Mi piace pensare che gestire uno studio di registrazione sia a volte come quella scena dei ‘Ghostbusters’: tutti si stanno rilassando e perdendo tempo.. Il telefono squilla, Janine risponde e all'improvviso non può crederci: “Ne abbiamo preso uno!!”, urla a squarciagola mentre preme quel pulsante rosso d'allerta. Mi sono sentito così ogni volta che si presenta un concerto inaspettato (a parte il grande pulsante d'allerta che sono molto determinato a trovare, quindi fatemi sapere se sapete dove trovarne uno).
Qualcosa di simile è successo recentemente, quando un trio stoner rock mi ha chiamato chiedendo aiuto. Il problema non era un fantasma, ma piuttosto il suono delle loro chitarre elettriche. Il loro nuovo EP è pronto, lo hanno mixato da soli per quasi un mese e - dopo alcuni tentativi - hanno deciso che non riescono a ottenere il suono giusto dalle chitarre. Essendo a corto di budget, hanno usato plugin e software di modellazione di amplificatori, ma ora hanno deciso di voler qualcosa di reale. La trama si infittisce quando mi dicono che un'etichetta sta cercando di firmarli. Hanno un'opportunità e non vogliono perderla. È tempo di rendere quelle chitarre fantastiche.
Questa è la scena del film in cui gridi e premi il pulsante rosso.
Pianificazione del Soundstage
Prima che venga posizionato un microfono, chiediti questo: quale ruolo avranno le chitarre in contrasto con gli altri elementi? Ci saranno batteria, basso, chitarre e voci principali. Il cantante è anche il chitarrista, quindi quando suonano dal vivo hanno quel suono "a chitarra unica". Non è un problema, ma nella registrazione vogliono essere in grado di espandere il suono. In questo tipo di insieme, le chitarre dettano - da sinistra a destra - il paesaggio sonoro caldo e acquoso nel quale tutti gli altri elementi nuoteranno. La relazione tra tutti gli elementi regola la sensazione generale dell'intero album. Per questo disco abbiamo deciso di espandere il suono delle chitarre e mantenere batteria e basso concentrati al centro. Questo ci consente di creare un contrasto occasionalmente con tracce di chitarra singole, potenti breakdown e così via. È stoner rock, ci sono quasi poche regole ma la tradizione è forte.
I principali problemi con le chitarre precedenti erano evidenti. La band aveva:
- registrato solo una take e duplicata "dall'altra parte" del campo stereo
- non creato tracce di chitarra con suoni diversi: stessi plugin, stesse impostazioni virtuali per la registrazione, distanza, posizionamento ecc.
- abusato di vari trucchi di elaborazione digitale (ampliamento, ritardi, strumenti di phase shifting ecc.)
Per risolvere questo problema abbiamo deciso di rifare tutto con:
- diverse take delle stesse parti, per le chitarre "sinistra" e "destra" (lingo: "double-tracking")
- due amplificatori per chitarra diversi
- due microfoni diversi su ogni amplificatore (lingo: "double-miking")
- filtrare le basse per aiutare la cassa e il basso a amalgamarsi e dare slancio alla canzone
- pulire le medie, per ridurre la pienezza e far respirare la cassa
- attenuare le risonanze, per evitare di coprire le voci principali e non infastidire l'ascoltatore mentre bilancio il tono generale delle chitarre
Abbiamo anche provato a usare due chitarre diverse, ma poi abbiamo scoperto che una suonava meglio dell'altra. Stavamo già ottenendo abbastanza varietà dai due diversi amplificatori e dal totale di quattro microfoni su di essi.
“Questo è il mio amplificatore..
..ce ne sono molti simili, ma questo è il mio.” È vero: i chitarristi hanno un attaccamento per la loro attrezzatura (compresi gli amplificatori) poiché fanno effettivamente parte del loro suono. Con la registrazione in studio, tuttavia, sono spesso disposti a testare cose nuove e a provare anche gli amplificatori residenti. Dopo un po' di tempo a testare tonalità diverse, abbiamo deciso di optare per un Marshall Master Lead Combo e un Peavey Classic 30. Il primo è un amplificatore a stato solido, il secondo è un amplificatore a valvole. Chiunque sia troppo critico in questo campo prevede il fallimento: l'amplificatore a stato solido "è solo un amplificatore wannabe-forte" e il Peavey è un ibrido tra un VOX e un Fender Champ e "non è adatto a suoni pesanti." Beh, non sono d'accordo con tali menti eccessivamente critiche.. non c'è niente di sbagliato con gli amplificatori meno noti, sporchi e rotti che puoi trovare. Nella maggior parte dei casi ho avuto più fortuna con quelli che con i nomi più noti. Inoltre, come parte della ricetta segreta, abbiamo inserito un pedale Morley JD10 prima del Peavey e un pedale vintage ProCo RAT prima del Marshall. Una volta che eravamo soddisfatti di come suonavano le due chitarre nella sala prove, ho cominciato a lanciare microfoni sugli amplificatori.
