Parliamo di efficienza nella produzione.
Se hai prestato attenzione a ciò che sta accadendo nella musica pop moderna, potresti aver notato che c'è un prima e un dopo la canzone chiamata Only Girl In The World di Rihanna. No? Chiediti, qual è stata la prima volta che hai sentito una canzone pop far cadere il suo ritmo di batteria completo nel ritornello? Pensa. Sì. È proprio quella. Quanto la senti ora? Ogni altra canzone. Parliamone.
Il modo in cui vengono scritte le canzoni pop in questi giorni tende a essere l'opposto di ciò che la maggior parte delle persone pensa. Si inizia con la musica, spesso chiamata 'beat', e poi vi si aggiungono melodia e testi, spesso da parte di qualcuno diverso dalla persona che ha ideato il 'beat'. Spesso la canzone è finita, persino mixata, prima di avere un vero titolo o una voce sopra. La voce viene poi aggiunta in seguito a seconda di chi adotta la canzone per il proprio disco. Questo processo può creare problemi, come una melodia e musica disconnesse, transizioni strane a causa della struttura matura della musica, mix strani con le voci che non si inseriscono bene, ecc., ecc… E a volte funziona semplicemente alla grande. Only Girl In The World è una lezione di purezza, efficienza e minimalismo. Prodotta da Stargate, Sandy Vee e mixata da Phil Tan, la canzone riesce a essere il perfetto equilibrio tra semplicità e potenza.
Ascolta qui:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/loud/id458437339
Spotify: https://play.spotify.com/track/3YJlTDtUXu1sGh8lunblkG?play=true&utm_source=open.spotify.com&utm_medium=open
Strutturalmente è un semplice verso ritornello con un ponte, come abbiamo sentito un milione di volte, ma la struttura viene utilizzata come uno strumento di produzione in modi che erano nuovi all'epoca. L'intro e i versi sono esattamente la stessa cosa, tranne che nel verso viene aggiunta una linea di basso che non è nell'intro, e questo è tutto. La melodia dopo la quinta barra del verso suggerisce un cambio di modo, ma è molto sottile e poiché nulla si muove sotto di essa, fluisce senza sollevare domande. È un buon modo per permettere varietà senza rompere la sensazione ipnotica dell'arpeggio (cerca di capire quale modo suggerisce la melodia di Rihanna indipendentemente dalla nota fondamentale).
Nota quanto è scarso il suono del verso: cassa, clap stereo, shaker, arpeggio di synth caratteristico e quel piccolo suono di zap in mezzo che crea un'accelerazione altrimenti quadrata del ritmo. Niente hi-hat, nessuna suddivisione tranne lo shaker. Eppure ha groove. L'arpeggio e i suoi ritardi sono la spina dorsale del pocket nel verso. Semplice e potente.
E poi succede: il ritmo scompare nel ritornello, per otto barre intere. Aspetta! No! Sedici barre! Non so quanto potere ci sia voluto per far passare l'idea ai team di marketing e radio dell'etichetta di Rihanna, ma qualcuno ha avuto il potere di farlo. Far cadere il beat sul primo tempo del primo ritornello lo rende enorme. Estendere la caduta per 16 barre invece delle 8 che tutti si aspettano lo rende surreale. È una tecnica classica della Dance Music di caduta ritardata, ma non era stata fatta in questo modo per una canzone da radio pop prima d'ora. Non c'è fondo, nessuna cassa, nessun basso per 8 barre. Poi entra il ritmo in stile drum-and-bass, ma ancora niente fondo, e poi arriva il grande colpo. E mantiene la canzone in cima alle classifiche per settimane (perché la gente vuole provare di nuovo e di nuovo quella sensazione. Se non l'hai mai provato, è molto educativo essere in un club e osservare come le persone reagiscono a queste cose. Provalo prima di produrre il tuo prossimo brano. Quell'esperienza diretta dell'impatto dei trucchi di produzione è il motivo per cui i buoni DJ sono emersi in cima alla scena della produzione per la musica pop).
Nota la differenza di texture tra il ritornello 'rotto' e quello in forma completa. Nel ritornello rotto, tutto sembra orizzontale, tutto ha una coda, le cose sono in attesa. Quando il ritmo rientra dopo 16 barre, qualsiasi cosa remotamente simile a un pad viene scartata, il basso cambia tono e diventa il doppio grasso rispetto al verso. Viene anche side-chainato dalla cassa, di nuovo una cosa della Dance Music, per creare movimento in avanti. Gli strumenti sono pochi: batteria, basso, synth a onda quadrata, voci. L'aspetto più importante qui è la combinazione di riportare il ritmo e rimuovere qualsiasi cosa 'orizzontale' nella produzione, contemporaneamente. Ognuna delle due tecniche da sola non avrebbe raggiunto lo stesso effetto. La tendenza abituale dei produttori, quando vogliono far sollevare qualcosa, è di aggiungere qualcosa di grande. Pochi pensano a rimuovere qualcosa. Questo team l'ha fatto. E l'ha fatto bene.
