オリバー・シュネー：若き映画・テレビ作曲家の考え

はじめに

まず最初に、ここにいることが大変嬉しいと伝えたいと思います。そして、Puremixを尊敬し高く評価しています。なぜなら、いつでも成長し、学び、自分の技術を向上させる余地があると信じているからです。私は決して停滞したくありません。「全てを理解している」と主張する人間ではありません。何年も前に自分のエゴをドアの外に置き、才能ある人たちが彼らのわがままな態度で仕事を失うのを見てきました（控えめに言っても）。とはいえ、オーケストラ、弦楽器奏者、ホルン奏者、映画製作者、プロデューサー、エンジニアやミキサーと関わる作曲家やソングライター、レコードプロデューサーに、少しの知恵を共有できるかもしれません（もちろん、この知恵の多くは、自分自身や他人の失敗から学んだことです）。映画やテレビの作曲に興味があり、レコード用の弦楽器やホルンのアレンジにも関心がある方々に、サンフェルナンドバレー出身の四分の一ユダヤ人・ネイティブアメリカンのダークな男が書いたこの言葉を楽しんでもらえたら嬉しいです。さあ、さっそく記事を始めましょう。

この男は誰か？

ここが私の葛藤です - 自分について話すのは大嫌いで、単純に気持ち悪いのです。おそらく、スタジオビジネスで育ち、地球上で最悪のエゴイストたちを目の当たりにしてきたからかもしれません。あるいは、私のユダヤ人の血のせいかもしれませんし、または過去の功績を見て自らのエゴを高める代わりに、次のプロジェクトに目を向け、その過程でロールモデルや彼らのキャリアパスを見上げることを選んだのかもしれません。しかし、この文章を書いている私が誰かという文脈を読者に提供するために、少しだけ自分のバックグラウンドをお話しします。この業界の主なポイントは、忙しさとつながりを維持することです。そのためには、日の目を見なくても多くのプロジェクトをこなす必要があります。たとえ大物の名前がないプロジェクトでも、すべての経験から学べることがあります。私の最も良い教訓のいくつかはこのようにして学びました。私は、ロバート・ゼメキス（『フォレスト・ガンプ』、『バック・トゥ・ザ・フューチャー』、『キャスト・アウェイ』で知られる）、ヘレン・ミレン（『クイーン』、『ゴスフォード・パーク』、『モンスターズ・ユニバーシティ』で知られる）、ロバート・デュバル（『ゴッドファーザー』、『地獄の黙示録』、『ザ・ロード』で知られる）、デイビス・グッゲンハイム（『トレーニング・デイ』、『イット・マイト・ゲット・ラウド』、『不都合な真実』で知られる）、オスカー候補ジェームズ・フランコ（『127時間』、『スパイダーマン』、『ディザスター・アーティスト』で知られる）など、数々のアカデミー賞を受賞した映画製作者と協力して、いくつかの長編映画やプロジェクトのスコアを担当する幸運に恵まれました。また、ナショナルジオグラフィックとのプロジェクトや映画のスコアを担当する素晴らしい喜びがあり、すべてが非常に楽しく、やりがいのあるものでした - 私にとっての本当の夢が実現したのです。2018年には、ワーナー・チャペル・プロダクション・ミュージック用の音楽アルバムを作曲するために雇われ、素晴らしいユタ交響楽団をフィーチャーし、多くの映画、テレビ番組、広告でライセンスされました。最近のキャリアのハイライトは、アカデミー賞受賞映画製作者クリス・バック（『アナと雪の女王』、『アナと雪の女王 2』、『サーフズ・アップ』、『ターザン』で知られる）と力強くインスパイアするオーディオブックに密接に取り組むことでした。最近では、13回のグラミー賞受賞歴とピューリッツァー賞を受賞したアーティスト、ケンドリック・ラマーのために弦楽器のアレンジを依頼されました。この文章を書くとき、私はソニーに所属する素晴らしいアーティスト、キッド・ザ・バンドの弦楽アレンジを終えようとしており、今週の弦楽の日を非常に楽しみにしています！

