Una delle richieste più comuni che un ingegnere sentirà durante una sessione è: "Puoi aumentarmi nelle cuffie?" La maggior parte dei musicisti e dei cantanti è abituata a sentirsi molto più in alto rispetto agli altri brani nel loro mix di cue. Negli studi commerciali equipaggiati con stazioni di missaggio personali, che consentono ai musicisti di controllare il proprio mix di monitor, puoi scommettere che la maggior parte delle persone si alza significativamente più forte rispetto al resto della band.
In questo estratto da Start To Finish: Matt Ross-Spang - Episodio 7 - Registrazione Chitarra Acustica, Matt offre una prospettiva diversa sul tema dei mix di cue. Mentre si prepara a registrare le sovraincisioni della chitarra acustica di Eli "Paperboy" Reed, parla della sua filosofia riguardo ai mix di cue.
Matt, che è un produttore estremamente pratico, regola la posizione del microfono per la chitarra acustica a corde di nylon di Eli "Paperboy" Reed.
Il Contesto è Tutto
Non hanno stazioni di monitoraggio personale al Sam Phillips Recording Service, dove si svolge la sessione, solo scatole di distribuzione per cuffie. Questa semplicità va bene a Matt, poiché non pensa che sia produttivo avere musicisti e cantanti che controllano i propri mix di cuffie. Pensa che inevitabilmente si alzeranno troppo, e quindi non saranno in grado di concentrarsi completamente sul groove.
Fornendo loro mix di cue in cui tutti sono a livelli approssimativi simili a quelli del mix finale, Matt crea una situazione che descrive come "quasi come suonare senza cuffie." Costringe tutti a concentrarsi sul groove collettivo, rendendoli molto più inclini a "bloccarsi" in esso e a fornire una grande performances.
Dice che se qualcuno ha davvero bisogno di sentirsi di più, ha un secondo mix di cue disponibile in questo studio che può inviare a quella persona. Fa notare che nessuno si è lamentato dei livelli del proprio mix di cue durante la fase di registrazione di questa sessione.
La sessione si svolge al Sam Phillips Recording Service a Memphis, TN.
Nella sala di controllo, a Matt piace ascoltare lo stesso mix—o almeno uno molto simile—dei musicisti. Ascoltando i vari elementi miscelati a livelli di "mix finale", può valutare se l'impostazione di registrazione che sta usando (microfoni, posizionamento dei microfoni, catene di ingresso, ecc.) sta funzionando o se deve apportare modifiche.
Lo stile di produzione di Matt riguarda il groove, l'atmosfera e l'ottenere suoni autentici, quindi la sua filosofia riguardo ai mix di cue ha perfettamente senso in questo contesto.
Piuttosto che dare a ciascun musicista molto di più di se stesso nelle cuffie, Matt fornisce un cue con livelli simili al mix finale.
Bloccati
Il concetto di groove è interessante. Quando musicisti esperti registrano insieme, si ascoltano a vicenda e regolano il loro modo di suonare—quasi inconsciamente—per essere il più "bloccati" possibile. Quando tutto si incastra, i risultati possono essere sublimi.
Uno dei talenti di Matt come produttore è creare un ambiente—attraverso la sua scelta di studi e attrezzature e il suo comportamento rilassato—che tira fuori il meglio dai musicisti e dai cantanti con cui lavora.
Matt ama ascoltare lo stesso mix di cue nella sala di controllo mentre gli artisti stanno suonando.
Creare Sensazione
Anche in uno studio commerciale con un gruppo di musicisti esperti, non è scontato che tu catturerai grandi performance. Ma se stai producendo musica organica come R&B old-style, blues, Americana, indie-folk, rock 'n' roll, o qualcosa di simile dal tuo studio domestico, può essere davvero impegnativo.
È particolarmente difficile ottenere una sensazione autentica se devi usare il MIDI al posto di alcuni strumenti. Tuttavia, ci sono alcuni passaggi che puoi seguire per rendere la tua musica il più naturale possibile e farla "groovare" nel miglior modo secondo le circostanze.
