Questo MixCheck è un momento di nostalgia. Nei primi anni '80 il fantastico Quincy Jones pubblicò un album da solista chiamato The Dude. A quel punto aveva quasi 50 anni, aveva raggiunto praticamente tutto ciò che un musicista e produttore potesse sognare e non aveva idea che sarebbe diventato ancora più leggendario dopo aver prodotto l'album Thriller di Michael Jackson l'anno successivo.
È molto interessante analizzare il risultato del duro lavoro dell'A-Team dell'epoca (Quincy, Bruce Swedien, Michael Jackson, James Ingram, Stevie Wonder, Rod Temperton, Patti Austin, Louis Johnson, John Robinson, Greg Phillinganes, Paulinho Da Costa, Michael Boddicker, ecc, ecc…) e confrontarlo con le estetiche attuali. È anche affascinante testimoniare l'impatto di quei dischi sulla musica moderna, i dettagli che sono stati presi in prestito e le idee che sono state copiate.
The Dude è la seconda traccia dell'album. La prima cosa che colpisce è quanto sia lunga: 5.38 minuti. Una rarità al giorno d'oggi. Tieni presente che l'intero album è stato registrato su nastro e in console senza accesso all'editing del groove, o a molte regolazioni di qualsiasi tipo. Ogni effetto era un pezzo di hardware impostato e probabilmente condiviso tra diverse tracce e, cosa più importante, tutto ciò che ascolti è stato effettivamente suonato in quel modo. Ciò significa che quel batterista, quel bassista e quel tastierista potevano suonare qualcosa che si sente così bene senza aiuti elettronici. (È la ragione per cui quando leggi i crediti dei musicisti di quell'epoca, gli stessi nomi tornano ancora e ancora. Se assumevi quel team, avevi un disco che groove senza doverlo forzare). Significa anche che il tastierista ha suonato quel riff di wurlitzer per tutta la canzone, senza loop, senza effetti volanti, niente di tutto ciò. Ascolta l'intera traccia tenendo a mente questo e rifletti su se abbiamo fatto progressi o meno.
Ascolta qui:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-dude/id353173
Spotify: http://open.spotify.com/track/77y6skfj4H6MyZz5ZO5eIy/a>
Nota la struttura insolita e le interpretazioni libere delle sezioni. Ci sono due intro, ogni verso è composto da 2 sottoversi, c'è un intermezzo strumentale di ottoni che appare più volte in varie incarnazioni, i ritornelli sono cantati o strumentali o entrambi in qualche modo, il ponte è un assolo di tastiera di Stevie Wonder intercalato da riff di coro femminile, e poi ci sono gli ad-lib. Difficilmente una struttura pronta per la radio.
I versi sono introdotti da un coro femminile e poi James Ingram canta la sua parte. Ogni volta, tranne che nel terzo verso quando entra senza una presentazione morbida (Il coro canta un riff simile a un ponte appena prima del verso 4, ma una parte diversa). Il verso 3 è una ripetizione del verso 1b ma salta direttamente al ritornello invece di passare attraverso l'intermezzo di ottoni e poi un altro rap.
Struttura della canzone
- Intro. (Chitarra e riempimenti)
- Intro 2 (con groove del verso)
- Verso 1a (Coro Femminile)
- Verso 1b (James Ingram)
- Intermezzo di ottoni
- Verso rap di Quincy
- Ritornello con voce di sottofondo principale.
- Re-intro
- Verso 2a (Coro Femminile)
- Verso 2b (James Ingram)
- Intermezzo di ottoni 2
- Verso rap 2
- Ritornello (con Sax Alto invece delle voci principali)
- Riff vocale simile a un ponte.
- Assolo di tastiera. Grazie Stevie.
- Intermezzo di ottoni 3 (Due volte più lungo di prima)
- Riff vocale simile a un ponte
- riffs di nuovo
- Verso 3 (James Ingram)
- Ritornello con voce di sottofondo e il ritornello risponde con ad-lib di James Ingram
- Ritornello strumentale con ad-lib e risposte di sottofondo
- Fading
Se ascolti senza prestare particolare attenzione, non sembra così elaborato, ma è sempre in evoluzione. Rimane interessante anche se è principalmente una tasca di un accordo tranne che per il ritornello. Chi lo sapeva?