私は、グラミー賞とエミー賞を受賞した映画作曲家であり、8回のオスカー候補でもあるジェームズ・ニュートン・ハワード（『ダークナイト』、『ハンガー・ゲーム』、『キング・コング』で知られる）と3年間過ごしました。ジェームズは本当に私を翼の下に迎え、多くの素晴らしいことを映画スコアリング業界、作曲、コラボレーション、映画スコアリングの心理学について教えてくれました。今日に至り、彼は私の最高のメンターの一人であり、今でも質問をし、アドバイスを求める友人であり、なぜかいつも私と卓球で勝負をしています（彼のサーブは素晴らしいです）。さらに、ジョン・パウエルやヘンリー・ジャックマンといった、他のトップの映画作曲家とも時間を過ごしました。これら3つの経験は非常に洞察に満ちていました。なぜなら、同じ仕事をしている3人の映画作曲家を見て、各々が完全に異なるアプローチをしていたからです。これにより、自分自身のスタジオでのやり方を形成することができました：これを採用し、あれを置き去りにするなど。それによって、私は自分自身の作曲家になり、自分の決定を下し、その理由を理解することができました。

プロとしての音楽作曲

音楽を作曲することはとても楽しいです。楽しんでいないなら、やばいです。もちろん、締切、修正、再書き、予算、そして「厄介な」人々との作業など、厳しい要求があります。しかし、もし音楽を生業にする特権があるなら、それを当たり前と思わないでください（私は説教しているつもりはありません）。そのことに感謝するように自分に思い出させてください。私も感謝しており、何度も自分の腕をつねってきたことにあざができています。

映画やテレビのスコアリングプロセスには、様々なアプローチがあります。とはいえ、通常は適切な人々と会うことから始まります。そこでは、お互いに自分たちが良いフィットかどうかを確認します。それから創造的なビジョンやアイデアについて話し、続いて予算やスケジュールなどのロジスティクスに移ります。次のステップは、私が脚本を読むか、ラフカットを見ることです。そして、全ての関係者が実際に進めたいと思うのであれば、スポッティングセッションを行います（これは本質的に、作曲家、監督、編集者、プロデューサーが一緒に集まり、どの部分に音楽が必要かを話し合う場です）。多くの場合、編集者や監督は、臨時スコアに合わせて映画を編集しています。残念ながら、クライアントが「デモ・イティス」に陥ることがあります。これは彼らが臨時スコアに恋をしてしまい、あなたの曲がどんなに素晴らしくても彼らを喜ばせることができない状態で、なぜなら彼らがその臨時スコアに何ヶ月も付き合ってきたからです。それでも、私は主題のメインテーマを書き、それが承認されると、急いでスコアを書くようにします。多くの場合、映画作曲家には60〜100分の音楽を書くための時間が与えられません。音楽の質に損なうことなく、速く作業できることは非常に重要だと思います。なぜなら、日々新しい情報が与えられ、最新のリールが送られてくるからです（「ピクチャーロック」が送られたとしても、笑）。さらに、残りの45分の音楽をまだ書いていないのに、求められた修正に費やす時間も必要です。そして、スコアはすべて特定の締切までに編曲、印刷、録音、ミキシングしなければならないため、ダビングの段階に間に合わせる必要があります。このプロセスは非常にダイナミックで、挑戦的かつエキサイティングです。ただし、このプロセスの中には私にとってあまり楽しくない部分もありますが、それは必要であり、それが人生です。個人的には、利点が欠点を十倍上回っています。

ストレスと作業量を軽減するために、アシスタント、オーケストレーター、コピーイスト、そしてもちろんエンジニアやミキサーといったチームを持つことを信じています。私が多くのスコアで共同作業した素晴らしい才能を持つオーケストレーターはコディ・マクベイです。私は彼を非常に推薦していますので、すぐに雇ってみてください。感謝されると思います。プロジェクトとその音楽ジャンルに応じて、私はそのジャンルに最も適したエンジニアを選びます。スタジオの予約やミュージシャンの雇い方にも同じことが言えます。映画と映画製作者のビジョンに奉仕することが最も重要だと信じています。結局のところ、彼らの映画なのですから。スコアをローファイで粗い音にしたいのであれば、そのことをエンジニアに伝え、監督のビジョンを満たすための技術について話し合います。音楽がもっとクリーンで伝統的であれば、そのこともエンジニアやミキサーに伝えます。情報が多ければ多いほど良いのです。エンジニアやミキサーにとって、これはスタジオの選択、マイクの配置、機材の選択、ミキシング技術/処理などに変換されます。

