소개
최근 몇 년 동안 "장르"에 대해 이야기하는 것이 점점 더 어려워지고 있음을 깨달았습니다. 다양한 영향, 하위 스타일 및 트렌드와 톤 간의 충돌, 그리고 빠른 속도가 결합되어 음악을 매우 난해한 존재로 만들었습니다. 그리고 부인할 수 없는 사실은: 음악가, 공연자, DJ, 프로듀서, 엔지니어 모두가 난해한 것에 매력을 느낀다는 것입니다. 음악의 끊임없이 진화하는 혼돈 속에서 전자 음악도 예외는 아닙니다. 제작 관점에서 볼 때, 이는 오래된 제작 체인에서 벗어난 장르 중 하나입니다. 아코스틱 악기의 부재는 여러 가지 병목 현상을 건너뛰는 것이 가능하게 만들었습니다. 예를 들어 라이브 드럼과 시끄러운 기타 앰프 추적은 좋은 스튜디오와 괜찮은 이웃이 필요합니다.. 또는 둘 다. 공원에서부터 지하 작은 저장소까지, 지하철부터 대학 기숙사까지, 당신은 누구나 전자 음악을 프로듀싱하는 사람들을 찾아볼 수 있습니다. 노트북, 드럼 머신, 휴대용 작업량 또는 심지어 태블릿을 사용하여 말이죠.
그래서 오늘날 우리에게 명백한 질문은:
오늘날의 전자 음악 프로듀서가 전문 스튜디오와 엔지니어가 필요할까요? 그렇다면 어떻게, 왜 그렇게 될까요?
전자 표본
씬에서 가장 어렵고 도전적인 점 중 하나는 그것이 변형되는 속도입니다: 레이블과 배급 그룹은 특히 EDM에서 시대를 앞서는 사람들에게 관심을 가지고 있습니다. 게다가, 모든 것이 최고 수준에서 시끄럽고 강력하며 베이스가 풍부하게 들려야 하므로, 그렇지 않으면 사라지게 됩니다. 이런 이유로, 대부분의 프로듀서는 마스터링 단계에서 마지막 결정을 내립니다: 이때 전문 스튜디오와 엔지니어가 구출에 나섭니다.
이 기사에서는 이탈리아 EDM 프로듀서이자 DJ인 가브리엘레 지우디치가 제작하고 제가 마스터링한 곡 "Shaggy"의 발전 과정을 따라가겠습니다.
예비 청취
요즘 EDM 프로듀서들에게는 마지막 믹스의 여러 버전을 저에게 보내는 것이 일반적입니다. 그들은 종종 완전히 인박스 작업을 하며 믹스 버스에 대한 선호하는 플러그인 체인이 있습니다. 그들은 마스터링 엔지니어가 최고의 시작점을 결정하게 하고 싶어합니다: 믹스 버스의 전체 처리 방식부터 전혀 처리하지 않는 방식까지 모든 중간 형태가 있습니다. 당신은 귀를 사용하여 결정해야 합니다. 시작 때부터 사용한 믹스 버스 체인을 우회하면 믹스가 완전히 해체될 수 있습니다. 반면에 일부 프로듀서는 최신 플러그인을 사용해 보려는 경향이 있어 지나치게 많은 것들이 추가될 가능성이 높습니다. 모두 운에 달려 있습니다. 이제 프로듀서에게서 받은 "Shaggy"의 다양한 버전을 들어봅시다. 한 가지 중요한 점은 제가 다른 클립 간의 게인을 맞추었다는 것입니다. 그래서 우리는 볼륨에 속지 않게 됩니다.
