Um dos pedidos mais comuns que um engenheiro ouvirá em uma sessão é: "Você pode aumentar o meu volume nos fones de ouvido?". A maioria dos músicos e cantores está acostumada a ouvir a si mesma muito acima do restante das faixas na sua mixagem de monitor. Em estúdios comerciais equipados com estações de mixagem pessoais, que permitem que os músicos controlem sua própria mixagem de monitor, você pode apostar que a maioria das pessoas aumenta significativamente o volume de si mesmas em relação ao restante da banda.
Neste trecho do Start To Finish: Matt Ross-Spang - Episódio 7 - Gravando Violão Acústico, Matt oferece uma perspectiva diferente sobre o tema das mixagens de monitor. Enquanto se prepara para gravar os overdubs de violão acústico de Eli "Paperboy" Reed, ele fala sobre sua filosofia de mixagem de monitor.
Matt, que é um produtor extremamente prático, ajusta a posição do microfone para o violão de cordas de nylon de Eli "Paperboy" Reed.
O Contexto é Tudo
Eles não têm estações de monitoramento pessoal na Sam Phillips Recording Service, onde a sessão está acontecendo, apenas caixas de distribuição de fones de ouvido. Essa simplicidade se adapta muito bem a Matt, pois ele não acredita que seja produtivo ter músicos e cantores controlando suas próprias mixagens de fone. Ele acha que eles acabarão aumentando demais o volume e, portanto, não conseguirão se conectar completamente com o groove.
Ao fornecer mixagens de monitor onde todos estão nos níveis aproximados que estarão na mixagem final, Matt cria uma situação que ele descreve como "quase como tocar sem fones de ouvido." Isso força todos a focar no groove coletivo, tornando-os muito mais propensos a se conectar e oferecer uma grande performance.
Ele diz que se alguém realmente precisa ouvir mais a si mesmo, ele tem uma segunda mixagem de monitor disponível neste estúdio que pode enviar a essa pessoa. Ele aponta que ninguém reclamou sobre os níveis de suas mixagens de monitor durante a fase de gravação desta sessão.
A sessão ocorre na Sam Phillips Recording Service em Memphis, TN.
Na sala de controle, Matt gosta de ouvir a mesma mixagem—ou pelo menos uma muito similar—que os músicos estão ouvindo. Ao ouvir os vários elementos misturados em níveis de “mixagem final”, ele pode avaliar se a configuração de gravação que está usando (microfones, posicionamento de microfones, cadeias de entrada etc.) está funcionando ou se precisa fazer ajustes.
O estilo de produção de Matt gira em torno de groove, vibe e captura de sons autênticos, portanto, sua filosofia sobre mixagens de monitor faz perfeito sentido nesse contexto.
Em vez de dar a cada músico muito mais deles mesmos nos fones de ouvido, Matt fornece uma mixagem com níveis similares à mixagem final.
Conectados
O conceito de groove é interessante. Quando músicos habilidosos gravam juntos, eles escutam uns aos outros e ajustam sua execução — quase subconscientemente — para que estejam o mais conectados possível. Quando tudo está em sintonia, os resultados podem ser sublimes.
Um dos talentos de Matt como produtor é criar um ambiente — através da escolha dos estúdios, equipamentos e sua postura descontraída — que extrai o melhor dos músicos e cantores com quem trabalha.
Matt gosta de ouvir a mesma mixagem de monitor na sala de controle que os artistas estão ouvindo.
Criando Sensação
Mesmo em um estúdio comercial com um grupo de músicos experientes, não é garantido que você conseguirá capturar grandes performances. Mas, se você estiver produzindo música orgânica, como R&B old school, blues, Americana, indie-folk, rock'n'roll ou algo similar no seu home studio, isso pode ser realmente desafiador.
É particularmente difícil obter uma sensação autêntica se você precisa usar MIDI em vez de alguns instrumentos. Ainda assim, existem algumas etapas que você pode seguir para fazer sua música soar natural e ter groove o máximo possível nas circunstâncias.
