No trecho do vídeo “Ryan Hewitt Mixando os Lumineers”, Hewitt descreve sua estratégia para arranjar e mixar a música “Angela”.
“Havia muito pensamento intencional sobre cada parte específica”, diz Hewitt. “Quando ia entrar, quando ia tocar e o que ia tocar.” Ele diz que não estavam apenas jogando várias partes, eles construíram a arranjo de forma muito deliberada.
Embora seja uma música relativamente suave e não tenha uma parte convencional de bateria, é incrivelmente dinâmica e cheia de pequenos toques inteligentes que ajudam a construir a energia à medida que avança. A música apresenta partes de percussão e cordas que têm um sabor orquestral, o que dá a ela o que Hewitt descreve como uma vibração “cinematográfica”.
Vamos dissecar o que acontece na música, começando do início. Para acompanhar ou se referir à mixagem real enquanto você lê este artigo, você pode ouvi-la no vídeo oficial.
INTRO
A música começa com uma parte de violão acústico dedilhado. Hewitt a fez soar mais cheia com um pouco de compressão paralela, uma reverberação Lexicon 480 amostrada e várias EQs cortando os graves e adicionando brilho.
A faixa verde é o violão acústico, e você pode ver todo o processamento que Hewitt usou nela. A faixa rotulada como ACO Crush é o canal de compressão paralela.
VERSO 1, PRÉ-REFRÃO 1
A voz do vocalista principal Wesley Shultz é o único elemento adicionado quando começa o primeiro verso. O arranjo permanece apenas com violão acústico e vocal durante a primeira seção do pré-refrão.
Hewitt explica que a música dos Lumineers é toda sobre os vocais. O som rico e orgânico da voz principal que Hewitt consegue na mixagem de “Angela” é muito mais complexo do que você poderia imaginar só ouvindo. Ele apresenta duas instâncias estéreo e uma mono do plug-in de reverb de placa UAD EMT 140, com tempos de decaimento e pré-delay variados que criam uma ambiência intrincada. (Para uma visão detalhada das configurações de reverb vocal da música, veja este artigo.) Dois ecos diferentes, incluindo um slap e um delay curto sincopado, acrescentam à riqueza do vocal, assim como uma sutil compressão paralela.
VERSO 2 e PRÉ-REFRÃO 2
A mixagem começa a se construir no início do verso 2. Um piano entra, tocando acordes altos nos tempos fortes. Hewitt coloca um plug-in UAD 1176 no piano para reforçar seu som e adicionar um pouco de sustain.
Uma bateria entra também, ajudando a impulsionar a música em direção ao primeiro refrão. O kick foi adicionado durante a mixagem e não estava no arranjo original.
Há uma seção de duas medidas que leva ao refrão, onde o arranjo reverte de volta para apenas vocais e violão acústico com uma leve percussão misturada em baixo. Essa queda de intensidade prepara um contraste adicional para o refrão, que começa quando Schultz canta a frase do vocal, “Ho”, na batida três da última medida do pré-refrão.
REFRÃO 1
No curto refrão de quatro compassos, os vocais se tornam muito mais intensos, e Hewitt decidiu movê-los para uma faixa separada, para que pudesse processá-los de forma diferente. Por exemplo, ele muda as partes de delay, inserindo um Soundtoys EchoBoy, configurado para delay digital com um pouco de saturação.
As faixas vermelhas na parte inferior são os vocais. Note como Hewitt separou os versos, refrães e ponte em faixas diferentes, para que pudesse facilmente dar a eles diferentes tratamentos de processamento.
Hewitt também realça um pouco as altas frequências na voz principal durante a seção do refrão. Ele explica que adicionar brilho é um de seus truques para ajudar a impulsionar uma determinada seção da música, porque “brilho é mais emocionante.”
O piano se envolve mais no refrão, assumindo brevemente o papel de instrumento fundamental em relação ao violão acústico. O piano toca uma parte de acordes fortes junto com “bombas de baixo”, que são partes de oitava da mão esquerda. Hewitt amplia o piano para esta seção para um contraste adicional.
Os duplos toms entram na batida do refrão, adicionando peso significativo. Hewitt adiciona uma compressão “smashy” para engordá-los. Baterias afinadas também entram nessa mesma batida, com muitos agudos cortados e distorção adicionada. A combinação dessas partes dá à percussão uma sensação orquestral.
As duas últimas medidas do refrão caem em intensidade com o piano tocando um acorde sustentado que decai lentamente sob o vocal. Assim como a queda de intensidade que precedeu o refrão 1, isso ajuda a preparar os novos elementos que entram no verso 3.
VERSO 3 e PRÉ-REFRÃO 3
A música se torna mais intensa quando começa o terceiro verso. A responsabilidade principal por impulsionar esta seção é do kick, que muda para um padrão constante de quatro tempos.
O baixo entra pela primeira vez, tocando notas inteiras. Hewitt gravou o baixo usando sua combinação típica de DI, amplificador limpo microfonado e amplificador sujo microfonado. Embora seja usado com moderação em uma música como esta, Hewitt explica que os harmônicos superiores da faixa do amplificador distorcido ajudam o baixo a se destacar, mesmo em alto-falantes pequenos.
