivée de la partie qui faisait déjà partie du beat quand le compositeur de mélodies/paroles l'a entendue pour la première fois) Remarquez comment le rythme drum-and-bass qui a aidé à apaiser la faim de la grosse caisse pleine à la mesure 9 du premier refrain est réintroduit à mi-chemin, tel quel, pour soutenir le pont jusqu'à la ferme qui mène aux ad-libs finales. Notez également qu'après le pont, le refrain arrive tout de suite (Pas de purgatoire cassé, le pont nous l'a déjà donné).
La seule partie qui n'arrive qu'une fois dans la chanson est cette belle note synthétique aiguë qui apparaît après le premier tour des deux derniers refrains. Elle aide à lier le dernier refrain à la partie ad-lib (Sur la production du refrain, pour garder cela simple) en faisant le fil rouge. Notez aussi la durée de la chanson : 3.56. Elle est environ 30 secondes plus longue que des chansons similaires (Surtout à l'époque). Ils auraient pu finir la chanson à 3.30 très facilement, mais l'équipe a décidé d'ajouter un tag d'ad-lib, probablement parce que le morceau était excellent et qu'ils étaient confiants qu'il serait diffusé tel quel. Ils nous régalent également d'une belle fin froide avec le même joli retour harmonique qu'il y a à la fin de chaque refrain. Que demander de plus ?
Une autre chose amusante à remarquer dans cette chanson est l'absence de remplissage de batterie. Les transitions se terminent par la force brute, comme entre le refrain et le couplet ou par un grand 'woosh' stéréo (réutilisé à chaque fois). C'est cool, discret et fait le travail sans interférer avec la voix. En fait, il y a pas mal de parties ressemblant à des effets sonores qui contribuent à rendre la chanson spéciale. Le bruit de zap façonne tout le groove (prenez un moment pour remarquer la différence entre les parties du couplet et du refrain. C'est au milieu, jouant les contretemps avant les claquements). Il y a également une grande explosion sur le temps fort du pont (réutilisée plus tard si vous prêtez attention). Il est également bon de prendre un instant pour écouter comment les différents réverbérations et délais sont appliqués sur les voix pour remplir l'espace musical sparse (le pont est plus facile pour cela). Même si l'arrangement est conçu pour être simple, vous découvrirez probablement de nouvelles perles à chaque écoute. Cela ne vieillit pas.
Chaque forme d'art a sa propre saveur de minimalisme. Cette chanson en est un excellent exemple pour la musique pop. Elle est minimaliste par son économie de structure, par sa réutilisation d'éléments de production et par son contraste frappant avec le nombre de pistes. Tout cela est très difficile à réaliser, encore plus à filtrer par l'industrie musicale à ce niveau. J'entends beaucoup de musiciens mépriser la musique qu'ils entendent à la radio et, pour être juste, il y a une vaste quantité de titres douteux qui passent tous les jours. Cependant, quand une chanson comme Only Girl In The World apparaît, il est important de reconnaître la valeur de l'exceptionnelle compétence et vision qu'il a fallu pour la réaliser.
Écoutez longtemps et souvent. Il y a des leçons pour chaque style de production dans ce morceau.
Fab Dupont.
