Ce MixCheck est un moment de nostalgie. Au début des années 80, le fantastique Quincy Jones a sorti un album solo intitulé The Dude. À ce moment-là, il était dans la fin de la quarantaine, avait accompli à peu près tout ce qu'un musicien et producteur pouvait rêver d'accomplir et n'avait aucune idée qu'il deviendrait encore plus légendaire après avoir produit l'album Thriller de Michael Jackson l'année suivante.
Il est très intéressant d'analyser le résultat du travail acharné de l'équipe A de l'époque (Quincy, Bruce Swedien, Michael Jackson, James Ingram, Stevie Wonder, Rod Temperton, Patti Austin, Louis Johnson, John Robinson, Greg Phillinganes, Paulinho Da Costa, Michael Boddicker, etc.) et de le comparer avec l'esthétique d'aujourd'hui. Il est également fascinant de constater l'impact de ces disques sur la musique moderne, les détails qui ont été empruntés et les idées qui ont été volées.
The Dude est le deuxième morceau de l'album. La première chose frappante est sa longueur : 5.38 min. Une rareté de nos jours. Gardez à l'esprit que cet album entier a été enregistré sur bande et consoles sans accès à l'édition de groove, ni beaucoup de réglages de quelque sorte que ce soit. Chaque effet était un appareil matériel et probablement partagé entre différents morceaux et, plus important encore, tout ce que vous entendez a été réellement joué de cette manière. Ce qui signifie que ce batteur, ce bassiste et ce claviériste pouvaient jouer quelque chose qui sonnait si bien sans aide électronique. (C'est la raison pour laquelle les mêmes noms reviennent sans cesse lorsque vous lisez les crédits des musiciens de cette époque. Si vous engagez cette équipe, vous aviez un album qui groovait sans avoir à insister). Cela signifie également que le claviériste a joué ce riff de wurlitzer sur toute la chanson, sans boucles, sans effets volants, rien de tout cela. Écoutez le morceau complet avec cela en tête et réfléchissez à savoir si nous avons progressé ou non.
Écoutez ici :
iTunes : https://itunes.apple.com/us/album/the-dude/id353173
Spotify : http://open.spotify.com/track/77y6skfj4H6MyZz5ZO5eIy
Remarquez la structure peu habituelle et les interprétations libres des sections. Il y a deux intros, chaque couplet est composé de 2 sous-couplets, il y a une interruption instrumentale de cuivres qui revient plusieurs fois dans différentes incarnations, les refrains sont soit chantés, soit instrumentaux, ou les deux d'une certaine manière, le pont est un solo de clavier par Stevie Wonder encadré par des riffs de chœurs féminins, puis il improvise. À peine une structure prête pour la radio.
Les couplets sont introduits par un chœur féminin, puis James Ingram chante sa partie. Chaque fois, sauf pour le 3ème couplet où il arrive sans le lancement en douceur (Le chœur chante un riff de style pont juste avant le couplet 4, mais une partie différente). Le couplet 3 est une répétition du couplet 1b mais va directement au refrain au lieu de passer par l'interruption de cuivres et ensuite un autre rap.
Structure de la chanson
- Intro. (Guitare et remplissages)
- Intro 2 (avec groove de couplet)
- Couplet 1a (Chœur féminin)
- Couplet 1b (James Ingram)
- Interruption de cuivres
- Rap par Quincy
- Refrain avec voix d'arrière-plan en lead.
- Ré-intro
- Couplet 2a (Chœur féminin)
- Couplet 2b (James Ingram)
- Interruption de cuivres 2
- Rap Couplet 2
- Refrain (avec Saxophone Alto au lieu de voix lead)
- Riff vocal de style pont.
- Solo de clavier. Merci Stevie.
- Interruption de cuivres 3 (Deux fois plus long que précédemment)
- Vocal de style pont
- riff encore
- Couplet 3 (James Ingram)
- Refrain avec voix d'arrière-plan et réponds au refrain avec des ad-libs motivés par James Ingram
- Refrain instrumental avec ad-lib et réponses d'arrière-plan
- Fondu
Si vous écoutez sans faire attention, cela ne paraît pas si élaboré, mais cela évolue toujours. Donc, cela reste intéressant même si c'est principalement une poche d'un accord à l'exception du refrain. Qui l'aurait cru ?
