생산 효율성에 대해 이야기해봅시다.
현대 대중 음악에서 무엇이 일어나고 있는지 주의를 기울여왔다면, 리한나의 "Only Girl In The World"라는 곡의 전후가 있다는 것을 눈치챘을지도 모릅니다. 아니요? 여러분 스스로에게 물어보세요. 처음으로 팝송에서 후렴구에 풀 드럼 비트가 들어간 것을 들었던 것이 언제였나요? 생각해 보세요. 맞아요. 이제 그것을 얼마나 자주 듣고 있나요? 모든 다른 노래에서요. 논의해 봅시다.
요즘 팝송이 쓰이는 방식은 대부분 사람들이 생각하는 것과 정반대인 경우가 많습니다. '비트'라 불리는 음악에서 시작하고, 이후 멜로디와 가사가 추가되며, 종종 비트를 만들어낸 사람이 아닌 다른 사람에 의해 이뤄집니다. 종종 곡은 제목이 붙거나 보컬이 들어가기 전에 완성되거나 믹싱됩니다. 그러고 나서 노래의 보컬은 누가 이 곡을 자신의 앨범에 넣는지에 따라 나중에 넣어집니다. 이 과정은 멜로디와 음악이 분리되거나, 음악의 성격 때문에 이상한 전환이 생기거나, 보컬이 제대로 맞지 않는 기묘한 믹스 같은 문제를 야기할 수 있습니다. 그러나 때때로 그것이 잘 어우러지기도 합니다. "Only Girl In The World"는 순수함, 효율성, 그리고 미니멀리즘에 대한 교훈입니다. 스타게이트, 샌디 비가 프로듀스하고 필 탄이 믹스한 이 곡은 단순하면서도 강렬한 완벽한 균형을 이룹니다.
여기서 들어보세요:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/loud/id458437339
Spotify: https://play.spotify.com/track/3YJlTDtUXu1sGh8lunblkG?play=true&utm_source=open.spotify.com&utm_medium=open
구조적으로 보통의 구절과 후렴구, 브릿지의 조합으로 이루어져 있지만, 구조가 당시에는 신선한 생산 도구로 활용됩니다. 인트로와 구절은 정확히 같은데, 구절에서는 인트로에 없는 베이스 라인을 추가하는 것 외에는 별 차이가 없습니다. 구절 5마디 이후의 멜로디는 모드 변경을 암시하지만, 매우 미묘하고 그 아래에서 아무것도 변하지 않기 때문에 질문 없이 흐르는 느낌을 줍니다. 아르페지오의 최면적인 느낌을 깨지 않고 변화를 허용하는 좋은 방법입니다 (리한나의 멜로디가 기본 코드와 무관하게 어떤 모드를 제안하는지 알아보세요).
구절의 프로덕션이 얼마나 간결한지 주목해 보세요: 킥, 스테레오 클랩, 쉐이커, 시그니처 신스 아르페지오, 그리고 사각형 비트를 부드럽게 만드는 중간의 작은 짜릿한 소리입니다. 하이햇도 없고, 쉐이커 외에는 어떤 세분화도 없습니다. 그럼에도 불구하고 그루브가 있습니다. 아르페지오와 그 지연은 구절의 포켓의 근본입니다. 간단하면서도 강렬합니다.
