이 믹스체크는 과거를 떠올리게 합니다. 80년대 초, 환상적인 Quincy Jones는 The Dude라는 솔로 앨범을 출시했습니다. 그 당시 그는 40대 중반이었고, 뮤지션과 프로듀서로서 이룰 수 있는 거의 모든 것을 이루었으며, 다음 해에 마이클 잭슨의 스릴러 앨범을 프로듀싱하면서 더욱 전설이 될 것이라는 사실을 전혀 알지 못했습니다.
당시에 A-Team의 노력 결과를 분석하는 것은 매우 흥미롭습니다 (Quincy, Bruce Swedien, Michael Jackson, James Ingram, Stevie Wonder, Rod Temperton, Patti Austin, Louis Johnson, John Robinson, Greg Phillinganes, Paulinho Da Costa, Michael Boddicker 등등…) 그것을 오늘날의 미학과 비교하는 것도 흥미로운 일입니다. 이러한 기록들이 현대 음악에 미친 영향, 차용된 세부사항 및 빼앗긴 아이디어를 목격하는 것도 매혹적입니다.
The Dude는 앨범의 두 번째 트랙입니다. 첫 번째로 주목할 점은 그 길이입니다: 5.38분. 요즘에는 드문 일입니다. 이 앨범이 테이프와 콘솔에서 만들어졌다는 점도 기억해 두세요. 그 당시에는 그루브 편집이나 많은 조정을 할 수 있는 도구가 없었습니다. 모든 효과는 하드웨어 세트였으며 아마도 다양한 트랙에서 공유되었고, 더 중요한 것은 여러분이 듣는 모든 것은 실제로 그렇게 연주되었다는 것입니다. 즉, 드러머, 베이스 플레이어 그리고 키보드 연주자는 전자적 도움 없이 이렇게 좋게 느껴질 무언가를 연주할 수 있었습니다. (그래서 그 시대의 연주자 크레딧을 읽으면 동일한 이름이 반복되는 이유입니다. 그 팀을 고용했다면, 힘들이지 않고도 그루비한 앨범을 만들 수 있었습니다). 또한 키보드 연주자는 전 곡을 통해 그 워럴리처 리프를 연주했으며, 루프나 비슷한 것은 없었습니다. 이 점을 염두에 두고 전체 트랙을 들어보며 우리가 발전했는지 아니면 그렇지 않은지를 되돌아 보세요.
여기에서 들어보세요:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-dude/id353173
Spotify: http://open.spotify.com/track/77y6skfj4H6MyZz5ZO5eIy/a>
특이한 구조와 섹션의 자유로운 해석에 주목하세요. 두 개의 인트로가 있으며, 모든 구절은 두 개의 서브 구절로 구성되어 있고, 다양한 형태로 여러 번 등장하는 기악 브라스 브레이크가 있습니다. 후렴은 노래되거나 기악 또는 둘 다일 수 있으며, 다리는 Stevie Wonder의 키보드 솔로로 여성 합창 리프에 끼어 있으며, 그 뒤에 애드립이 이어집니다. 라디오 방송에 적합한 구조라고 보긴 어렵습니다.
구절은 여성 합창으로 시작되고, 이후 James Ingram이 그의 부분을 노래합니다. 매번 3번째 구절을 제외하면 부드럽게 시작하는 없이 들어옵니다 (4번째 구절 직전에 합창이 브리지처럼 노래하지만 다른 부분입니다). 3번째 구절은 1b와 반복되지만 브라스 브레이크를 지나지 않고 바로 후렴으로 갑니다.
노래 구조
- 인트로. (기타 및 필)
- 인트로 2 (구절 그루브 포함)
- 구절 1a (여성 합창)
- 구절 1b (James Ingram)
- 브라스 브레이크
- Quincy의 랩 구절
- 백 보컬 리드가 있는 후렴.
- 재인트로
- 구절 2a (여성 합창)
- 구절 2b (James Ingram)
- 브라스 브레이크 2
- 랩 구절 2
- 후렴 (리드 보컬 대신 알토 색소폰 포함)
- 브리지 같은 보컬 리프.
- 키보드 솔로. 고마워 Stevie.
- 브라스 브레이크 3 (이전보다 두 배 길게)
- 브리지 같은 보컬
- 리프 다시
- 구절 3 (James Ingram)
- 후렴과 백 보컬, James Ingram의 배드 어드립으로 응답하는 후렴
- 후렴 기악, 애드립 및 백 응답 포함
- 페이드
주의 깊게 듣지 않고 그냥 들으면, 그렇게 정교하게 느껴지지 않지만, 그것은 항상 발전하고 있습니다. 그래서 대부분이 하나의 코드 포켓이지만 후렴을 제외하고도 흥미롭습니다. 누가 알았겠습니까?