D'autres détails musicalement intéressants qui m'ont fait revenir à ce morceau encore et encore, en plus du jeu et du chant ridicules, sont les parties instrumentales lâches. Ce sont des parties mais les musiciens les interprètent et improvisent et les embellissent de manière aléatoire, quelque chose que nous avons presque complètement perdu à l'ère du copier-coller. Il est également très éclairant de se concentrer sur la poche de batterie. L'ensemble de l'équilibre vient en fait d'une cloche à vache. Paulinho Da Costa joue ce qui semble être une cloche à vache de taille moyenne montée sur un support à presque chaque temps fort de la chanson (Vérifiez, j’attendrai). Lorsqu'il s'arrête, tout le mouvement de la piste s'arrête. N'est-ce pas incroyable ? (De temps en temps, vous pouvez l'entendre jouer une note de huitième juste pour montrer qu'il est vivant et bien. Vous pouvez aussi entendre la cloche et le tambour frapper quelques fois). J'aime aussi les grosses notes basses de piano stéréo qui ne viennent que deux fois pour ponctuer le riff de slap bass de l'intro et du pont. Cela me fait me demander ce qui d'autre était associé au piano sur cette piste. N'oubliez pas aussi qu'à l'époque, les applaudissements étaient effectivement faits par des gens qui applaudissaient. Cela peut sembler facile à écrire, mais faire en sorte qu'un groupe de musiciens ait le bon groove et reste silencieux entre les applaudissements pour obtenir juste le bon son n'est pas facile. (Essayez sur votre prochaine chanson au lieu d'utiliser un échantillon et envoyez-moi une carte postale) ils l'ont parfaitement réussi, tant pour le groove que pour le son. Remarquez comment ils sont présents dès le début de la piste de manière plus légère (moins de personnes qui applaudissent) mais deviennent plus forts pour le refrain.
Tant que nous y sommes, c'est une bonne idée d'étudier le refrain pour maîtriser le contrepoint entre les voix lead, les voix de fond, les cuivres, le riff de clavier et la slap bass. C'est un morceau d'écriture et d'arrangement très serré avec une exécution sans faille.
D'autres détails notables sont l'utilisation d'un vocodeur pour les réponses sur les couplets (30 ans avant Daft Punk) et le fait que Quincy RAPS sur la piste. C'était vers 1980, le rap venait à peine de sortir de New York, ce n'était définitivement pas un style courant. C'était audacieux de la part de Quincy de faire cela sur un album grand public. Cela montre à quel point Quincy Jones était en phase, et souvent en avance, sur les tendances musicales tout au long de sa carrière.
Sonore, la première chose qui devrait vous frapper est que cela ne sonne pas très lourd. N'est-ce pas ? (Allez comparer avec Angel de Massive Attack ou un morceau plus moderne comme Tom Ford de Jay-Z et parlons-en).
Pourquoi est-ce le cas ? Parce que ce sont de vrais instruments et qu'aucun effet spécial ne simule le bas (Ils n'existaient pas ou étaient à leur début). Une vraie grosse caisse n'enregistrera jamais aussi bien qu'un kick 808, à moins que vous n'utilisiez une technologie pour le faire. (Allez écouter votre batteur dans la salle de répétition et rapportez. Pock. Pock. Pock).
À cette époque, il était courant que la guitare basse soit plus épaisse que le kick, tout comme sur ce morceau, car c'était ce que vous obteniez des instruments réels. Remarquez à quel point la basse est forte au fait. Elle est ronde et uniforme et est le centre de tout le morceau. C'était probablement l'un des morceaux les plus puissants de l'époque, ce qui était probablement attendu de cette équipe à ce moment-là. Une combinaison sérieuse de jeu contrôlé, de compression et de manipulation a permis à la basse d'être si forte. Remarquez la relation entre la basse et la grosse caisse, elle est très différente de ce qui se passerait si c'était mixé aujourd'hui. La relation serait probablement inversée.