저는 버전 1.1을 선택했습니다. 다른 두 곡에 비해 이 곡의 트랜지언트가 더 깨끗하고 '베일'이 적다고 느꼈기 때문입니다. 차이점을 찾는 데 어려움이 있다면, 이렇게 해보세요: 모든 세 곡의 서브 베이스에 주의하세요. 버전 1.1에서 서브 베이스는 가장 뚜렷하지 않을 수 있지만, 질량이 있으며 극단에서 흔들리지 않습니다 (30-40Hz). 이 떨림을 들으려면 꽤 좋은 모니터링 환경이 필요하며, 제 경험상 서브우퍼는 항상 이러한 물의 특성을 정확하게 전달해 주지는 않습니다. 또한, 사이드 채널만 듣는 방법으로도 조사할 수 있으며, 당신의 발견이 동일할 것이라고 확신합니다. 이제 하나의 요소에 집중했으므로, 믹스의 앞뒤 행동에 주목해 주세요. 베이스와 킥이 떨어질 때, 깊이가 있는 것처럼 느껴지나요, 아니면 모두 같은 평면에 있는 것처럼 느껴지나요? 다른 소리를 '들어'보는 것은 한 가지입니다..예, 저는 세 가지 믹스에서 같은 소리를 들었습니다.. 하지만 그들이 느껴지는 방식은 같나요? 저에게 있어 버전 1.1은 가장 유기적이고 생동감 넘치는 느낌을 주었으며, 이러한 프로덕션에서 일반적인 디지털 홀로의 베일이 덜하다고 느껴졌습니다. 과도한 리미터나 지나치게 처리된 샘플 등이 빠르게 거친 소음을 발생시킬 수 있기 때문입니다.
참고 자료
또 다른 일반적인 요소는 프로듀서들이 어떤 기준을 주는 것입니다, 그들이 원하는 곡의 소리가 어떻게 들리기를 바라는지를 명시하기 위함입니다. 저는 EDM이 결과와 기준에 초점을 맞춘 것을 좋아합니다...예술적으로 도전적이고 매우 재미있습니다. 이 곡의 기준은 2016년 Confession 레이블에서 발매된 Malaa의 Notorious라는 'Future House' 곡이었습니다. 드롭 바로 전에 이 곡의 스니펫을 들어보고 마스터링해야 할 곡의 드롭과 비교해 봅시다. 다시 말하지만, 두 클립은 비교를 공정하게 하기 위해 게인이 맞춰져 있습니다.
"Notorious"는 Malaa와 Confession Records의 제공으로 등장합니다.
"Notorious" EP는 Beatport에서 찾아볼 수 있습니다.
마스터링 체인
제 작업의 첫 번째 단계는 마스터링 체인을 설정하는 것입니다. 저는 디지털과 아날로그의 하이브리드 방식으로 작업할 것입니다:
여기 마스터링 체인을 패치한 목록이 있습니다. 이해를 쉽게 하기 위해 잘 정리된 도식도 만들었습니다:
- Pro Tools의 스테레오 트랙
- D/A 컨버터 (Lavry Blue 4496)
- Dangerous Music Master
- A/D 컨버터 (Lavry Blue 4496)
- Pro Tools의 스테레오 AUX 트랙
- Pro Tools의 스테레오 오디오 트랙
이 구성은 저에게 극도의 다양성을 제공합니다. 저는 소스 트랙에 플러그인을 배치할 수 있으며, 그런 다음 아날로그 도메인에서 처리를 한 후 다시 디지털로 돌아와 출력 전에 다른 플러그인을 사용할 수 있습니다.
소스 트랙 작업하기
저는 소스 트랙을 기준에 맞추는 것으로 시작했습니다. 이 때 디지털 도메인은 훌륭하게 작용하여 무겁지 않은 발자국을 남기고 음색을 조정할 수 있습니다. 스펙트럼의 균형을 다시 맞추고 스테레오 필드를 관리하는 작업이 필요했습니다. 이는 Fabfilter Pro-Q 2와 같은 다용도 EQ 플러그인을 사용하여 선형 위상에서 달성할 수 있습니다.
일부 플러그인에는 "매칭" 기능이 있다는 것을 잘 알고 있습니다: 무언가를 듣게 하고, 다른 곡과 같은 소리가 나게 만든다고 하죠. 음, 저는 두세 번 시도해본 결과, 귀로 매칭하는 것이 항상 저에게 (그리고 고객에게) 더 좋다는 것을 발견했습니다. 아마도 수제 피자와 같은 태도 때문일까요! 두 번째 단계로, Pro-Q 2의 또 다른 인스턴스를 열어 미드-사이드 방식으로 작업하도록 설정했습니다. 저는 중간 대역에서 약 5k 부근에 존재감을 제공하고, 베이스에서 불협화음을 제거했습니다. 사이드 채널에서는 저주파 정보를 정리하고 10k 부근의 밝기를 제거했습니다. 이 과정은 기준에 더 가까워졌고, 우리가 할 무거운 작업을 위해 믹스를 준비시켰습니다. 불협화음을 줄이고 사이드 채널의 저주파 콘텐츠를 제거하는 것은 전자 음악에서 흔히 사용되는 일반적인 요령입니다. 노트: 저는 넘겨받은 하나 대신 저음대를 사용했습니다. 이는 비선형 위상에서 작업할 때 위상 문제를 피하기 위해 일반적으로 사용되는 방법이지만, 저음대는 사이드 채널에서 고주파 필터보다 정리하기 도와주는 경향이 있습니다. 다음 번에 비슷한 작업을 하실 때, 둘 다 시도해 보세요. 기억해둘 가치가 있는 요령입니다!