映画やテレビの作曲は、クライアントの知的ビジョンを音楽用語に翻訳することが多く、しばしば「このキューをメジャーキーで4/4にして」ということとは関係のない多くの会話を含みます。多くの監督は音楽の言語を知らないため、スコアを書く仕事だけでなく、自分自身も映画製作者として彼らの言葉を解釈する必要があります。このプロセスのステップに慣れていることが重要です。バンドではもっと簡単です。「曲はAメジャーで、テンポは115bpm、6/8で演奏します」というように。個人的には、映画スコアリングが楽しい理由の一つは、音楽を書く以外にこの追加の挑戦があるからです（特に最初は、白紙のページやコンピュータの空白のセッションを見つめている時には、誰にとっても難しいです）。だから、ロケットサイエンスではないにしても、時にはとても難しいこともあります。しかし、監督の知的なアイデアを音楽に翻訳する興奮は、シーンにも合ったもので、私にとって非常に満たされるし、意味があります。

ギグを得るための方法

私が話せるのは自分自身と自分の旅についてなので、誰かが「ギグを得る方法」を尋ねると、多くの方法がありました。まず、あなたが千回も聞いたことがあるかもしれないのは、人間関係です。それは子供の頃の友達、大学時代の友達、友達の友達、オンラインの掲示板などから来ることがあります。数年前、私はデートアプリを介して女性の音楽スーパーバイザーと連絡を取りました...何も起こりませんでした（双方とも、笑）。しかし、いつどこで誰かと出会うことができるかはわからないのです！私にとって重要なのは、連絡を作り、そしてその連絡が戻ってくるようにすることです。プロジェクトを得るための他の道にはマネージャー、エージェント、音楽スーパーバイザーが含まれます。1人の音楽スーパーバイザーが本当にあなたのキャリアを変える可能性があります。それは私にとっても同じことです。ジョエル・シル（音楽スーパーバイザーギルドの「レガシー賞」受賞者で、無数のアカデミー賞を受賞した映画や大ヒット作に関わっている）は私にとってその人でした。私がさらに美しいと感じたのは、私たちの間に本当の友情が生まれたことです。だから、映画や音楽の話だけではなかったのです。ジェームズのように、ジョエルは今でも私の偉大なメンターであり、親しい友人の一人です。彼が私を信じてくれたことと、私たちのコラボレーションからすべてが生まれたことに、深く感謝しています。

最後に、COVIDがハリウッドを閉鎖したことで（私個人としては、7つのプロジェクトがすべて「延期」（つまりキャンセル）となったのが72時間の間に）、私が創造的で忙しく、請求書を支払うためにしていたことは、レコードのための弦楽器やホルンのアレンジをたくさん行うことです。アルバムを作るのは高くつくことがありますが、映画を作るのはさらに高くつくことが多いです。レコードのために弦楽器やホルンを書くのが大好きな理由はいくつかありますが、そのいくつかは他の誰かの曲を扱うことと、ボーカルや歌詞を扱うことです（私は75%の時間、インストゥルメンタル音楽を書くことに慣れています）。これらのギグのいくつかは、信じられないかもしれませんが、ソーシャルメディアを通じて来ています。私はソーシャルメディアで大きなフォロワーを持っているわけではありませんが、発見したアーティストに連絡を取り、自分をアピールしたり、時には彼らが私を見つけてメッセージを送ってくれることもあります。次の瞬間、私は曲を書き、スタジオに行って録音をすることになります。人生はクレイジーです。私が言いたい底線は、オープンマインドを持ち、エゴを持たないことが重要であるということです。ギグはギグであり、金は金です。すべてのプロジェクトがアカデミー賞受賞者やグラミー賞受賞者と関わりがあるわけではありません。アパートのリースと録音スタジオのリースを支払うために、私は様々なプロジェクトに取り組んでいます。中には「魅力的」ではないものもあります。しかし、「魅力的」と言えるのは、家賃、車の保険、トイレットペーパー、食料品を音楽の仕事をしながら支払えることです。少なくとも私にとって、それが「魅力的」です。

作曲家がレコーディングエンジニアやミキサーに求めること

オーケストレーター、コピーイスト、ミュージシャン、指揮者と同じくらい重要なのが、レコーディングエンジニアとミキサーです。特に大きなオーケストラで作業する際に重要なのは、優れたエンジニアやミキサーの重要性と力です。一般的に、私は高価なNeve / SSL / APIコンソールやあらゆる豪華なマイク/機材を備えたAリストスタジオを持っていても、もしそこに何も知らない愚か者が座っているなら、たとえ100ドルの安物コンソールとすばらしいエンジニアの方がマシだと思います。最終的な結果は、より音楽的で音響的に魅力的です。はい、私はこれを自分の経験から厳しい方法で学びました。この場合、私は時には素晴らしいスタジオよりも適切なエンジニアに多くの費用を支払うことがあります。映画やテレビ番組の作曲家として、私は音楽チームを選ぶことができます。しかし、レコードプロデューサーが私をオーケストレーションやアレンジのために雇うと、彼らが望むエンジニアを使わざるをえません。これは理にかなっており、完全に公平です - 彼らがボスなのですから。話は変わりますが、私がアレンジを持ってスタジオに入った時に（実際には私が指揮をしなくても）、選ばれたマイクだけでなく、その設置に驚いたことがあります。再度言いますが、これは彼らのセッションであり、私が責任者ではないため、彼らの選択を疑問視するのは私の仕事ではありません。常に「自分の laneを守る」ことを心がけています。