Remarquez aussi à quel point les claquements des sections de refrain sont forts et à quel point les toms sont fins lorsqu'ils sont joués. Tous des tons très marqués par leur époque, mais pour comprendre pleinement les choix esthétiques du mix, il est important d'écouter le mix sur de petits haut-parleurs comme des Auratones ou quelque chose de similaire. Vous pouvez entendre que tout a du sens sur ces haut-parleurs. Même les graves. Si Bruce Swedien le mixait aujourd'hui, ce serait très différent. (Probablement toujours bon sur Auratones cependant)
Tant que nous sommes sur les niveaux, faites attention aux niveaux vocaux. C'est particulièrement frappant sur les voix du refrain. Remarquez à quel point elles sont modestes par rapport aux normes modernes. Presque comme une partie instrumentale. Même chose avec le chœur féminin qui répond aux voix lead. La plupart des voix sont poussées assez loin en arrière. Le rap est un peu plus fort. Il avait aussi de la réverbération. C'est amusant et rarement entendu de nos jours. En fait, la plupart des voix partagent cette longue réverbération de plaque, avec des applauds, un cor d'alto et la guitare lead. Peut-être un EMT140. Vérifiez. (Si vous en avez la possibilité, écoutez également le mix en mono et regardez la réverbération disparaître un peu)
Les guitares sont gardées assez fines et déplacées sur les côtés pour éviter de se heurter au riff de wurly. Même les parties stéréo, comme l'intro ou le quasi-solo du pont, sont en réalité des prises mono avec un court délai audible en opposition. Cela permet d'obtenir un son large, d'économiser une piste sur la machine à bande (Eh, ils en avaient besoin pour ce passage au piano) et de faire de la place au centre. Les autres résidents des côtés sont les cuivres, très inspirés par Earth Wind And Fire, qui viennent rehausser le refrain de manière agréable. Ils sont assez forts, plus forts et plus présents que les voix par exemple. Intéressant, non ? Remarquez à quel point ils ne jouent pas sur les deux refrains à la fin et ne reviennent qu'avec une nouvelle partie pour le fondu. Propre.
Une autre caractéristique intéressante de ce morceau est le travail d'assemblage qui semble avoir eu lieu. Avant l'édition numérique, le copier-coller signifiait prendre des ciseaux pour un morceau de bande et le recoller là où vous le souhaitiez. Il faut en faire l'expérience pour être apprécié (Je prédis beaucoup moins de jurons dans votre DAW après que vous ayez essayé un montage sur un master de bande de 2 pouces).
Écoutez la première intro (Celle avant que le groove du couplet n'entre). Remarquez comment les percussions sonnent différemment (plus sombres) et comment les voix sont également très différentes. Je parie que c'était une autre partie de la chanson (probablement une partie du pont si vous écoutez le son de la guitare, ou peut-être une autre chanson) et que cela a été mixé sur deux pistes dans le cadre d'un mixage brut ou final. À un autre moment, quelqu'un a coupé cette partie (peut-être pour ajouter Stevie aux claviers solos) et ce morceau de bande a été sauvé et à un moment a été ajouté comme la première intro. Vérifiez le point de coupe lorsque le groove commence. Boum.
Un autre montage amusant est à la fin de la première interruption de cuivres. Regardez comment la queue de la réverbération coupe juste. C'est un sérieux montage par là. Est-ce que ce serait acceptable aujourd'hui ?
Un autre détail amusant et pointu peut être entendu vers la fin de la piste lorsque le refrain se répète et que James Ingram intervient avec des ad-libs. Regardez le mot 'out' dans 'Ain't nobody out there'. Qu'est-ce que c'est ?? Je vote pour un punch qui était un peu en retard (les machines à bande n'avaient pas de capacités de punch instantanées, elles étaient parfois un peu paresseuses et le punch était un art) et pendant une fraction de seconde, vous entendez à la fois la prise originale et le punch se battre pour attirer l'attention. Voilà, la modulation de la hauteur 30 ans avant T-Pain. Ils ont manifestement choisi de le garder parce qu'ils ne pensaient pas que cela importait. Il y a aussi une leçon là-dedans.
Dans l'ensemble, ce morceau est un trésor de compétences. Il faut quelques dizaines d'écoutes pour saisir pleinement la source du groove, le choix très inhabituel des équilibres, la structure folle et les arrangements vocaux et essayer de les relier aux nombreuses chansons qui ont été inspirées par celui-ci par la suite.
D'autres morceaux incroyables de l'album sont 'Betcha Wouldn’t Hurt Me' et 'Ai No Corrida'. Vaut bien 1,29 $ chacun.
Fab
