Muita música pop moderna não envelhece bem. Você ouve faixas 10 anos depois e pensa 'Eca, como puderam usar esse som de caixa/reverberação/efeitos vocais e continuar com uma cara séria?'. Mas há faixas na música pop pura que transcendem o tempo. Hella Good é uma delas. Quando saiu, eu a ouvi um trilhão de vezes. Era tão cheia e tão simples, mas incrivelmente complicada ao mesmo tempo. A produção de Nelly Hooper e a mixagem de Spike Stent fizeram dessa canção não ganhadora do prêmio Nobel de Literatura uma obrigatória para ouvir em loop por um tempo. Além disso, é ótimo para testar caixas de som e ambientes, por causa do seu equilíbrio perfeito entre agudos e graves. Eu afinei muitas salas com essa mixagem.
Estruturalmente, é bem simples. Começa com uma introdução poderosa, só de bateria, de 4 compassos, seguida de uma rápida afirmação do riff por mais 4 compassos. Então vem o verso 1, que tem 16 compassos, quebrado de forma solta em seções de 2x8 compassos, direto para um coro de 8 compassos (sem pré-coro, veja só). O verso 2 é um espelho perfeito do verso 1 com 16 compassos. O coro 2 é um coro duplo com 16 compassos. Depois há uma espécie de ‘solo de guitarra’ por 8 compassos e então uma reintrodução/permanência por mais 8, voltando para 16 compassos do coro. Há um enganador final de 8 compassos, mas então o groove volta por mais 8 compassos antes do verdadeiro final. Então, em resumo: 8 compassos de introdução, 16 compassos de verso, 8 compassos de coro, 16 compassos de verso, 16 compassos de coro, 16 compassos de ponte, 16 compassos de coro e, finalmente, 16 compassos com as partes legais que tornam a canção, também conhecido como final. Eles poderiam ter tido uma estrutura mais curta após o último coro, mas acho que a No Doubt tinha influência na época para empurrar isso para o rádio, como estava, então fizeram. E por que não?
Ouça aqui:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/rock-steady/id389763724
Spotify: https://play.spotify.com/album/5WDcpQeeTwQHknhFT8XnW6
A produção é como renda, parece simples à distância, mas é muito intrincada quando você olha de perto. Tudo se baseia na interação do pocket de bateria reto e os dois padrões complementares que são revelados na introdução. (Um no baixo elétrico no meio e um no sintetizador em estéreo). O riff do sintetizador permanece constante durante a canção, exceto pelo solo de guitarra e a parte da ponte. Os padrões de notas 2X16 e 8 ajudam a impulsionar a faixa e fornecem a referência para a leve sensação de balanço que faz a faixa pulsar. O baixo elétrico dá o growl e contorna os acordes. Observe que basicamente há dois acordes em toda essa canção, exceto pelo solo de guitarra. Também note que o riff do coro é basicamente uma versão expandida do riff do baixo no verso. O riff do sintetizador permanece o mesmo, mas o riff do baixo entra no batida um e é prolongado para ser o suporte de todo o coro. Como o baixo é basicamente o mesmo, os acordes são os mesmos, as batidas são basicamente as mesmas (o hi-hat se abre um pouco), o que faz o coro levantar são todas as partes adicionadas e intervenções sutis.
Existem duas maneiras básicas de criar dinâmicas em uma faixa. Ou você: 1) deixa o número determinado de instrumentos que fazem parte do arranjo ficarem mais altos ou mais baixos, ou você.. 2) adiciona ou remove instrumentos do arranjo. Nesse tipo de estilo de produção, há pouco espaço para instrumentos individuais mudarem de intensidade ao longo da faixa. Há muitos loops e muitas partes específicas com sons específicos que não se prestam a serem tocadas de maneira diferente de um ponto ao outro. É mais uma abordagem de samples programados, mesmo que haja músicos envolvidos. Assim, eles criaram dinâmicas adicionando e removendo elementos à medida que a canção avança. Vamos voltar e conferir.
Vimos que começa apenas com a bateria, então o padrão básico é estabelecido. Essa é a estrutura. No verso, o baixo responde à voz e é duplicado por uma guitarra rítmica estéreo quando isso acontece. Não há baixo quando ela canta. Em vez disso, há uma parte de sintetizador animado à esquerda nos primeiros 4 compassos e a parte de sintetizador ao estilo ‘FunkyTown’ que entra nos segundos 8 compassos à direita. Confira o sintetizador de ruído branco com o filtro aberto nas batidas e os ruídos de respiração se movendo ao redor como 'suporte' para o riff. Também há um pequeno grito usado como efeito que faz ‘aaaaargh’ e um sintetizador de onda quadrada banhado em reverberação no centro na segunda seção de 8 compassos. É muita coisa, mas não parece congestionada ou desnecessária. Está extremamente bem misturada.
Reserve alguns minutos para repetir esse primeiro verso e realmente preste atenção em cada pequeno detalhe. Tente memorizá-los. Eles voltam mais tarde em várias formas e é interessante perceber como.
