배움의 정신을 살려서 음악 작곡 / 제작 / 믹싱이 수년간 어떻게 진화해왔는지를 연구해보면 재미있을 것 같다는 생각이 들었습니다. 사과와 오렌지를 비교하는 것이 어려운 만큼, 꽤 힘든 작업입니다. 현재의 곡들 중 30년 전의 곡들의 진정한 후손이라고 할 만한 곡은 거의 없습니다. 다행히도 가끔은 로빈 시크의 Blurred Lines와 Marvin Gaye의 Got To Give It Up처럼 유효한 비교가 가능한 기회가 생깁니다. 이렇게 아름다운 기회를 통해 진화 이론을 살펴보지 않겠습니까?
자, 먼저 선배 곡부터 시작하죠. Got To Give It Up. 1977년. Marvin Gaye는 자신의 음반사에 굴복해 당시 유통되는 디스코와 비슷한 곡을 녹음하기로 동의합니다.
물론 Marvin Gaye인 만큼 자신이 원하는 대로 하고, 소리는 전혀 디스코 같지 않습니다. 흥미롭게도 이 곡은 Marvin Gaye의 상징적인 군중 소리의 인트로로 시작합니다. 그리고 그루브가 자리 잡으면 Marvin이 팔세토 보컬로 등장합니다. 두 번의 보컬이 겹쳐져 있으며 항상 완벽하게 음이 맞지는 않다는 점에 주목하세요. 하지만 그건 전혀 문제가 되지 않습니다.
여기서 들어보세요:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/live-at-the-london-palladium/id904010634
Spotify: https://play.spotify.com/track/2VtnDXZeLMPWyVqD7FKtAQ
또한, 여기서도 들어보세요:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/blurred-lines/id667067143
Spotify: https://play.spotify.com/album/2qVN3yVtkrPT9YL7djTNwt
당시의 라디오에 적합했던 것도 매우 흥미롭습니다. 실질적인 후렴구도 없고, 기복도 없으며, 기본적으로 잼을 이루는 멋진 포켓과 그 위에 재밌는 보컬 라인, 그리고 배경에서 멈추지 않고 파티를 즐기는 사람들로 구성되어 있습니다. 기본적인 구성은 2개의 8마디 섹션이 붙어있는 형태입니다. 첫 번째 8마디는 하나의 코드에 머무르고, 두 번째 8마디는 전환 느낌을 제공합니다. 밴드가 연주하는 것을 면밀히 들어보면 흥미롭습니다. 이는 복사-붙여넣기와 쉬운 편집이 있을 수 없는 시대에 만들어진 곡이었음을 기억하세요. 1분 40초에서 누군가 B 섹션으로 넘어가는 것을 잊어버려 A B A B 형식이 깨지는 걸 주목하세요. 하지만 보컬은 계속 진행됩니다. 잠시 혼란이 오다가 '브릿지'에 이르고, 이는 조금 다른 분위기의 같은 포켓입니다. '파트 1' 버전에서 2분 30초 주변을 확인해보세요. 각자가 다음으로 넘어갈 신호를 기다리며 서로를 바라보고 있습니다. 즐겁습니다. 제목 가사가 들어있는 후렴 같은 구섯곡은 3분 20초 정도가 되어야 등장하며, 실제로는 아우트로에 해당합니다. 곡이 사라지며 끝나는 것에 유의하세요. 실제로는 11분 이상 길이의 라이브 버전에서 라디오 방송용으로 추출된 부분에 불과합니다. (페이드 끝에서 테너 솔로의 시작을 듣는 것을 잊지 마세요. 전체 버전은 궁금하신 분들을 위해 온라인에서 확인할 수 있습니다.)
눈에 띄는 점은 리듬 악기가 거의 같은 것을 연주하고 있지만, 무언가가 반복되지 않는 느낌이 있고, 모든 것이 연주되어 짜여진 느낌이 듭니다. 이 섹션을 윤곽짓고 무슨 일이 일어나고 있는지 이해하려면 집중해야 합니다. 정말 신기하죠?
대조적으로, Thicke의 트랙은 명확하게 구분되어 있습니다. Pharrell의 상징적인 더듬거리는 인트로로 시작하여, 구문-후렴-구문-후렴-브릿지-후렴의 표준 구조로 흐릅니다. 화성 구조는 두 개의 4마디 섹션이 붙어 있는 형태입니다. 변경되지 않습니다. 구문에서 후렴으로의 전환은 음악적인 내용이 아닌 보컬의 콘텐츠로 이루어집니다. 보컬과 음악이 함께 움직이며 때때로 일치하지 않는 Marvin 트랙의 정서와는 사뭇 다릅니다. 여기서는 기본적인 8마디 그루브가 결정되어 있고 보컬이 그 위에 흐릅니다. 청취자의 흥미는 드롭, 정지, 작은 보컬 개입, 여러 아티스트의 리드 부분이 공유됨으로써 유지됩니다.
