많은 현대 팝 음악은 시간이 지나도 잘 변하지 않습니다. 10년이 지난 후에 트랙을 들으면 ‘우와, 어떻게 저 드럼 소리/리버브/보컬 이펙트를 사용하면서 일관된 표정을 지을 수 있었지?’라고 생각하게 됩니다. 그러나 순수 팝 음악에는 시간을 초월하는 트랙들이 있습니다. Hella Good이 그 중 하나입니다. 이 곡이 나왔을 때, 저는 그것을 무한히 들었습니다. 아주 강렬하면서도 단순하지만 믿을 수 없을 만큼 까다롭습니다. Nelly Hooper 프로듀싱과 Spike Stent 믹스 덕분에 이 곡은 노벨 문학상을 수상한 곡은 아니지만 한동안 반복해서 들어야 할 필수품이 되었습니다. 게다가 완벽한 고음과 저음의 균형 덕분에 스피커와 공간을 체크하기에도 좋습니다. 저는 이 믹스로 많은 공간을 조율했습니다.
구조상으로 보면 꽤 간단합니다. 강렬한 드럼만으로 구성된 4마디의 인트로로 시작해, 짧은 리프 설명이 또 다른 4마디로 이어집니다. 그 후 16마디의 첫 번째 구절이 나오며, 느슨하게 2x8마디로 나뉘고 8마디의 후렴으로 바로 이어집니다(전주 없이, 신기하군요). 두 번째 구절은 16마디로 첫 번째 구절의 완벽한 거울입니다. 두 번째 후렴은 16마디의 더블 후렴입니다. 이후 8마디의 ‘기타 솔로’ 같은 부분이 이어지고, 다시 8마디의 재인트로/행가가 나타나며, 다시 16마디의 후렴으로 돌아옵니다. 마지막 후렴 뒤에 조금 속임수 같은 8마디로 나뉜 아우트로가 나오지만 실제 아우트로 전에 8마디 동안 그루브가 다시 돌아옵니다. 요약하자면: 8마디 인트로, 16마디 구절, 8마디 후렴, 16마디 구절, 16마디 후렴, 16마디 브리지, 16마디 후렴, 그리고 후렴을 형성하는 멋진 부분으로 16마디의 즉흥 연주, 즉 아우트로입니다. 마지막 후렴 이후 더 짧은 구조를 가질 수도 있었지만, 제 생각에는 No Doubt가 그 당시 라디오에 내보낼 힘이 있었기 때문에 그대로 밀어붙였던 것 같습니다. 왜 안 되겠어요?
여기서 들어보세요:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/rock-steady/id389763724
Spotify: https://play.spotify.com/album/5WDcpQeeTwQHknhFT8XnW6
프로덕션은 레이스처럼, 멀리서 보면 간단해 보이지만 가까이서 보면 매우 복잡합니다. 모든 것은 스트레이트 드럼 포켓과 인트로에서 드러나는 두 개의 보완 패턴의 상호작용을 기반으로 합니다. (가운데의 일렉트릭 베이스에 있는 것과 스테레오의 신스 패턴). 신스 리프는 곡 내내 안정적으로 유지되며, 기타 솔로와 브리지 부분을 제외하고는 변화가 없습니다. 2X16분 음표와 8분 음표 패턴이 트랙을 추진하고, 약간의 스윙 느낌을 제공하여 곡에 약간의 펌핑을 만들어냅니다. 일렉트릭 베이스가 그라울을 주고 코드의 윤곽을 잡습니다. 이 곡 전체에서 기본적으로 두 개의 코드가 있음을 알아차려보세요, 기타 솔로를 제외하고는요. 또한 후렴 리프는 기본적으로 구절의 베이스 리프의 확장된 형태입니다. 신스 리프는 그대로 유지되지만, 베이스 리프는 1박에 맞고 전체 후렴의 백본이 될 수 있도록 길어집니다. 베이스와 코드가 기본적으로 같고 드럼도 거의 동일합니다( 하이햇이 조금 열리지만), 후렴을 부풀게 하는 것은 모두 추가된 부분과 미세한 개입입니다.