A chegada ao 1º coro tem três fills. ‘get over here, get over here’ de Gwen à direita, uma divertida parte de guitarra reversa à esquerda e um simples chamado de caixa. A elevação é fornecida pelo sintetizador de baixo “growly” duplicando o riff do baixo, a guitarra distorcida fazendo o mesmo ao lado, as vozes multitrack e as respostas vocais. Também há um sintetizador de 16 notas constante à esquerda, posicionado onde está o hi-hat eletrônico. (Preste atenção ao padrão do hi-hat à esquerda nesse primeiro coro). A explosão inicial de energia é aumentada por uma nova parte no sintetizador animado à esquerda. (É mais fácil analisar as diferentes partes do coro na versão decomposta dela no final, durante o final) Também há um efeito que vai ‘pweeeoooo’ duplicando a caixa na batida 4 do compasso 4. Que tal para detalhe? Curiosamente, uma boa parte da vibração do coro é criada pelo baterista mudando de hi-hats de nota oitava para hi-hats de nota quarto e cercando a subdivisão com o hi-hat falso e o sintetizador. Formação legal. Confira. Por último, note os efeitos sonoros descendentes que proporcionam uma transição suave entre o coro e o verso 2. Hábil.
O verso 2 é uma cópia exata do verso 1. Para mantê-lo interessante, eles introduziram mais detalhes e ‘ear candy’. Como, por exemplo, o preenchimento da bateria no compasso 2, as vozes faladas no compasso 8, sons extras no compasso 12 e o ‘oh oh oh’ no compasso 16.
O mesmo riff de guitarra reversa é usado para introduzir o coro 2, mas note o padrão de hi-hat diferente à esquerda. E a sequência de sintetizador constante mais alta na mesma localização. O sintetizador descendente cria a transição no compasso 8. Outro hi-hat entra - no meio - com um padrão diferente. Mais detalhes, mais ‘ear candy’ mas o mesmo pocket exato. O toque agradável é que, se você prestar muita atenção, o hi-hat está ligeiramente mais aberto neste coro do que no primeiro.
O solo de guitarra sempre me intrigou. Por algum motivo, sempre pareceu pequeno em comparação com o resto da faixa, mas nunca prestei atenção em por quê. Acho que a principal razão é que o baterista muda para um som de hi-hat aberto e isso desacelera o movimento para frente (provavelmente de propósito). O sintetizador estéreo também para. O padrão do baixo muda para um muito mais simples e arrasta tudo para baixo. Fica bem cantante. Esta é uma escolha interessante de ponte em uma canção assim, especialmente porque a próxima seção apenas exibe todos os pequenos elementos de produção e - antes de chegarmos ao coro novamente - nada novo acontece lá. Entre você e eu, já estive em situações semelhantes antes. Isso se chama: ‘alguém esqueceu de escrever uma ponte, vamos apenas improvisar uma com partes que temos agora, obrigado’ síndrome.
No último coro, note como o hi-hat esquerdo e o sintetizador estão agora constantes, em total uníssono. Há mais alguns pequenos ruídos aqui e ali também, claro. E o hi-hat está bem aberto como na ponte. É uma boa ideia importar a faixa em um DAW e cortá-la para alinhar os diferentes coros, assim você pode comparar como eles se sentem facilmente. A mágica está lá.
Espacialmente, é divertido notar o som altamente típico do compressor e gate de console SSL na bateria e caixa (suspeito que sejam samples também). As batidas individuais são cortadas pelo processamento do console, mas Spike adicionou um espaço discreto ao redor delas. É tão consistente que eu acho que é espaço eletrônico, em vez de microfones de sala. (Os pratos hiperestéreos programados também são uma indicação desse truque, geralmente) Ouça-os com atenção no coro final, já que não há vocal para te distrair.
Também é valioso passar um tempo ouvindo como eles tocaram 'molhado versus seco' à medida que a canção avança. Muito, muito bom gosto. As vozes têm um reverb discreto de salão e talvez um leve atraso, mas o sintetizador melódico tem caudas óbvias. Alguns sintetizadores são banhados em reverb no meio, mas as batidas são basicamente secas com a ambiência da sala para espaço, na mesma área. Isso cria uma impressionante profundidade de frente para trás. O contraste é fundamental.
A qualidade espectral da faixa é perfeita e está não muito comprimida pela masterização. Note como a maior parte da 'gordura baixa' realmente vem do baixo e do impacto da caixa, que é diferente do estereótipo típico de 'mixagem pop'.
Acho que esta é uma das faixas pop com o melhor som de todos os tempos. Deveria viver na sua pasta de referências ao lado de 'Angel' (também mixado por Spike Stent). Você poderia ouvi-la 30 vezes e ouvir detalhes diferentes a cada vez. Esse é o ponto. Detalhe multifacetado. Espero que essa faixa tenha levado muitas, muitas (e muitas) horas de trabalho para ser montada... e muitas mais para mixar. Essas coisas não acontecem por acaso. É um bom exemplo de como uma boa mixagem de elementos eletrônicos e orgânicos pode ser perfeita e fascinante de ouvir. Existem outras músicas incríveis no álbum Rock Steady. As músicas de Nelly Hooper e Sly and Robbie soam maravilhosas. Altamente recomendado.
Fab Dupont