Thicke 곡의 악기와 편곡은 Gaye 곡과 꽤 유사합니다. Gaye의 제작에서 영감을 받은 부분은 주목할만한 종의 캐뎅, 로즈 리드 성과 신스 베이스 느낌 등이 있습니다. 나머지는 표준 그루브 음악의 범주에 속합니다. 잘 구성되어 있습니다. 두 곡을 오가며 식별하고 두 곡 간의 정서적 차이를 배우는 것이 흥미롭습니다. Gaye 곡에서는 전체 곡을 통해 즉흥으로 연주하는 연주자들이 있으며, Thicke 곡에서는 명확하게 구분된 프로그램화된 부분이 반복됩니다. 확인해보세요. 시대의 징후입니다.
믹스 측면에서 Thicke 곡은 더 두툼하게 звуч입니다. 주로 베이스 드럼 때문입니다. 또한 모든 것이 훨씬 더 가까운 느낌이 듭니다. Gaye 곡과는 거리감이 느껴집니다. Thicke 곡은 우리 무릎 위에 올라와 있습니다. 두 곡의 레벨을 맞추고 비교해보는 데 시간을 가져보세요. 가장 좋은 방법은 두 곡을 DAW에 가져와 서로 교차 비교하는 것입니다. 우선 두 개의 베이스 드럼과 두 개의 신스 베이스를 비교해보세요. 현대 녹음은 훨씬 두꺼운 소리입니다. 그렇지 않나요? Thicke의 트랙은 요즘의 대부분의 라디오 성향 곡들에 비해 우아한 믹스입니다. Gaye 곡이 스피커에서 떨어져 흘러내리는 소리의 리본 같다면, Thicke 트랙은 더 펀치감 있고 더 역동적입니다. 마이크가 원본 소스보다 훨씬 더 멀리 떨어져 있어 공기와 자연적인 컴프레션이 만들어져 더 부드러운 톤을 만들어냅니다. 더 인상적이고 덜 현실적인 사운드입니다. 곡과 아주 잘 어울립니다.
리버브의 다양한 사용 방식도 흥미롭습니다. Thicke의 곡에서는 보컬에서만 리버브가 들리며, Marvin 곡에서는 드럼 세트를 제외한 모든 것에 잔향이 있습니다. Thicke의 곡에서는 리버브가 모든 것을 하나로 조합하는 믹싱 도구로 사용됩니다. Marvin의 곡에서는 각 소리의 질감의 일부로 쓰여집니다. 만약 건조했다면 그 정서는 전혀 달라졌을 것입니다. 아마도 Marvin의 Room에서 녹음된 당시에는 하나 또는 두 개의 EMT 플레이트 리버브만 있었을 것이므로 모든 것이 같은 가상 공간을 공유했으며, Thicke 곡을 믹스한 사람은 무한한 플러그인에 접근할 수 있었고, 각 악기에 맞는 공간을 맞춤형으로 디자인할 수 있었습니다.
이러한 세부 사항에 주목하는 것은 매우 흥미롭습니다. 특히 한 곡이 매우 명확하게 다른 곡에서 영감을 받았을 때 더욱 그렇습니다. 그것은 소리가 같은가요? 아니면 느낌이 같은가요? 또는 한 단계 더 나아가: 소리와 느낌이 같다고 느끼는 건가요?
오랜만에 Marvin 곡을 들은 후 Blurred Lines를 들으면 즉시 같은 곡이라고 생각될 것입니다. 그러다가 두 곡을 나란히 놓고 듣기 시작하면 얼마나 다른지를 깨닫게 됩니다. 정말 놀랍지 않나요?
어떤 곡이 어떻게 들리는지를 기억하고 즉시 참고 시스템에서 들어보며 인상과 현실을 비교하는 것은 매우 좋은 연습입니다.
저는 아티스트들과 많은 흥미로운 논의를 나눈 경험이 있습니다. 그들은 자신들의 음반이 반드시 비틀즈나 핑크 플로이드의 음반과 똑같이 들리기를 원한다고 주장했으나 ('그것들이 역대 최고의 소리를 가진 음반이니까'), 저희가 그 곡들을 비판적인 귀로 다시 듣게 되었을 때 생각을 바꿨습니다. 매력적인 순간들이었습니다.
그렇다면, 이런 연습을 통해 무엇을 배울 수 있을까요?
현실과 인식이 매우 다른 두 가지라는 것을 배울 수 있다고 느낍니다. 두 가지 모두 음악 제작 과정에서 매우 유효한 도구이지만, 오직 집중해서 비판적으로 듣는 것이 진정한 현실을 파악할 수 있게 해줍니다. 현실은 일이 급박할 때 유용한 자산이지만, 인식은 여러분의 감정적 마음의 기능으로, 항상 여러분에게 거짓말을 합니다. 전 애인처럼요. (그들과 함께하는 것이 즐거운 경험이 아니었다고 할 수는 없죠). 같은 원칙이 EQ, 컴프레서, 악기, 그리고 레드 와인에도 적용됩니다. 다음번까지 이를 되새겨봅시다.
건배,
Fab Dupont