그리고 그 일이 일어납니다: 후렴구에서 비트가-drop 아웃, 전체 8 마디 동안. 기다리세요! 아니요! 16 마디! 리한나의 레이블의 마케팅 및 라디오 팀에게 이 아이디어를 밀어낼 수 있는 만큼의 권력이 든 것은 모르겠지만, 누군가는 그렇게 할 수 있는 힘이 있었습니다. 첫 번째 후렴구의 다운비트에서 비트를 떨어뜨리면 거대하게 들립니다. 모두가 예상하는 8 마디 대신 16 마디로 드롭을 연장하면 다른 세계처럼 들립니다. 이것은 클래식 댄스 음악의 지연 드롭 기술이지만, 팝 라디오 노래에서는 이렇게 된 적이 없습니다. 8 마디 동안 제로, 베이스 드럼도, 베이스도 없이 있다가 드럼 앤 베이스 스타일의 비트가 들어옵니다. 그러나 여전히 아무 바닥이 없고, 큰 순간이 찾아옵니다. 그리고 노래는 몇 주 동안 차트의 정점에 유지됩니다 (사람들이 그 느낌을 계속해서 느끼고 싶어하기 때문입니다. 여러분이 시도해보지 않았다면, 클럽에 있는 사람들이 이런 일에 반응하는 모습을 지켜보는 것은 매우 교육적입니다. 다음 트랙을 제작하기 전에 시도해보세요. 프로덕션 기술의 영향을 직접 체험하는 것은 왜 좋은 DJ들이 팝 음악 프로덕션 현장에서 정점에 도달했는지를 설명하는 이유입니다).
'깨진' 후렴구와 풀 형태의 후렴구 간의 질감 차이를 주목해 보세요. 깨진 후렴구에서는 모든 것이 수평적으로 느껴지고, 모든 것에 꼬리가 있으며, 모든 것이 정지해 있습니다. 16 마디 후 다시 비트가 들어올 때, 패드 같은 것은 버려지고, 베이스는 음색이 변화하여 구절의 두 배로 풍부해집니다. 그리고 베이스 드럼에 의해 사이드 체인되어 앞으로 나아가는 모션이 생깁니다. 악기는 드럼, 베이스, 사각파 신스, 보컬 외에는 거의 없습니다. 이곳에서 가장 큰 상승은 비트를 다시 소환하고, 동시에 생산에서 '수평적인' 모든 것을 잃는 조합입니다. 각 기술은 혼자서는 같은 효과를 내지 못했습니다. 제작자들의 일반적인 경향은 뭔가를 높이기 위해 큰 것을 추가하는 것입니다. 무엇인가를 제거하는 방안을 생각하는 사람은 드물죠. 이 팀은 그렇게 했습니다. 그리고 잘 해냈습니다.
만약 분석적으로 접근하고 싶다면 (제대로 하세요, 맞죠?), 후렴구는 프리 후렴구와 후렴구의 역할을 모두 합니다. 동일한 코드 구조와 아예 다르게 배열된 멜로디가 서로 이어서 플레이됩니다. 잠시 생각해 보세요. 구조상의 토핑을 생산 도구로 사용하는 훌륭한 사례입니다. 정말 효과적입니다.
두 번째 구절은 첫 번째 구절을 완벽하게 복사하여 붙여넣은 것입니다. 구절의 드문드문함과 후렴구와의 stark contrast 덕분에 여전히 신선하게 느껴집니다. 아르페지오가 다시 돌아올 때까지 우리는 그 갈망을 이미 해소한 상태입니다. 아무도 지루해 하지 않는 한, 왜 채널을 바꿀까요?
그리고 또다시 일이 일어납니다. 두 번째 후렴구에서 비트가 다시 빠져나갑니다. 분명히 고위층에서 일부 추가 회의가 있지 않았을까 싶습니다. 여기서의 천재는 첫 번째 후렴구를 정확히 미러링하지 않고, 비트가 처음 기대했던 것처럼 다시 들어온다는 점입니다. 그러나 처음 속았으니, 그때는 놀라움으로 더 높은 상승감을 줍니다. 매우 똑똑한 접근입니다. 구조를 하나의 전체 후렴구만큼 줄이고 16 마디 후 브릿지를 들여옵니다 (첫 번째 프리 후렴구/후렴구 시스템은 24 마디입니다). 기만, 기만… 다시, 구조가 생산 도구로 사용되어 복사 붙여넣기된 부분을 통해 청취자의 여정을 형성하는 데 도움을 줍니다. 절대 지루해지지 않습니다.
