작사 아델 아드킨스 & 그레그 커스틴
프로듀서 그레그 커스틴
믹스 톰 엘므히르스트
마스터링 톰 코인
최근 음악 산업에서 변화가 끊임없이 일어나고 있다는 사실이 mainstream 뉴스로 보도되었습니다. 지난 20년 동안 바뀌지 않은 것이 거의 없습니다: 노래가 작성되는 방법, 음반이 제작되는 방법, 소요되는 시간, 배급되는 방법, 구매되는 방법, 듣는 방법 등등… 변하지 않는 것은 거의 없습니다.
그러나 변하지 않는 몇 가지 세부 사항이 있습니다: 훌륭한 가수는 훌륭한 가수입니다. 훌륭한 노래는 훌륭한 노래입니다. 그렇다면, 당신과 저는 최소한 한 명의 훌륭한 가수와 훌륭한 노래를 가진 사람이 제자리를 잡지 못한다는 것을 알고 있습니다. 맞죠? 훌륭한 재능이 적절한 인정을 받지 못하고, 그들의 노래를 쓰고 공연하며 decent한 삶을 살지 못하는 모습을 보는 것은 답답한 일입니다. 당신도 알다시피, 우리는 라디오에서 그들이 연주하는 형편없는 음악보다 훨씬 낫다고 생각하잖아요. 그렇지 않나요?
문제는 훌륭한 가수와 훌륭한 노래가 음악 산업의 피할 수 없는 비즈니스 필터를 통과하기 위해서는 그 이상이 필요하다는 것입니다. 네트워크가 필요하고, 작가, 프로듀서, 그래픽 디자이너, 콘서트 프로모터, 비디오 감독 등 다양한 사람들로 구성된 팀이 필요합니다. 각자 자신의 네트워크가 필요하고, 음악 산업 내외의 무작위 결정권자와의 우연한 만남도 필요합니다. 지루한 반복을 견디려는 의지, 자신의 예술을 더럽지 않게 돈벌이하기를 원하고, 다음 10년 혹은 15년 동안 하루 몇 시간만 자려는 의지도 필요합니다. 그리고 다시 한 번 기술적으로 말하자면, 정말 대담해야 합니다. 많은 대담함이 필요합니다. 모든 인재의 재정적 삶이 자신의 결정에 따라 결정될 때, 자신의 길을 고수하는 것은 쉽지 않습니다. 많은 사람들이 그 압박감에 지치고 무너졌습니다. 하지만 아델은 그런 것이 아닌 것 같습니다.
‘Hello’는 어떻게 히트했나?
제 생각에 아델의 새로운 싱글은 발표되기 전부터 이미 성공을 거두었습니다. 누군가가 이 ‘Hello’라는 노래의 세계적인 확산 속도에 대해 주목했나요? 이 글을 쓰는 현재 기준으로 ‘Hello’는 발표된 지 정확히 30일이 되었습니다. 그것은 발표된 24시간 이내에 음악 산업의 다음 큰 사건으로 주목받았습니다... 유튜브에서요. 그리고 이어서 일주일 만에 백만 건의 디지털 판매를 기록했습니다. 어떻게 그런 일이 가능할까요? 저는 세상이 아델의 새로운 노래가 발표되기를 그리워하며 기다리고 있었던 것 같지 않다고 확신합니다. 사람들은 보통의 일상을 살아가고 있었고, 그때 갑자기 이와 관련된 모든 사람이 'Hello'를 들어야 한다고 느끼게 만들었습니다. 그리고 그 효과가 있었죠. 당신은 새 싱글과 올바른 마케팅 예산으로 그렇게 할 수 있나요? 아마 아닐 것입니다. 단순히 노래와 예산으로는 부족합니다. 이 Overnight 성공은 사실 아델의 경력에서 수년간의 쌓임의 정점입니다. 그렇다고 해도 이 노래가 왜 이렇게 훌륭한 마케팅 전략에 적합했는지를 자세히 살펴보는 것이 흥미롭다고 생각합니다.
첫 번째로, 이 곡은 발라드입니다. 뭐라고요? 전 세계적으로 성공하기 위해서는 경쾌한 곡이 필요하다고 생각했는데요. 마지막 A&R 회의에서 그런 말을 듣지 않았나요? 저도 그런 이야기를 들었습니다만, 또 어떻습니까?
두 번째로, 이 곡은 거의 5분 길이입니다. 아, 하지만 3분 30초가 넘어서는 안 된다고 하던데요, 잘릴 것입니다. 하지만 그렇지 않았습니다.
세 번째로, 이 곡의 대부분에 적절한 드럼이나 진정한 타악기가 없습니다. 그렇긴 하죠.