디지털 믹스를 준비하는 데 사용된 Fabfilter Pro-Q2의 두 인스턴스 (왼쪽에서 오른쪽)
아날로그 아웃보드 마스터링
이 프로듀서와 다른 마스터에 대해 작업한 경험으로, 그는 SSL 버스 컴프레서를 좋아한다는 것을 압니다. 이것은 거의 항상 그의 믹스에서 시작하는 곳입니다. 제 'SSL 스타일'의 버스 컴프레서는 몇 년 전에 수작업으로 제작되었으며, SSL 콘솔의 구형 버스 컴프레서를 기반으로 하였습니다.. 그리고 제가 자랑스럽게 가지고 있는 DBX 골드 칩이 있었습니다 (이것 또한 자랑스럽네요!). 세월이 지나면서, 최신 SSL 버스 컴프레서 버전 (THAT VCA 칩을 기반으로 제작됨)이 제가 찾고 있는 그 강한 맛과 현대적인 균형을 더 많이 제공한다는 것을 발견하여 또 하나를 구매했으며, 뒤돌아보지 않았습니다.
저는 4:1, 공격 1ms, 릴리스 오토, 사이드체인 없음의 설정으로 구성했습니다. 저는 SSL 특유의 마법을 느낄 때까지 임계값을 낮췄습니다. 압축기는 모든 것을 더욱 조여주고 강력한 느낌을 주는 단맛이 존재합니다. 그러나 강력한 중심이 측면에 비해 매우 강조되며, 이것은 강력한 킥을 사용하는 전자 음악에서 매우 중요하다고 봅니다. 왜냐하면 청중은 저음에서 오는 그 막대한 중심의 타격을 갈망하기 때문입니다.
만족스러워지면 장치에서 꽤 좋은 게인을 제공합니다. 왜 여기에서 게인 매칭 원칙을 깨고 있나요? 마스터링 작업의 일부는 곡을 "기준"과 같은 음량 수준으로 가져오는 것입니다 (예, 거의 "경쟁 수준"이라고 하는 걸 들을 수 있습니다). 디지털 도메인에서 볼륨 노브를 올리기만 하면 되지 않나요? 우리는 할 수 있습니다. 좋은 소리가 날까요? 제 경험상.. 그렇지 않습니다! 저는 아날로그 도메인에서 증폭하고 디지털 도메인에서는 거의 처리하지 않는 것을 좋아합니다. 좋은 아날로그 장비가 있다면 출력 노브는 아웃보드의 다른 기능만큼이나 소리의 일부가 될 것입니다. 예를 들어 이런 예제들을 위해, 저는 클립을 다시 게인 매칭했습니다. 그렇게 함으로써 압축기로부터 온 톤과 분위기에 집중할 수 있도록 했습니다.
그곳에서 저는 Dangerous Music Compressor로 들어갔습니다. 이것은 또 다른 VCA 컴프레서지만, SSL과 비교하여 매우 투명한 소리를 제공합니다. 저는 SSL에서 톤, 점착력, 분위기를 얻고, Dangerous Compressor는 20:1로 설정하여 가장 빠른 공격 (이 장치의 경우 1ms)과 박자에 맞춘 릴리스를 설정하고, 사이드체인 없이 Smart Dynamics 제어를 적용합니다. 이렇게 하면 프로그램 자료에 더 의존하게 만들어줍니다. 임계값을 VU를 살짝 스치는 정도로 설정하고 아마도 0.5/1dB의 압축만을 얻습니다. 이 과정은 전체 곡을 균형 있게 하고 A/D로 들어갈 준비를 시킵니다. 고객이 원하는 수준에 도달하기 위해 게인을 추가하기 시작했습니다. Dangerous Compressor는 프로그램의 색상을 변경하지 않고 많은 게인을 제공할 수 있는 장비라고 생각합니다. 마스터링 상황에서 매우 바라는 특성이죠. 그 후 Dangerous BAX EQ에 들어가, 36Hz에서 하이패스하고 28kHz에서 로우패스했습니다. 전자 음악의 다른 스타일에서는 36Hz에서 하이패스 하는 것은 너무 많습니다 (필터가 12dB/oct로 설정되고, 읽는 숫자는 이미 -3dB의 감쇠가 있는 지점을 나타내므로, 필터링이 지시된 숫자보다 더 높은 곳에서 시작하게 됩니다). 이 설정은 극저음의 균형을 회복하고 조여주는 데 성공했습니다 (제가 받는 트랙의 문제 중 가장 흔한 것은 룸 어쿠스틱이나 모니터링 부족으로 인해 발생하는 부분입니다); 두 필터는 또한 A/D 컨버터가 처리하는 데 유용하지 않은 극단적인 주파수를 제거하는 데 사용할 것입니다.