재미있게도, 이 곡을 계속 듣게 만든 음악적으로 흥미로운 다른 세부사항은 느슨한 악기 파트입니다. 그들은 파트가 있지만 연주자들은 이것을 해석하고 즉흥적으로 리프와 장식을 추가합니다. 이는 우리가 거의 완전히 잃어버린 복사-붙여넣기 시대에서는 찾아보기 힘든 것입니다. 또한 드럼 포켓에 집중하는 것은 매우 깨우치는 경험입니다. 전체 균형은 실제로 카우벨에서 나오는데, Paulinho Da Costa는 곡의 거의 모든 4분의 1 박자에서 중간 크기의 카우벨을 연주합니다 (가서 확인해 보세요, 기다릴게요). 그가 멈추면 곡의 전체 움직임이 정지합니다. 놀랍지 않나요? (가끔 그는 자신이 살아있고 건강하다는 것을 보여주기 위해 8분의 1 박자를 연주하는 것을 들을 수 있습니다. 카우벨과 스네어 플램 소리도 몇 번 들을 수 있습니다). 또한 저는 인트로와 브리지에서 슬랩 베이스 리프를 강조하기 위해 한 번만 두 번 오는 큰 스테레오 피아노 저음도 좋아합니다. 이 트랙에서 피아노와 함께 뭐가 더 결합되었을지 궁금해지네요. 또한 당시에는 박수를 실제로 사람들로 하여금 치게 했다는 점을 기억하세요. 글로는 쉬워 보이지만, 올바른 그루브로, 박수 사이에 조용히 돌아가게 하면서 적절한 소리가 나도록 많은 뮤지션을 동원하는 것은 쉽지 않습니다. (샘플 대신 다음 곡에서 시도해 보고 엽서를 보내주세요) 그들은 그루브와 소리 모두를 완벽하게 해냈습니다. 그들이 트랙 상단에서 경량하게 존재하는 방식을 주목하세요 (더 적은 사람들이 박수를 치고 있습니다) 하지만 후렴을 위해 불어넣습니다.
그 자리에서 후렴을 연구하는 것도 좋은 방법입니다. 리드, 백 보컬, 브라스, 키보드 리프 및 슬랩 베이스 간의 카운터포인트 마스터리를 연구해 보세요. 이는 세밀하게 작성되고 편곡된 부분으로 완벽한 실행을 보여줍니다.
다른 주목할 만한 세부사항은 구절의 응답에 보코더를 사용했다는 것(30년 전 Daft Punk)과 Quincy가 트랙에서 랩을 한다는 사실입니다. 이건 1980년대 경으로, 랩은 겨우 뉴욕에서 나왔고, 기본적으로 주류 스타일이 아니었습니다. 퀸시가 이러한 뮤지컬 트랙에서 랩을 시도한 것은 대담한 일이었습니다. 그의 경력을 통해 퀸시 존스가 음악 트렌드에 얼마나 민감했는지를 보여줍니다.
음향적으로, 첫 번째로 느껴야 할 점은 그리 풍부하게 들리지 않는 것입니다. 그렇지 않나요? (Massive Attack의 Angel이나 Jay-Z의 Tom Ford와 같은 더 현대적인 트랙과 비교해 보세요, 그리고 이야기해봅시다).
왜 그럴까요? 진짜 악기가 사용되고 있으면서, 바닥을 속이는 특수 효과가 사용되지 않아서입니다 (그것들은 존재하지 않았거나 초기 단계에 있었습니다). 진짜 킥 드럼은 808 킥처럼 느껴지지 않을 것입니다, 기술을 사용하지 않는 한. (리허설 룸에서 드러머에게 가서 들어보고 보고하세요. 퍽 퍽 퍽).
그 당시에는 이 트랙처럼 베이스 기타가 킥보다 더 두껍게 만들어지는 것이 일반적이었습니다. 실제 악기로부터 나오는 소리였습니다. 참고로 베이스가 얼마나 큰지에 주목하세요. 둥글고 고른 이 소리가 곡 전체의 중심이 됩니다. 아마도 이는 그 팀이 기대했던 것 중 가장 두껍게 들리는 트랙 중 하나였을 것입니다. 통제된 연주, 압축 및 라이딩의 심각한 조화로 인해 베이스 소리가 매우 크게 들리게 되었습니다. 베이스와 킥 드럼 간의 관계를 주목하세요. 현재의 믹스와는 매우 다릅니다. 그 관계는 아마도 반전될 것입니다.