Mantieni i tuoi arrangiamenti centrati sugli strumenti reali che hai. Se devi usare loop di batteria (MIDI o audio) invece di un vero batterista, puoi registrare alcuni strumenti a percussione a mano sopra, o piatti crash dal vivo (se hai accesso a qualche piatto) per aiutare a sciogliere la sensazione del brano.
E, naturalmente, segui il consiglio di Matt e non alzarti (né un altro musicista che stai registrando) troppo forte nel mix di monitor quando stai sovraincidendo su brani esistenti.
Prima Questo e poi Quello
Se stai sovrapponendo i brani mentre procedi, le batterie dovrebbero essere registrate per prime (eccetto forse un brano di riferimento per accordi e una voce scratch). La parte della batteria fornisce una base ritmica, e quando registri chitarre, bassi e altri strumenti, fornirà qualcosa con cui "groovare". Se registri alcuni di quegli altri brani prima che le batterie siano pronte, non saranno così ritmicamente "bloccati".
Anche se stai usando batterie MIDI, è comunque meglio averle pronte prima di registrare altre tracce definitive. Per stili di musica organica, può essere molto efficace utilizzare loop MIDI registrati da veri batteristi che suonano kit MIDI. Di solito non sono quantizzati, quindi hanno una sensazione molto più realistica. Molti strumenti virtuali di batteria offrono tali groove.
Pensa come un Batterista
Un grande vantaggio delle batterie MIDI rispetto ai loop di batteria audio è che sono molto più facili da modificare. Se hai accesso a buoni loop MIDI e a un batterista virtuale dal suono autentico, avrai molta più flessibilità per costruire le tue parti di batteria di durata canzone.
È meglio avere la parte della batteria già pronta, sia essa live o uno strumento di batteria come Toontrack Superior Drummer 3, così i musicisti che sovraincidono possono avere un groove a cui "bloccarsi".
Detto ciò, mettere insieme una parte di durata canzone e farla suonare autentica è una sfida, anche con una buona collezione di loop—sia MIDI che audio. Non puoi ripetere lo stesso loop all'infinito. La parte avrà bisogno di cambiare, almeno leggermente, per le diverse sezioni della canzone. Fortunatamente, molte collezioni di loop offrono diverse varianti su ogni groove di base.
Puoi anche introdurre cambiamenti dinamici nei punti appropriati con automazione del volume. Anche se i loop audio possono suonare più autentici dei loop MIDI, sono molto più difficili da modificare se hai bisogno di apportare modifiche all'interno di un loop. Quindi, ci sono vantaggi per entrambi.
Fill ‘Er Up
Quando lavori con i loop, fai attenzione a come usi i fill. I fill forniti con le collezioni di loop sono spesso troppo complessi. Nella maggior parte dei casi, più semplice è meglio, e cerca di non ripetere gli stessi fill in più parti della canzone.
Se utilizzi Apple Logic Pro X, hai accesso alla funzione Drummer, che fornisce batteria virtuale dal suono autentico, facile da programmare e offre molte varietà di kit. Inoltre, se utilizzi uno dei Producer Kits inclusi, puoi aprire ogni batteria su una traccia separata e mixarli come faresti con un vero kit.
La funzione Drummer di Apple Logic Pro X presenta Producer Kits che possono essere aperti nel mixer con tutte le batterie su canali separati.
Puoi Dire?
Il seguente esempio audio presenta tre brevi estratti di batteria, uno dopo l'altro. Uno è da un loop audio di un famoso batterista, uno è dalla funzione Drummer di Apple Logic Pro X, e uno è da Toontrack Superior Drummer 3, un eccellente strumento virtuale di batteria che offre molti groove. Sono stati tutti elaborati un po'. Prima di guardare la risposta qui sotto, ascolta e vedi se riesci a capire quale dei tre è il batterista reale.
La risposta è il numero due. I loop provengono dalla collezione Simon Phillips di The Loop Loft.
Tutti i suoni di batteria nell'esempio suonerebbero piuttosto convincenti—supponendo che fossero assemblati in parti autentiche di durata canzone—soprattutto con altri strumenti attorno a loro in un mix.