어쨌든 상관없었던 것 같습니다. 신기하네요.
곡 구조
구조적으로, ‘Hello’는 멋진 화음의 움직임이 가미된 클래식 발라드입니다. 인트로는 2마디 길이로, 노래의 대부분을 구성하는 화음 구조를 보여줍니다. Fm Ab Eb Db. 이후에 대칭적인 두 개의 8마디 구간으로 이루어진 긴 구절이 시작됩니다. 생각보다 꽤 긴 편입니다. 첫 번째 후렴이 나오기 전까지 듣는 사람이 1분 6초를 기다리게 만듭니다.
그런 다음 프리코러스가 나옵니다. 4마디 길이로, 이 곡이 주 화음 구조에서 벗어나는 첫 시점입니다. 당신이 다른 것을 생각하려던 바로 그 순간에 뇌를 깨워줍니다. 화음은 구절 및 후렴 화음과 매우 유사하여 Fm Eb Cm Db으로, 색깔이 달라질 만큼의 차이를 제공합니다 (그 시퀀스의 Cm 은 약간 ‘Time after Time’ 느낌을 줘서 재미있습니다).
또한 그 리듬에서 점선 4분음표, 8분음표가 반으로 연결되는 패턴에서 벗어나는 유일한 시점이기도 합니다. 둘 모두의 프리코러스 3마디에서 하모닉 리듬이 점선 4분음표, 8분음표가 4분음표에 연결되는 것으로 바뀌는 것을 주목해보세요. 반면 반악센트를 위해서는 바뀐 리듬 패턴이 1마디의 첫 비트에서 들어올 것으로 기대할 수 있었기 때문에, 4마디에서 Db 화음이 들어오는 것은 아주 효율적입니다. 이는 놀라움을 생성하고 약간의 쾌감을 주며 다음 마디를 5/4 마디처럼 느끼게 만들어서 후렴의 시작을 지연시키고 극적으로 만듭니다. 매우 영리하고, 간단하며, 매우 멋집니다. (10분 시간을 내어 프리코러스를 학습하고, 3마디에서 그 작은 비트 4 트릭을 사용하여 양쪽 모두에서 연주해 보세요, 어떤 것이 더 감정적으로 들리는지 확인해 보세요)
이후 후렴이 나오며 구절의 화음 구조와 구조를 거울처럼 보입니다. 같은 자료 위에 새로운 멜로디가 더해졌지만 마치 새로운 것처럼 크게 느껴집니다. 이후 곡 시작 부분과 똑같은 인트로가 다시 나오고 새로운 구절이 이어집니다. 두 번째 구절은 8마디로만 되어 있으며, 처음처럼 2X8이 아니라며 곡의 진행을 돕습니다. 또 다른 16마디 구절이 이 템포에서는 다소 우울할 것이라고 느껴지지 않았을까요? 아니면 그녀가 말할 것이 부족했을까요? 추측하기 어렵습니다. 그리고 두 번째 프리코러스와 두 번째 후렴이 나오는데, 이는 처음의 것들과 거울처럼 일치합니다.
브리지는 8마디로, 프리코러스 화음에 기반하면서 후렴과 동일한 배열로 구성됩니다. 그런 다음 16마디 후렴으로 돌아가며 아웃트로가 인트로를 의미하는 멋진 리버브 효과가 있는 마지막 피아노 화음으로 끝납니다.
간단하고, 우아하며, 만들기 어려운 구조입니다.
악기 제작
제작적으로 보았을 때, 특별한 것이 많지 않습니다. 아델의 음반에서 들어본 많은 요소들의 조합입니다. 피아노 소리는 꽤 훌륭합니다. 저음과 고음 사이에 너무 많은 분리가 없이 아주 스테레오하게 만들어졌습니다. 잘 만들어졌고, 특히 전체 노래가 피아노와 보컬의 상호작용을 기반으로 하고 있다는 점에서 더욱 그렇습니다. 이 트랙의 리버브 작업에 주목하는 것이 매우 흥미롭습니다. 제작 단계에서 이루어진 것인가, 믹스 단계에서 이루어진 것인가? 분명히 알기 어렵지만, 이 곡은 너무 sparse하여 보컬 리버브가 사실상 첫 번째 구절과 프리코러스에서 세 번째 악기로 작용합니다. 첫 번째 ‘Hello’에서 어떻게 접촉되는지, 두 번째 ‘Hello’는 첫 번째 구절의 두 번째 8마디 시스템의 상단에서 얼마나 다른지 확인해보세요. 멋지지 않나요? 추가된 딜레이와 그 처리 소리를 들을 수 있습니까?