트랙에서 다이나믹을 생성하는 기본적인 방법이 두 가지 있습니다. 첫째, 편곡에 포함된 정해진 수의 악기가 더 크게 또는 더 작게 연주되도록 하거나, 둘째, 편곡에 악기를 추가하거나 제거하는 것입니다. 이런 종류의 프로덕션 스타일에서는 개별 악기가 시간이 지남에 따라 강도를 변화시킬 여지가 거의 없습니다. 많은 루프와 특정 사운드를 가진 많은 특정 부분이 있어 한 지점에서 다른 지점으로 다르게 연주될 수 없습니다. 플레이어가 참여하더라도 더 프로그래밍된 샘플 접근 방식입니다. 그래서 그들은 곡이 진행됨에 따라 요소를 추가하고 제거함으로써 다이나믹을 생성했습니다. 다시 돌아가서 확인해 봅시다.
시작할 때 드럼만 있었고, 기본 패턴이 놓입니다. 그것이 프레임워크입니다. 구절에서 베이스가 목소리에 응답하고 그럴 때 스테레오 리듬 기타가 두 배로 하며 응답합니다. 그녀가 노래할 때는 베이스가 없습니다. 대신 첫 4마디 동안 왼쪽에 경쾌한 신스 부분과 두 번째 8마디에 나오는 ‘펑키타운’ 스타일의 신스 부분이 있습니다. 다운비트에서 열리는 필터가 있는 화이트 노이즈 신스를 확인해 보세요와 리프의 '지지' 역할을 하는 호흡 소리가 주위를 돌아다닙니다. 또, ‘아아악’이라는 효과로 사용되는 작고 소리나는 것이 있고, 두 번째 8마디 구간의 중앙에 리버브에 씻겨진 사각파 신스가 있습니다. 많은 요소가 있지만 혼잡하거나 여분의 느낌이 들지 않습니다. 매우 잘 블렌딩되어 있습니다.
이 첫 번째 구절을 몇 분간 반복해서 들어보고, 모든 작은 디테일에 정말 주의를 기울여 보세요. 그것들을 암기해 보세요. 다양한 형태로 다시 나타나며 그 방식이 흥미롭습니다.
첫 번째 후렴으로 이어지는 픽업에는 세 가지 필이 있습니다. 오른쪽의 Gwen의 ‘여기 와 봐, 여기 와 봐’, 왼쪽의 재밌는 리버스 기타 부분, 그리고 간단한 스네어 콜이 있습니다. 후렴의 활기는 그라울을 주는 신스 베이스가 베이스 리프를 두 배로 하며, 왜곡된 기타가 옆에서 동일하게 작용하고, 멀티 트랙 보컬과 보컬 응답이 있습니다. 왼쪽의 지속적인 16분 음표 신스도 있습니다. (이 첫 번째 후렴의 왼쪽 하이햇 패턴에 주의하세요). 초기 에너지의 폭발은 왼쪽의 새로운 경쾌한 신스 부분에 의해 강화됩니다. (아우트로의 끝에서 그것의 다양한 부분을 해부한 버전에서 후렴의 다양한 부분을 분석하기가 더 쉽습니다) 효과가 ‘푸이오’라고 하면서 4번째 마디 4번째 비트에서 스네어를 두 배로 합니다. 디테일이 어떻게 생각하시나요? 흥미롭게도 후렴의 분위기의 많은 부분은 드러머가 8비트 하이햇에서 4비트 하이햇으로 전환하는 것에서 생성됩니다. 멋진 움직임입니다. 확인해 보세요. 마지막으로 후렴과 두 번째 구절 사이의 부드러운 전환을 제공하는 내려가는 사운드 효과에 주의하세요. 교묘합니다.
두 번째 구절은 첫 번째 구절의 카본 복사본입니다. 흥미롭게 만들기 위해 더 많은 디테일과 귀에 감기는 소리를 도입했습니다. 예를 들어, 두 번째 마디의 드럼 필, 여덟 번째 마디의 말하는 보컬, 열두 번째 마디의 추가 소음, 그리고 열여섯 번째 마디의 ‘오 오 오’가 그렇습니다.
같은 리버스 기타 리프가 두 번째 후렴의 도입에 사용되지만 왼쪽의 하이햇 패턴이 다르다는 점에 주목하십시오. 그리고 같은 위치에 있는 더 큰 지속적인 시퀀스 신스도 있습니다. 내려가는 신스가 8박에서 턴어라운드를 생성합니다. 중간에 새로운 하이햇이 들어오며 다른 패턴이 있습니다. 더 많은 디테일, 더 많은 귀에 감기는 요소가 있지만 동일한 포켓입니다. 좋은 점은, 아주 주의 깊게 살펴보면 이 후렴에서 하이햇이 첫 번째 후렴보다 약간 더 열려 있다는 점입니다.