브릿지는 더욱 미니멀합니다. 유리즘의 "Sweet Dreams"에 대한 멋진 참조가 있습니다. 베이스 드럼과 사이드 체인된 베이스 신스, 그리고 스트링과 같은 패치로 멜로디를 섬세하게 강화합니다. (저는 멜로디가 최초로 비트를 들었을 때 이미 비트의 일부분이었던 부분에서 유래되었을 것이라고 생각합니다.) 주목할 점은 첫 번째 후렴구 9 마디에서 풀베이스 드럼에 대한 갈증을 막아주던 드럼 앤 베이스 비트가 중간에 다시 들어와 브릿지를 지속하는 데 도움을 준다는 것입니다. 또한 브릿지 후에는 후렴구가 즉시 들어온다는 것을 주목하세요 (없던 깔린 정화결처럼, 브릿지가 이미 그걸 제공했습니다).
노래에서 단 한 번만 나타나는 유일한 부분은 마지막 두 후렴구의 첫 번째 라운드 이후에 등장하는 멋진 신스 하이 노트입니다. 이것은 마지막 후렴구와 애드립 파트를 연결해주는 공통된 실로 작용합니다 (후렴구 생산 위에 간단하게 유지하기 위해). 또한 3.56의 노래 길이를 주목해 보세요. 비슷한 노래보다 약 30초 더 깁니다 (특히 그 당시에는). 그들은 3.30에서 노래를 매우 쉽게 끝낼 수 있었지만, 그 팀은 애드립 태그를 추가하기로 결정했습니다. 아마도 트랙이 훌륭하게 느껴져서 그대로 재생될 것이라고 확신했기 때문일 것입니다. 매 후렴구의 끝에 있는 멋진 화음 진행과 함께 시원한 차가운 엔딩도 제공합니다. 더 바랄 게 뭐가 있을까요?
이 노래에서 또 하나 재미있는 부분은 드럼 필이 없다는 것입니다. 전환은 brute force로 끝납니다, 예를 들어 후렴구와 구절 사이에서 또는 큰 스테레오 '우후'를 통해 (매번 재사용됨). 감각적이고, 매끄럽고, 보컬에 방해가 되지 않고 일을 잘 수행합니다. 사실, 노래를 특별하게 만드는 몇 가지 Sound-effect 같은 부분들이 있습니다. 짜릿한 소리가 전체 그루브를 형태 잡습니다 (구절과 후렴구 부분의 차이를 한 번 확인해보세요. 중간에 있으면 박자를 주면서 클랩을 연주합니다). 또한 브릿지의 다운비트에서 큰 폭발음이 들릴 때 (주목해보세요, 나중에 재사용됩니다). 또한 다양한 리버브와 딜레이가 보컬에 적용되어 드문드문한 악기 공간을 메우는 방식을 듣는 것도 좋습니다 (브릿지가 더 쉽습니다). 조정이 간단하도록 설계되었지만, 매번 듣고 나면 새로운 보물이 발견될 것입니다. 절대로 지루해지지 않습니다.
모든 예술 형태는 자신의 미니멀리즘 맛을 가지고 있습니다. 이 노래는 팝 음악의 훌륭한 예입니다. 구조의 경제성, 생산 요소의 재사용, 트랙 수의 단도 등이 모든 것이 매우 잘 이루어졌습니다. 상위 수준에서 음악 산업의 필터를 통과하기란 쉽지 않습니다. 나는 많은 뮤지션들이 라디오에서 듣는 음악을 비난하는 것을 듣고 그것은 공정하게 많은 의문이 드는 트랙들이 매일 재생되고 있습니다. 그러나 "Only Girl In The World"와 같은 노래가 등장할 때, 이는 이를 가능하게 한 비범한 기술과 비전을 인식하는 것이 중요합니다.
자주 듣고 장시간 들어보세요. 이 트랙에는 모든 스타일의 프로덕션에 대한 교훈이 있습니다.
Fab Dupont.