Altri dettagli musicalmente interessanti che mi hanno fatto tornare su questa traccia più e più volte, oltre al suono e al canto straordinari, sono le parti strumentali sciolte. Sono parti ma i musicisti le interpretano, riffano e abbelliscono in modo casuale, qualcosa che abbiamo quasi completamente perso nell'era del copia e incolla. È anche molto illuminante concentrarsi sulla tasca della batteria. L'intero equilibrio in realtà deriva da un cowbell. Paulinho Da Costa suona quello che sembra essere un cowbell di dimensioni medie montato su un supporto su quasi ogni quarto di nota della canzone (Vai a verificare, ti aspetterò). Quando si ferma, l'intero movimento della traccia si interrompe. Non è incredibile? (Di tanto in tanto puoi sentirlo suonare un ottavo di nota solo per dimostrare che è vivo e vegeto. Puoi anche ascoltare il cowbell e la cassa che suonano insieme un paio di volte). Mi piace anche il suono dei pianoforti stereo a basso che compaiono solo due volte per sottolineare il riff del basso slap nell'intro e nel ponte. Mi chiedo cos'altro fosse stato accoppiato con il pianoforte su quella traccia. Inoltre, ricorda che all'epoca gli applausi erano effettivamente realizzati da persone che applaudivano. Sembra facile sulla carta, ma far sì che un gruppo di musicisti abbia il giusto groove e stia in silenzio tra gli applausi per ottenere il suono giusto non è facile. (Provalo sulla tua prossima canzone invece di usare un campione e mandami una cartolina) sono stati brillanti, sia nel groove che nel suono. Nota come siano presenti dall'inizio della traccia in modo più leggero (Meno persone che applaudono) ma poi crescono per il ritornello.
Mentre ci siamo, è una buona idea studiare il ritornello per la padronanza del contrappunto tra la voce principale, le voci di sottofondo, gli ottoni, il riff di tastiera e il basso slap. È un pezzo di scrittura e arrangiamento così compatto con un'esecuzione impeccabile.
Altri dettagli degni di nota sono l'uso di un vocoder per le risposte nei versi (30 anni prima dei Daft Punk) e il fatto che Quincy RAPS nella traccia. Eravamo nel 1980 circa, il rap era appena uscito da New York, non era sicuramente uno stile di massa. È stata audace da parte di Quincy farlo in un disco mainstream. Dimostra quanto fosse in sintonia, e spesso in anticipo, Quincy Jones rispetto alle tendenze musicali durante la sua carriera.
Sonoramente, la prima cosa che dovrebbe colpirti è che non suona molto grasso. Non è vero? (Vai a confrontare con Angel dei Massive Attack o un brano più moderno come Tom Ford di Jay-Z e parliamone).
Perché? Perché questi sono strumenti veri e non ci sono effetti speciali falsi che vengano utilizzati (Non esistevano, o erano in fase iniziale). Una vera cassa non registrerà mai così 'grassa' come un 808 Kick, a meno che tu non usi la tecnologia per farlo. (Ascolta il tuo batterista nella sala prove e riportami. Pock. Pock. Pock).
In quel periodo era normale che la chitarra fosse più grassa della cassa, proprio come in questa traccia, perché era quello che si otteneva dagli strumenti reali. Nota quanto sia forte il basso, a proposito. È rotondo ed equilibrato ed è il centro dell'intera traccia. Probabilmente questo è stato uno dei brani dal suono più corposo dell'epoca, il che era probabilmente previsto da quel team a quel punto. Una combinazione seria di suonare in modo controllato, compressione e riding ha permesso al basso di essere così forte. Nota la relazione tra il basso e la cassa, è molto diversa da quello che accadrebbe se fosse mixata oggi. La relazione sarebbe probabilmente invertita.