보컬 사운드는 매우 압축돼 있습니다. 꽤 압축되어 있지만 충분히 느리게 공격하여 자음의 세부 정보와 작은 후크가 그녀가 말하고 있는 내용을 듣게 만듭니다. 다만 두꺼워야 할 것입니다. 그럴 이유가 있을 것 같습니다. 한번 보죠.
작사에 대한 사이드 노트. ‘Hello’에 대해 이야기해보죠. 아델과 그레그 커스틴이 라이오넬 리치의 노래를 들어보지 않았다고 생각하지 마세요. 그들은 들었습니다. 그들은 그 노래를 알고 있습니다. 그 구절을 썼습니다. 처음에는 우연한 영감이었을지도 모르지만, 그들은 분명히 ‘이걸 해볼 수 있을까?’ ‘좋은 아이디어일까?’ ‘우리가 질책받지 않을까?’ ‘감히 할 수 있을까?’라는 질문을 했을 것입니다. 그리고 나서 그들은 괜찮다고 결정했습니다. 저는 이를 ‘매크로 두운’이라고 생각합니다 - 여러 곡에서 참조되는 훅/사운드로, 몇 개의 구절에 국한되지 않고 있습니다. 이를 성공적으로 해내기 위해서는 자신만의 독창적인 훌륭한 곡을 많이 썼어야 했지만 그들은 해냈습니다. 서브 별명으로 또 다른 흥미로운 부분은 그녀가 ‘California Dreaming’이라고 노래할 때 발생합니다. 버튼을 누르는 것 같습니다. 그렇지 않나요? 그러나 처음 몇 번은 ‘Hello’ 구절이 불안하게 느껴집니다, 비슷한가요? 라이오넬은 어떤 기분일까요?
프리코러스에서는 첫 번째 새로운 악기가 등장합니다. 광택 있는 패드와 같은 것인데요. 그리고 브리그 전에는 역으로 재생되는 피아노/보컬 패드 레이징이 있어 1973년이 아님을 상기시킵니다.
후렴은 구절의 두꺼운 버전일 뿐이며, 필수적인 단일 페달 노트가 현악기 위에 높게 올려져 있습니다. 후렴이 시작될 때 보컬이 사라지거나 공간에서 멀어지지 않도록 주목하세요. 그녀가 힘껏 부르고 있었고 마이크는 아마도 자비를 갈구했을 것입니다. 누군가가 미리 계획을 세워서 구절의 보컬 사운드와 후렴의 보컬 사운드가 일치하게 만들었습니다. 후렴이 옥타브 높고 많은 음이 뒤섞여 있으며, 구절은 낮고 친밀하여 많은 공간이 있기에 이게 얼마나 힘든 작업인지 알 수 있습니다. 이것은 구절의 보컬 사운드가 가능했던 것보다 더 절제된 이유를 잘 설명해 줍니다. 그들은 모든 순간 동안 최고의 소리보다 더욱 고른 보컬 사운드를 선택했습니다. 첫 번째 구절의 첫 부분에서 약간의 에너지 폭발을 들을 수 있습니다. 예를 들어 전체 첫 번째 구절에서 이 색채가 있었다면 좋았을까요? 당신은 어떻게 생각하나요?
특히 드럼 소리도 주목할 점입니다. 이런 감정적인 발라드에서 맛있는 드럼을 만드는 것은 매우 어렵습니다. 이 노래는 치즈가 엄청나게 강합니다. 커스틴은 드럼의 저주파 필터를 적용하여 비트의 에너지만 남도록 하였습니다. 집에서 이걸 시도해보세요, 재미있습니다: 기본 비트를 프로그래밍하고 Filterfreak 또는 유사한 것을 적용하여 낮은 주파수 포인트를 선택하면, 땡! ‘Hello’ 드럼이 됩니다. 우리가 당신이 찾고 있던 것이었나요?
프로듀서 그레그 커스틴은 첫 번째 후렴에서 베이스 드럼만 사용했지만 두 번째 구절과 두 번째 후렴에서 풀 드럼 패턴에 동일한 필터링 기술을 사용했습니다. 드럼의 필터는 마지막 후렴 이후, 브리지 이후에 에너지를 더욱 끌어올리기 위해 열립니다.
이 드럼에서 세분화가 거의 없다는 것을 인지하세요 (하이햇은 없으므로 서로 연결되지 않은 것처럼 보입니다). 대신 두 번째 후렴의 중간 부분에서 조용히 나오는 전자 16분 음표 패턴이 등장합니다. 그것은 심벌즈와 다운비트 드라마로 인해 붙잡히기까지 몇 마디가 걸리지만, 실제로 존재하며 브리지에서도 잘 이어집니다. 그것이 어떻게 들어오는지 분석해 보세요.