또한 후렴 부분에서 박수 소리의 볼륨이 얼마나 큰지와 톰이 플레이될 때 얼마나 얇은지에 주목하세요. 모든 것이 시간적으로 인식된 톤이지만, 믹스의 미학적 선택을 완전히 이해하기 위해서는 Auratones와 같은 작은 스피커에서 믹스를 들어보는 것이 중요합니다. 그 스피커들에서는 모든 것이 이해가 됩니다. 심지어 바닥 소리도요. 만약 Bruce Swedien이 오늘날 믹스를 했다면, 매우 다르게 들릴 것입니다. (아마도 Auratones에서는 여전히 좋을 것입니다)
레벨에 대해 이야기할 때, 보컬 레벨에 주목하세요. 후렴 보컬에서는 특히 주목을 끌고 있습니다. 현대 기준에 비해 얼마나 겸손하게 들리는지 주목하세요. 거의 하나의 기악 부분처럼 들립니다. 리드에 응답하는 여성 합창도 마찬가지입니다. 대부분의 보컬은 꽤 뒤로 밀려 있습니다. 랩은 조금 더 크게 들립니다. 여기에 리버브도 있습니다. 재미있고 요즘 잘 들리지 않는 부분입니다. 사실 대부분의 보컬은 긴 플레이트 리버브를 공유하고 있으며, 박수 소리, 알토 호른 및 리드 기타도 포함되어 있습니다. 아마 EMT140일 것입니다. 확인해 보세요. (또한 가능하다면, 믹스를 모노로 들어보면서 리버브가 많이 사라지는지 주목해 보세요)
기타는 꽤 얇게 유지되며, 으르렁거리는 리프와 겹치지 않게 бок도되도록 옆으로 이동합니다. 심지어 인트로나 브리지의 준 솔로처럼 스테레오 파트조차도 정말 모노 테이크이며 짧은 딜레이가 반대 방향으로 배치됩니다. 이는 넓은 소리를 가능하게 하고, 테이프 머신에서 트랙을 절약하며 (헤이, 그들은 그 피아노 부분을 위해 필요했어요), 중앙에 공간을 만듭니다. 측면의 다른 거주자는 브라스이며, Earth Wind And Fire의 정신을 잘 표현하면서 후렴을 멋지게 끌어올립니다. 이들은 예를 들어 보컬보다 꽤 크고, 더 많이 들리고 존재감이 있습니다. 흥미롭지 않나요? 그들은 마지막에 두 개의 후렴 부분에서 연주하지 않고 페이드 부분에 새로운 파트로만 돌아옵니다. 깔끔하네요.
이 트랙의 또 다른 흥미로운 특성은 조립의 작업이 있었던 것으로 보입니다. 디지털 편집 이전에는 복사 및 붙여넣기가 즉석에서 테이프의 조각을 자르고 원하는 곳에서 다시 붙이는 것을 의미했습니다. 이는 체험해야만 감상을 할 수 있습니다 (2인치 테이프 마스터에서 편집을 시도한 후 DAW에서 욕설이 훨씬 줄어들 것이라고 예상합니다).
첫 번째 인트로를 들어보세요 (구절 그루브가 들어오기 전의 인트로). 드럼 소리가 어떻게 다른지 (더 어두운 느낌입니다) 보컬이 어떻게 다른지 주목하세요. 제 추측에는 이 부분이 노래의 다른 부분이었다고 생각합니다 (아마 다리의 일부, 기타 소리를 들어보면) 혹은 또 다른 노래였을지도 모릅니다. 그리고 두 트랙으로 믹스되면서 거칠거나 최종 믹스의 일부로 사용되었던 것 같습니다. 어느 한 시점에서 누군가 그 부분을 잘라냈고 (아마 Stevie를 추가하기 위해), 그 테이프 조각이 구입되어 어느 시점에는 첫 번째 인트로로 추가된 것 같습니다. 그루브가 시작할 때 잘린 지점을 확인해 보세요. 붐.
첫 번째 브라스 브레이크의 끝에서 또 다른 재미있는 편집이 있습니다. 리버브의 꼬리 부분이 그냥 잘리는 방식이죠. 그건 정말 심각한 편집입니다. 오늘날 괜찮을까요?
트랙의 끝부분에서 후렴이 반복될 때 James Ingram이 애드립으로 들어오는 부분에서 흥미로운 디테일이 있습니다. ‘Aint nobody out there’라는 문장에서 ‘out’을 주목해 보세요. 그게 뭐죠?? 저는 약간 늦은 펀치를 지지합니다 (테이프 머신은 즉각적인 펀치 기능이 없습니다. 가끔씩 느리게 반응했고, 펀치는 예술의 한 형태였습니다.) 잠시 동안 원래 테이크와 펀치가 각기 주목을 끌기 위해 싸우는 소리를 들을 수 있습니다. 그래서 나왔습니다. T-Pain보다 30년 전의 피치 트윌링이죠. 그들은 그것이 중요하지 않다고 느꼈기에 선택한 것 같습니다. 그 안에도 교훈이 있습니다.
전반적으로 이 트랙은 기술 세트의 보물창고입니다. 그루브의 출처, 매우 특이한 균형의 선택, 그리고 광란의 구조와 보컬 편곡을 완전히 이해하기 위해서는 수십 번의 청취가 필요합니다. 그 결과, 그에 영감을 받은 수많은 노래들과 연결해 보세요.
앨범의 다른 멋진 포켓은 ‘Betcha Wouldn’t Hurt Me’와 ‘Ai No Corrida’입니다. 각각 $1.29의 가치가 있습니다.
재미있어요