Mantenha seus arranjos centrados nos instrumentos reais que você possui. Se você tiver que usar loops de bateria (MIDI ou áudio) em vez de um baterista real, você pode gravar algumas percussões manuais por cima ou pratos de choque ao vivo (se tiver acesso a eles) para ajudar a soltar a sensação da faixa.
E, claro, siga o conselho de Matt e não aumente o seu volume (ou o de outro músico que você está gravando) muito alto na mixagem de monitor ao gravar overdubs sobre faixas existentes.
Primeiro Isso, Depois Aquilo
Se você está sobrepondo as faixas à medida que avança, as baterias devem ser gravadas primeiro (exceto talvez por uma faixa de referência de acordes e vocal de rascunho). A parte da bateria fornece uma base rítmica, e quando você estiver gravando violões, baixos e outros instrumentos, ela oferecerá algo para se conectar. Se você gravar algumas dessas outras faixas antes que as baterias estejam gravadas, elas não estarão tão ritmicamente conectadas.
Mesmo se você estiver usando baterias MIDI, ainda é melhor tê-las em seu lugar antes de gravar quaisquer outras faixas que ficarão. Para estilos de música orgânica, pode ser muito eficaz usar loops MIDI que foram gravados por bateristas reais tocando kits MIDI. Geralmente, eles não são quantizados, então eles têm uma sensação muito mais realista. Muitos instrumentos de bateria virtuais oferecem esses grooves.
Pense Como um Baterista
Uma grande vantagem das baterias MIDI em comparação com loops de bateria de áudio é que elas são muito mais fáceis de editar. Se você tiver acesso a bons loops MIDI e a um baterista virtual com som autêntico, você terá muito mais flexibilidade para construir suas partes de bateria que duram a canção inteira.
É melhor ter a parte da bateria pronta, seja ela ao vivo ou um instrumento de bateria como o Toontrack Superior Drummer 3, para que os músicos que fazem overdubs tenham um groove ao qual se conectar.
Dito isso, montar uma parte que dure a canção inteira e fazê-la soar autêntica é um desafio, mesmo com uma boa coleção de loops—seja MIDI ou áudio. Você não pode repetir o mesmo loop infinitamente. A parte precisará mudar, pelo menos sutilmente, para as diferentes seções da canção. Felizmente, muitas coleções de loops oferecem várias variações de cada groove básico.
Você também pode introduzir mudanças dinâmicas em pontos apropriados com automação de volume. Embora os loops de áudio possam soar mais autênticos do que os MIDI, eles são muito mais difíceis de editar se você precisar fazer mudanças dentro de um loop. Portanto, há vantagens em ambos.
Preencha
Ao trabalhar com loops, tenha cuidado com como você usa as preenchidas. As preenchidas fornecidas com coleções de loops costumam ser excessivamente movimentadas. Na maioria dos casos, o simples é melhor, e tente não repetir as mesmas preenchidas em múltiplos pontos da canção.
Se você usa o Apple Logic Pro X, tem acesso ao recurso Drummer, que fornece baterias virtuais com som autêntico que são fáceis de programar e oferecem muitos kits diferentes. E, além disso, se você usar um dos Kits de Produtor incluídos, poderá abrir cada bateria em uma faixa separada e mixá-las como você faria com um kit real.
Os Kits de Produtor do Drummer do Apple Logic Pro X podem ser abertos no mixer com todas as baterias em canais separados.
Você Consegue Dizer?
O seguinte exemplo de áudio apresenta três trechos curtos de bateria, um após o outro. Um é de um loop de áudio de um baterista famoso, um é do recurso Drummer do Apple Logic Pro X, e um é do Toontrack Superior Drummer 3, um excelente instrumento de bateria virtual que vem com muitos grooves. Todos eles foram processados um pouco. Antes de olhar a resposta abaixo, ouça e veja se você consegue dizer qual dos três é o baterista real.
A resposta é o número dois. Os loops são da coleção Simon Phillips do The Loop Loft.
Todos os sons de bateria no exemplo soariam bastante convincentes—supondo que fossem montados em partes autênticas e longas—particularmente com outros instrumentos ao redor deles em uma mixagem.