Inoltre nota quanto siano forti gli applausi nelle sezioni del ritornello e quanto siano sottili i tom quando vengono suonati. Tutti toni molto legati al periodo, ma per comprendere appieno le scelte estetiche del mix, è importante ascoltare il mix su piccoli altoparlanti come gli Auratones o qualcosa del genere. Puoi sentire che tutto ha senso su quegli altoparlanti. Anche la parte bassa. Se Bruce Swedien lo stesse mixando oggi, sarebbe molto diverso. (Probabilmente comunque buono sugli Auratones)
Mentre siamo sui livelli, presta attenzione ai livelli vocali. È particolarmente sorprendente sui vocali del ritornello. Nota quanto siano modesti rispetto agli standard moderni. Quasi come una delle parti strumentali. Stessa cosa per il coro femminile di voci che risponde alle voci principali. La maggior parte delle voci è spinta molto indietro. Il rap è un po' più forte. Ha avuto anche del riverbero. È divertente e raramente si sente al giorno d'oggi. In realtà la maggior parte delle voci condivide quel riverbero a lunga durata, insieme agli applausi, al corno alto e alla chitarra solista. Forse un EMT140. Controllalo. (Se hai la possibilità, ascolta il mix in mono e osserva come il riverbero svanisca notevolmente)
Le chitarre sono mantenute piuttosto sottili e spostate ai lati per evitare conflitti con il riff di wurly. Anche le parti stereo, come l'intro o il ponte quasi da solo sono in realtà registrazioni mono con un breve ritardo panning opposto. Consente un suono ampio, risparmia una traccia sulla macchina a nastro (Ehi, ne avevano bisogno per quel pezzo di pianoforte) e fa spazio al centro. Gli altri residenti ai lati sono gli ottoni, molto in spirito Earth Wind And Fire che entrano per sollevare bene il ritornello. Sono abbastanza forti, più forti e più presenti delle voci, per esempio. Interessante, vero? Nota come non suonino nei due ritornelli alla fine e tornino solo, con una nuova parte, per il fading. Carino.
Un'altra caratteristica interessante di questa traccia è il lavoro di assemblaggio che sembra essere stato realizzato. Prima dell'editing digitale, il copia e incolla significava prendere le forbici a un pezzo di nastro e incollarlo di nuovo dove lo si desiderava. Deve essere vissuto per essere apprezzato (Prevedo molte meno bestemmie al tuo DAW dopo aver provato a fare un'editing su un master a nastro da 2 pollici).
Ascolta la prima intro (Quella prima che entra il groove del verso). Nota come i batteria suoni diversi (più scuri) e come le voci siano piuttosto diverse. Il mio sospetto è che questo fosse un altro pezzo della canzone (Probabilmente parte del ponte se ascolti il suono della chitarra, o magari un'altra canzone) e che sia stato mixato su due tracce come parte di un mix grezzo o finale. A un certo punto, qualcuno ha tagliato quella parte (Forse per aggiungere Stevie ai tasti solisti) e quel pezzo di nastro è stato recuperato e a un certo punto aggiunto come prima intro. Controlla il punto di taglio quando inizia il groove. Boom.
Un'altra divertente modifica è alla fine del primo intermezzo di ottoni. Controlla come la coda del riverbero si interrotta. Quello è un serio edit qui. Andrebbe bene oggi?
Un altro divertente dettaglio nerd può essere sentito verso la fine della traccia quando il ritornello si ripete e James Ingram entra con gli ad-lib. Controlla la parola ‘out’ in ‘Ain't nobody out there’. Che cos'è?? Voto per un punch qui un po' in ritardo (le macchine a nastro non avevano capacità di punch istantanee, erano un po' lente a volte e il punching era un'arte) e per un attimo hai sentito sia il take originale che il punch combattere per l'attenzione. Quindi ecco, pitch twirling 30 anni prima di T-Pain. Evidentemente hanno deciso di tenerlo perché non ritenevano che importasse. C'è una lezione anche in questo.
In generale, questa traccia è un tesoro di abilità. Ci vogliono diverse decine di ascolti per afferrare completamente la fonte del groove, la scelta molto insolita degli equilibri, la struttura folle e gli arrangiamenti vocali e per provare a collegarla con le molte, molte canzoni che sono state ispirate da essa dopo la sua uscita.
Altre tasche straordinarie dell'album sono ‘Betcha Wouldn’t Hurt Me’ e ‘Ai No Corrida’. Vale sicuramente $1.29 ciascuna.
Fab