Catturare il tono e l'atmosfera 'Stoner Rock'
Quando usi due microfoni per catturare la stessa sorgente, ciò che desideri è diversità. Pensalo come due persone che ti raccontano la propria versione della stessa storia. Generalmente, mi piace usare due microfoni identici (cambiando la distanza dalla sorgente) oppure due molto diversi vicini tra loro. Questa volta non cercavo distanza e aria, ma piuttosto un suono “in faccia”. Questo mi ha lasciato solo un'opzione: due microfoni con un suono molto diverso che possono completarsi, posizionati vicini tra loro. 
Sul Marshall, ho scelto un Sennheiser 606 (dinamico) e un Lauten Eden (a valvole). Erano molto vicini alla griglia e rimanevano attorno al bordo del centro del cono. Per il Peavey, ho scelto un Shure SM57 e un Sennheiser MD421. Una combo popolare.. entrambi sono microfoni dinamici ma hanno un suono molto diverso. Ho posizionato il 57 attorno al bordo del cono e il MD421 quasi al centro.
Il suono analogico grezzo
Ho scelto preamplificatori API 512c per il 606 e l'Eden, ho aggiunto un padding su quest'ultimo e alzato il gain. Ho utilizzato il filtro HP dell'Eden ma l'ho mantenuto su Cardioide e Neutro e non ho utilizzato alcun padding sul microfono. Il 57 e il 421 erano collegati a un Mindprint DTC, utilizzando i filtri e un po' di EQ per perfezionare il suono. 
In entrambi i casi, ho impiegato non più di 30 secondi per provare ciascun microfono. Per me, erano semplicemente due amplificatori, due suoni di chitarra. Solo ora che ho chiarito il mio approccio, posso lasciarti ascoltare come suonava ogni singolo microfono.
GREZZO:
Senti come l'Eden suona pieno di profondità, naturale e completo (ma più scuro e spesso), mentre il 606 ha carattere e un'opinione più personale? Senti come il 57 ha quel morso ben noto mentre il 421 offre contenuto di alta frequenza sabbioso dalla posizione in cui si trova? Non c'è giusto o sbagliato, stanno tutti contribuendo in modo costruttivo alla storia.
Andando avanti, ho deciso di aggiungere un po' di drive e slancio... e i compressori sono ottimi strumenti per questo, anche se le chitarre distorte non hanno un'ampia gamma dinamica. Non si tratta di compressione (che è rimasta a un massimo di 3dB, in alcuni passaggi) ma più per il cambiamento nella presentazione e nel tono. L'Eden e il 606 sono stati inviati a due diversi Distressors, il 57 e il 421 sono andati ai due canali di un Dangerous Compressor. Poiché avevo il Dangerous BAX EQ in linea proprio sotto, non potevo resistere alla tentazione e ho aggiunto filtri e un po' di shelving alto.
DYNAMICHE:
Quasi ci siamo, ma volevo provare un po' di EQ post per dare alle chitarre il miglior suono possibile nella fase di cattura. Ho deciso di utilizzare un API 550A per l'Eden e uno per il 606, mentre ho usato due Pultec EPQ-1A sul 57 e 421. Dopo questo siamo andati all'A/D e questo è ciò che abbiamo catturato, in Pro Tools:
EQ:
Il Suono Finale delle Chitarre Registrate
Una volta posizionato nel campo stereo, con l'Eden+606 (amplificatore Marshall) spostato a sinistra, SM57+421 (amplificatore Peavey) spostato a destra, le chitarre suonarono così:
E questo è come suonarono nel mix.
Mixaggio
Ho due metodi principali per rifinire le chitarre, una volta nel dominio digitale. Voglio:
Per raggiungere quanto sopra, il mio primo metodo è l'EQ.
Amplificatore Marshall (sinistra) e amplificatore Peavey (destra)
Il mio secondo approccio coinvolge compressione multibanda. Lo scopo è lo stesso, ma viene fatto attraverso un numero più sottile e intricato di variabili. Qui, tempi di attacco e rilascio, frequenze di crossover e molti altri parametri giocano un ruolo importante. Uso il Waves C4 da così tanto tempo che lo conosco molto bene, quindi tende a essere il mio punto di riferimento. Se ho bisogno di più bande, di solito le imposto una dopo l'altra.
Amplificatore Marshall (sinistra) e amplificatore Peavey (destra). I due compressori sono sempre in serie (vedi frecce blu)
A questo punto i ragazzi della band avevano una migliore sensazione per l'ultima versione, quindi abbiamo optato per essa.
Ulteriori Ottimizzazioni
Questo stile è generalmente molto secco e potresti pensare che il riverbero non funzionerebbe mai.. ma SENTIRSI secco ed ESSERE secchi sono due cose diverse. Qui ho usato R2 di Exponential Audio. Ho stampato una versione in cui sto silenziando le chitarre così puoi sentire il riverbero finale.