기타 솔로는 항상 저를 놀라게 했습니다. 어떤 이유에서인지 트랙의 나머지 부분에 비해 작게 느껴졌지만 그 이유를 기억해 본 적이 없습니다. 제가 생각하는 첫 번째 이유는 드러머가 열린 하이햇 소리로 전환하여 전진하는 것을 늦추기 때문입니다(아마도 의도적으로). 스테레오 신스도 멈춰 있습니다. 베이스 패턴은 훨씬 단순한 것으로 바뀌고 모든 것을 끌어내립니다. 굉장히 노래하는 듯한 분위기가 됩니다. 이런 곡에서 브리지의 선택은 흥미롭습니다, 특히 다음 섹션이 모든 작은 프로덕션 요소를 보여주고 - 우리가 다시 후렴에 도달하기 전에 - 거기에서는 아무것도 새로운 것이 없습니다. 당신과 저 사이에서는 비슷한 상황에 처한 적이 있었습니다. ‘누가 브리지를 쓰는 걸 잊어버렸고, 지금 가지고 있는 파트로 하나 만들어 보자, 고마워’ 증후군이라고 합니다.
마지막 후렴에서는 왼쪽의 하이햇과 신스가 이제 모두 일치하여 안정적인 것을 주목하세요. 물론 여기에저기에 더 많은 작은 소음이 있습니다. 그리고 하이햇이 브리지와 마찬가지로 크게 열려 있습니다. 트랙을 DAW에 불러오고 다양한 후렴을 정렬하기 위해 잘라내는 것이 좋습니다. 비교하기가 쉬워지기 때문입니다. 그 매직이 거기 있습니다.
공간적으로 보았을 때 킥과 스네어의 매우 전형적인 SSL 콘솔 컴프레서와 게이트 사운드가 눈에 띕니다 (샘플이 아닐까 의심합니다). 개별 드럼은 콘솔 프로세싱으로 잘려나가지만, Spike는 그 주위에 약간의 공간을 추가했습니다. 그 일관성이 매우 강하여 전자적 공간이라고 생각합니다, 방 마이크가 아닌. (프로그래밍된 하이퍼 스테레오 심벌즈도 보통 그 속임수의 단서입니다) 보컬이 없기 때문에 아우트로 후렴에서 그들을 주의 깊게 들어보세요.
곡의 진행에 따라 '젖은 소리와 마른 소리'를 어떻게 연주했는지 듣는 것도 가치가 있습니다. 매우 세련되었습니다. 보컬은 매우 미세한 홀과 약간의 지연이 있지만 멜로디 신스는 뚜렷한 꼬리를 가지고 있습니다. 중간의 신스는 리버브에 씻겨 있지만 드럼은 기본적으로 마른 상태이며 동일한 공간의 방향으로 분위기를 제공합니다. 앞뒤 깊이가 인상적입니다. 대비가 핵심입니다.
트랙의 스펙트럼 품질은 완벽하며 마스터링에 의해 너무 눌리지 않습니다. 대부분의 '하단의 지방'이 베이스에서 나오는 것과 베이스 드럼의 펀치에서 나오는 것임을 알아차리세요. 이는 전형적인 '팝 믹스'의 고정관념과 다릅니다.
이것이 지금까지 가장 훌륭한 사운드를 가진 팝 트랙 중 하나라고 생각합니다. ‘Angel’(역시 Spike Stent가 믹스한)을 참고 폴더에 두어야 합니다. 아마도 30번 듣고도 매번 다른 디테일을 들을 수 있을 것입니다. 그것이 이 곡의 핵심입니다. 다면적인 디테일. 이 트랙을 함께 만들기 위해 매우 많은 시간(정말 많기도 하고)과 믹싱 시간이 소요되었을 것이라고 기대합니다. 이런 것들은 단순히 발생하는 것이 아닙니다. 전자적 요소와 유기적 요소가 조화를 이루는 믹스가 얼마나 뛰어난지를 보여주는 좋은 예입니다. Rock Steady 음반에는 다른 놀라운 곡들도 있습니다. Nelly Hooper 작품과 Sly and Robbie 작품이 환상적입니다. 강력 추천합니다.
Fab Dupont