オーケストラ録音の現実

オーケストラセッションに備えるために私が長年学んできた知恵のいくつかを挙げます：

スコアとパートにできるだけ多くの情報を記載し、演奏者から「ここではどのようなダイナミクスが必要ですか？」、「これは何を意味しますか？」、「ピッツィカートをいつ止めてほしいですか？」などの質問を無駄に問われないようにします。音楽表記を理解することは得意でないかもしれませんが、コピーイストを雇って、正確に何を求めているかを理解し、彼らにすべてを美しくラベル付けしてもらいましょう。
スコアを両面印刷し、4秒ごとにページをめくることがないようにします。
スコアをタブロイド（11インチ×17インチ）で印刷し、製本してもらいます。キンコスや印刷店に行くと、数ドルでやってくれます。
エンジニアのために余分のスコアを印刷します。なぜなら、何人かのエンジニアはダイナミクスや特定の楽器がより強調されているセクションを事前に目を通しておきたがるからです。
すべてのパートを演奏者の音楽スタンドに、録音する順序で置きます。
礼儀正しく、演奏者の音楽スタンドに2本の鉛筆を置いておきます（彼らは自分のものを持ってくることが多いですが、忘れることもあります）。やはり、些細なことが大事です。
スタジオに早めに到着し、当然ながらProToolsセッションを事前に準備します。10時のダウンビートの際、私は9時に到着するのが好きです。
スコアの小節番号がProToolsの小節番号と一致していることを確認します。
ハードドライブを持ってくるのを忘れないでください。
演奏者に対して事前や後に敬意を表します。彼らを怒らせたり不快にさせたりすると、それを知らせてくれます。75人の演奏者すべてに挨拶する必要はないと思いますが、彼らに自分がいることを知らせ、来てくれたことに感謝します。
コンサートマスターを親切に、そして謙虚に迎えます。本当に違いを作りたいのであれば、セッションが始まる直前に指揮者の壇上に立ち（たとえ、あなた自身が指揮するわけではなくても）、コンサートマスターを部屋に紹介してください - オーケストラは彼らに拍手を送ります。さらに、その後、エンジニアも紹介します。名誉あるエンジニアがセッションにいる場合、演奏者たちはプレイが美しくキャプチャされることを知り、余分に嬉しく思い、安心します。どんな小さなことでも違いを生み出します。
最後に、私の素晴らしい母から学んだ教訓は、部屋を出る際には、入る前よりも部屋にいる人々を気分よくするように努めることです。このビジネスは関係を基に築かれたものです。嫌な人にならないでください。この業界にはすでに十分な数の嫌な人たちがいます。

指揮者を雇うべきかどうか

熟練したプロの指揮者は、演奏者から最高のパフォーマンスを引き出し、セッションをタイムリーに進行させるのに本当に役立ちます。この場合、彼らは非常に価値があります！とはいえ、オーケストラの演奏者が関与するすべてのセッションに指揮者が必要とは常に思っていません。今日のオーケストラのセッションの演奏者は、クリックやトラックに合わせて録音することに非常に慣れているため、大コーラスの演奏者がいる場合でも指揮者は時として必要ありません。私の個人的な見解としては、小さなセクション、たとえば四重奏から11人の演奏者に関しては、深刻なテンポの変更がない限り、またはクリックに合わせて録音していない限り、指揮者は必要ないと思います。かなり前のことですが、私はイーストウエストで誰かのアルバムを手伝っていたとき、アーティストが弦楽器を指揮するよう求めました。それに対して私は「私はプロの指揮者ではないし、彼らはクリックとトラックに合わせて録音するのに全く問題ありません」と答えました。まあ、彼のセッションで彼の音楽なので、彼は6人の小さなセクションを自分で指揮することに決めました（彼は指揮をしたことがないと言ったのか、どうかは言及しましたか）。