Se si vuole essere analitici (lo vuoi, giusto?), il ritornello funge sia da pre-ritornello che da ritornello. È la stessa struttura di accordi, con la stessa melodia disposta completamente in modo diverso e suonata di seguito. Pensa a questo per un attimo. Ottimo uso della manipolazione della struttura come strumento di produzione. Funziona davvero.
Il secondo verso è una copia perfetta del primo verso. Risulta ancora fresco grazie alla sua qualità scarna e al forte contrasto con il ritornello. Abbiamo avuto tempo di desiderare di nuovo quell'arpeggio quando torna. Finché nessuno si annoia, perché cambiare canale?
E poi succede di nuovo. Il ritmo scompare di nuovo nel secondo ritornello. Sono sicuro che questo ha generato alcune riunioni extra in posti alti. Il genio qui è che invece di rispecchiare esattamente il primo ritornello, il ritmo rientra dove ti aspettavi che fosse in primo luogo. Ma poiché sei stato ingannato la prima volta, entra come una sorpresa e solleva ancora di più. Molto intelligente. Hanno persino tagliato la struttura di un intero ritornello, introducendo il ponte dopo 16 barre (Il primo sistema pre-ritornello/ritornello è di 24 barre). Inganno, inganno... Ancora una volta la struttura è usata come uno strumento di produzione qui e aiuta a plasmare il viaggio dell'ascoltatore attraverso parti essenzialmente copiate e incollate senza mai diventare vecchie.
Il ponte è ancora più minimale, con un bel riferimento a Sweet Dreams degli Eurythmics. Cassa e synth di basso side-chainati con un discreto potenziamento della melodia con un suono simile a uno strumento a corda. (Sospetto che la melodia sia stata derivata dalla parte che era già parte del beat quando il compositore di melodia/testi l'ha sentita per la prima volta) Nota come il ritmo drum-and-bass che ha aiutato a placare la fame di cassa completa al nono bar del primo ritornello venga riportato a metà, così com'è, per sostenere il ponte fino alla fermata che porta agli ultimi ad-lib. Nota anche che dopo il ponte il ritornello entra subito (Niente purgatorio rotto, il ponte ce l'ha già dato).
L'unica parte che accade solo una volta nella canzone è quella nota alta del synth che appare dopo il primo giro degli ultimi due ritornelli. Aiuta a collegare l'ultimo ritornello alla parte di ad-lib (sopra la produzione del ritornello, per mantenerlo semplice) fungendo da filo conduttore. Nota anche la lunghezza della canzone a 3.56. È circa 30 secondi più lunga di canzoni simili (soprattutto all'epoca). Avrebbero potuto finire la canzone a 3.30 molto facilmente, ma il team ha deciso di aggiungere un tag di ad-lib, probabilmente perché il brano sembrava fantastico e erano certi che sarebbe stato suonato così com'era. Ci regalano anche una bella conclusione fredda con lo stesso bel giro armonico che c'è alla fine di ogni ritornello. Cosa si potrebbe chiedere di più?
Un'altra cosa divertente da notare in questa canzone è l'assenza di fill di batteria. Le transizioni si concludono con forza bruta, come tra ritornello e verso o con un grande 'woosh' stereo (riutilizzato ogni volta). È cool, discreto e fa il suo lavoro senza interferire con la voce. Infatti, ci sono parecchie parti simili a effetti sonori che aiutano a rendere la canzone speciale. Il suono di zap modella tutto il groove (prenditi un secondo per notare la differenza tra le parti del verso e del ritornello. È in mezzo, suonando le note in anticipo prima dei clap). Inoltre c'è una grande esplosione sul primo tempo del ponte (riutilizzata più avanti se stai attento). È anche bene prendersi un secondo per ascoltare come i diversi effetti di riverbero e ritardo vengono applicati alle voci per riempire lo spazio musicale scarno (il ponte è più facile per questo). Anche se l'arrangiamento è progettato per essere semplice, probabilmente scoprirai nuove gemme ad ogni ascolto. Non invecchia mai.
Ogni forma d'arte ha il suo sapore di minimalismo. Questa canzone è un ottimo esempio di ciò per la musica pop. È minimalista nella sua economia di struttura, nel riutilizzo di elementi di produzione e nella sua schiettezza per quanto riguarda il numero di tracce. Tutti aspetti molto difficili da ottenere, per non parlare del passare attraverso il filtro dell'industria musicale a questo livello. Sento molti musicisti deridere la musica che sentono alla radio e, ad essere onesti, c'è una vasta quantità di brani discutibili suonati ogni giorno. Tuttavia, quando arriva una canzone come Only Girl In The World, è importante riconoscere il valore nell'abilità e nella visione eccezionali che ci sono volute per realizzarla.
Ascolta a lungo e spesso. Ci sono lezioni per ogni stile di produzione in questo brano.
Fab Dupont.