그 외에도 나머지 배열은 곡이 진행됨에 따라 동일한 부분을 두꺼운 소리가 추가됩니다. 즉, 추가적인 보컬 외에는 새로운 두드러진 부분은 없고, 동일한 것을 연주하는 소리만 늘어나는 것입니다. 후렴에 추가 패드, 마지막 후렴의 다운비트에서의 튜블러 벨, 후렴에서도 사용되는 리버브가 많은 기타 노트를 유지하는 것이 있습니다. 최후의 후렴 2부의 비트 2에서 엄청나게 큰 스테레오 박수 소리와 같은 여러 작은 멋진 세부 사항이 있지만, 또 다른 주요 테마나 아르페지오의 신선함은 없습니다. 정보 없이도 큰 크레셴도입니다.
보컬 제작
여기 보컬 제작은 클래식 아델입니다. ‘Rolling In The Deep’와 같은 이전 싱글을 연상시킵니다. 그녀는 두 번째 프리코러스까지 혼자 부르다가 첫 번째 화음이 3마디에서 나옵니다. 그리고 두 번째 후렴에서 그녀는 리드라인 사이의 빈틈을 채워 주제 단어를 반복하는 백그라운드 보컬로 두 배의 리드라인에 더 두께를 주었습니다. 특별히 새롭지는 않지만 진지한 레이어링과 아이디어 재활용입니다.
브리지는 “Ah Ah Ah” 백그라운드 보컬로 이루어져 있으며,브리지에 아껴두었던 새로운 부분이 되어 브리지를 다리처럼 느끼게 만듭니다. 이 노래에서 처음으로 리드가 없어요 - 잘 필요한 휴식입니다.
마지막 후렴은 보컬적으로 새로운 부분이 없지만 나머지 배열과 보조를 맞추어 더 많은 것이 반복됩니다. 항상 리드를 지원하는 백그라운드 보컬의 레이어가 더 많아집니다 (듣기 어렵지만 그것은 존재합니다), 대답에 대한 더 많은 더블 트랙 등… 보컬에 초점을 맞추고자 하는 의도가 있었다면, 이 제작은 아델의 공연에서 주의를 분산하기 위한 것을 최소화함으로써 그것을 달성합니다.
믹스
믹스 측면에서, ‘Hello’는 이전의 피아노/보컬 히트 곡 ‘Someone Like You’보다 확실히 나아 보입니다 (모든 자존심 있는 수익 분배를 하지 않는 스트리밍 소매업체에서 참조 가능합니다), 드럼 + 베이스 시스템의 최하단에 대해 빠짐없이 주목하는 것이 흥미롭습니다. 베이스 라인 위의 모든 것이 얼마나 정의되어 있고 부드러운지에 비해, 드럼 + 베이스 시스템은 상당히 덜정의로 흐리게 보입니다. 확인해 보세요. 이 트랙은 사실상 아래쪽이 없습니다. 왜 그럴까요?
추측할 수 있을지라도, 이런 필터링된 드럼은 두툼하고 정의하기 어려워져서 전체 믹스가 히파스(High pass) 쪽으로 미끄러져 확실히 펀치력이 없습니다. 이제 이러한 노래에서 펀치력이 필요할까요? 일반 대중의 반응에 따르면 그렇지 않은 것 같습니다. 항상 취향과 우선순위 문제입니다.
당신은 다르게 어떤 선택을 했을까요? 이 트랙에 베이스가 있나요, 아니면 여기에서 그들이 한 것처럼 피아노 연주자의 왼손에 베이스를 맡기겠습니까? 마지막 후렴을 위해 중간에 베이스 드럼 샘플을 추가하시겠습니까, 아니면 그들이 한 것처럼 비어 두시겠습니까?
당신은 그것을 좋아하나요? 네? 훌륭합니다.
아니요? 성공적이기 때문에 좋아해야 합니까? 누가 옳나요?
좋은 질문입니다. 물어봐 주셔서 감사합니다.
답을 떠올리실 동안 20분의 시간을 내어 이 곡을 3~4회 듣고 이 곡을 즉각적인 세계적 지배를 위한 훌륭한 생산으로 만드는 모든 작은 후크를 적어보세요. 명령하는 보컬 성능을 넘어서서, 사람들이 지루함 없이 이 곡을 반복해서 듣게 만드는 모든 작은 미세한 세부 사항을 주목해보세요. 그러나 처음 비트부터 마지막 비트까지 어떤 식으로든 어지럽혀지지 않도록 하세요.
다음에 뵙겠습니다.
팹 듀퐁트