Também entra um pseudo-shaker que é na verdade uma gravação de mãos se esfregando. Hewitt observa que ele fez automações de volume em sua faixa para fazê-la sobressair entre as linhas vocais.
Um violino faz sua entrada no início do verso 3, adicionando complexidade e interesse adicionais. Inclui duas partes: um loop de drone e uma linha de pizzicato.
O arranjo inclui várias partes de violino para ajudar a proporcionar a vibração orquestral e impactar estrategicamente a energia em vários pontos da música.
No meio do pré-refrão 3, um violoncelos entra, tocando notas longas e legato. Hewitt observa que, embora entre em um ponto um tanto incomum no meio da seção—na linha “Angela, está demorando muito”—simplesmente parece certo. Ele processa com alguns aumentos nos graves e um plug-in UAD LA-2A comprimindo as dinâmicas.
REFRÃO 2
O refrão 2 é mais intenso do que o refrão 1. É pontuado por batidas de tom estrondosas. O violoncelo muda para uma linha que duplica o ritmo das batidas de tom para reforço adicional. O violino começa a tocar uma figura de pizzicato de colcheias que Hewitt descreve como funcionando como uma parte de guitarra elétrica. Ele automatiza a linha do violino para se destacar entre os vocais.
Entram também vocais de fundo etéreos em altas frequências que são muito sutis na mixagem, mas adicionam textura.
PONTE
Outra mudança dinâmica ocorre na ponte, com a energia e a instrumentação caindo um pouco para fornecer contraste com o próximo refrão final. Hewitt explica que, como parte do arranjo, os músicos todos diminuíram sua intensidade na ponte durante a gravação. Ele não teve que criar a mudança artificialmente com automação e mutes.
As duas faixas azuis no topo são as palmas. Note como elas aumentam em volume para aumentar a intensidade levando ao refrão 3.
Um tanto contra-intuitivamente à queda de intensidade, há uma aceleração sutil do tempo que foi programada no clique antes da gravação.
A ponte se constrói bem para o refrão, em parte devido a uma faixa de palmas que começa silenciosamente e aumenta de volume à medida que se aproxima do refrão.
Um outro elemento interessante que entra na ponte é o que Hewitt chama de “piano bee.” É uma parte de contra-ritmo simples e repetitiva que consiste em notas únicas que aumentam em intensidade. Hewitt a colocou abruptamente de um lado e processou com um filtro passa-alta e delay de um plug-in UAD Echoplex.
O final da ponte se constrói para um crescendo que a impulsiona para o último refrão.
REFRÃO 3 e 3B
Voltando ao refrão, todos tocaram suas partes um pouco mais alto para adicionar energia. Hewitt também acentuou essas dinâmicas com automação de volume.
Uma nova parte de bateria entra, tocando um padrão repetido sólido que adiciona poder e propulsão extras à seção de percussão.
Para a batida, em vez de um tambor de caixa, Hewitt foi realmente criativo e amostrou o clique do obturador de uma câmera pertencente a um fotógrafo que estava presente na sessão. Ele processou isso com Soundtoys FilterFreak, cortando os agudos e adicionando saturação, usou uma EQ para cortar o topo e o fundo e enfatizar a média superior, engordou com um plug-in de pré-amplificador UAD Neve 1073 Legacy e adicionou alguns ecos e reverberação estonteantes.
Também entra neste refrão uma parte de violoncelo tocando notas staccato baixas, um violino tocando notas de semínima e outro tocando notas de pizzicato nas off beats, subindo uma oitava. Hewitt usa essa parte de pitch mais alto para adicionar excitação adicional.
Hewitt aplicou um filtro passa-alta à parte “piano bee” para que ela não conflitasse com as outras partes de piano tocando simultaneamente.
O refrão se repete com todos os mesmos elementos, mas com algumas variações mais altas na voz principal e uma parte de vocal de harmonia alta diferente que é paneada para a direita.
Para aumentar a propulsão, os instrumentos de corda e o piano dobram a velocidade de todas as suas partes no refrão repetido. Então, por exemplo, o piano passa de uma parte orientada à colcheia para uma de semínima. Ir para essa alta velocidade extrema também maximiza o contraste com a seção de final, que se segue.
FINAL
Todo o restante, exceto o violão acústico e os vocais, desaparecem, trazendo o arranjo de volta à simplicidade do primeiro verso. Shultz canta a melodia junto com o violão e então simplesmente para em um tempo forte, e o violão ressoa.
CONSIDERAÇÕES FINAIS
Claramente, Hewitt e os Lumineers criaram um arranjo dinâmico e uma mixagem que mudavam constantemente de seção para seção. Os vários elementos que entravam e saíam ajudaram a elevar e diminuir a energia para as diferentes seções, enquanto construíam continuamente em direção ao clímax no último refrão. Essas técnicas tornaram a música ainda mais poderosa e impactante.
Ver como eles alcançaram os resultados é instrutivo, e é útil pensar sobre isso ao arranjar suas próprias músicas para gravar. Assista ao vídeo completo, “Ryan Hewitt Mixando os Lumineers,” para aprender ainda mais sobre como Hewitt ajudou a banda a criar essa mixagem magistral.