저는 A/D 스테이지로 들어가서 클리핑의 치명적인 죄를 저질렀습니다. 고백합니다: 저는 합니다.. 그리고 많은 마스터링 엔지니어들도 그렇게 합니다. 왜 그럴까요? 나쁜 걸까요? 피해야 할까요? 이론적으로 맞다는 것은 확실합니다. 클리핑이란, 음원에 존재해서는 안 되는 왜곡 및 기타 나쁜 요소를 도입하고 있다는 것을 의미하지만, 어떤 변환기는 클리핑을 처리하는 방식이 저에게는 훨씬 더 좋게 들립니다 다른 디지털 피크 리미팅과 비교할 때요.
마스터링 스튜디오는 제공하는 변환기의 범위를 크게 강조하는데, 이는 좋은 이유가 있습니다:
모든 것이 최고 수준은 아닙니다. 일부는 '정치적으로 올바른' 수준에서 매우 깨끗하고, 다른 일부는 독특한 색상을 가지고 있습니다 (대부분은 무색이어야 한다고 믿지만, 클리핑할 때는 청각적으로 왜곡되지 않습니다). 제가 위한 A/D 스테이지의 주목할 만한 예시로는 UA 2192 (아주 좋은 색상과 음장감이 있지만 중간 채널에서 너무 두드러지지는 않습니다), Apogee PSX (좋은 중간 구동력, 2192보다 좀 더 포커스됨), Lavry AD122 (클리핑될 때 가장 좋게 들린다고 생각합니다! 뭐 때문인지는 잘 모르겠네요!), Lavry 4496 시리즈 (다재다능한 작업 용도), Crane Song HEDD (깨끗하고 상세하지만 매일 클리핑할 것으로는 선택하지 않을 것 같습니다, 그러나 색조 조절을 위한 훌륭한 기능을 가지고 있습니다), Lynx Hilo (또한 매우 깨끗한 후보), Prism AD-1 또는 2 (모두 훌륭한, 다듬어진 음장감과 존재감) 등이 있습니다. 목록은 계속될 수 있으며, 아직 시도해보지 않은 많은 변환기가 있습니다.. 하지만 여러분에게는 그 의미를 잘 아실 것입니다.
모든 마스터링 세션에서 다른 아날로그 아웃보드 기기와 마찬가지로 변환기를 청음하는데, 최종 사운드에서 중요한 역할을 하기 때문입니다. Shaggy에 대해서는 Lavry 4496 D/A 및 A/D 스테이지를 사용하기로 결정했고, 제 Antelope OCX에 의해 외부 동기화되었습니다. 이 변환기는 모든 준비가 완료되어 있으며, 음량이 예상될 때 항상 저를 지탱해 주었습니다.
디지털로 돌아가기
이 시점에서 우리는 Pro Tools로 되돌아갔으며, 매우 시끄럽지만 여전히 기분 좋은 소리입니다. 여기에서 저는 디지털 리미터를 설정합니다. 곡의 콘텐츠와 스타일에 따라 A/D 클리핑과 디지털 리미터 간의 게인을 분배합니다. 어떤 경우에는 디지털 리미터가 1dB 더 하도록 하고 다른 경우에는 1dB 적게 하도록 합니다. 이번 경우엔 DMG Audio Limitless를 선택했습니다. 이 멀티밴드 리미터/압축기는 선형 위상에서 다양한 밴드를 조정하여 원하는 음량을 달성하고 필요한 경우 기준과 주파수 콘텐츠를 다시 맞출 수 있게 해줍니다. 매우 유용하며 프로그래을 완전히 파괴하지 않고도 높은 수준에 도달할 수 있습니다.
